La Legendaria Tzarabanda Mecanica

Viking Eggeling, Olga Neuwirth: "Symphonie Diagonale" (1924/2006).

2011-07-29T02:31:00.012-03:00

"Symphonie Diagonale", realizado en 1924 por Viking Eggeling: Se trata, ni mas, ni menos, de un experimento para descubrir los principios básicos de la organización de los intervalos de tiempo en el medio cinematográfico.

Esta versión fue restaurado por Gösta Werner en 1994 en colaboración con el Filminstitute sueco. La música es de Olga Neuwirth, 2006.

"Cyborg 2087": Franklin Adreon (1966).

2011-07-28T01:12:00.017-03:00

"... En el mundo futuro del año 2087, la civilización se halla dominada por cyborgs totalitarios, la libertad de pensamiento es ilegal y el razonamiento de las poblaciones del mundo está controlado por el gobierno, la mayor parte de los humanos han sido transformados en cyborgs controlados mediante un chip que elimina su libre albedrío. Un pequeño grupo de "librepensadores" envía a Garth,un cyborg, atrás en el tiempo hasta el año 1966 para evitar que un científico, Sigmund Marx, provoque el gran avance que finalmente conducirá al control del pensamiento de las masas en el futuro. Nuestro viajero en el tiempo pronto descubre que no está solo cuando los agentes del gobierno del futuro tratan de evitar que el cumpla su misión..."

A primera vista, muchos encuentran que "Cyborg 2087",entre otras, como por ejemplo "Soldier", o "Demon with a Glass" ambas con libro de Harlan Ellison, es una de las versiones originales de "Terminator": un tipo proveniente de un futuro distópico que vuelve al pasado para detener el desarrollo de una prometedora nueva tecnología, que termina por destruir a la humanidad como la conocemos, y como si esto fuera poco, es perseguido por cyborgs que se empeñan en detenerlo.

"Cyborg 2087"

Fuentes:
http://www.scifi-movies.com/english/short-0000563-cyborg-2087-1966.htm
http://www.covercaratulas.com/Cyborg_2087~25297.html
http://www.cyberpunkreview.com/movie/decade/pre-1980/cyborg-2087/
http://www.rottentomatoes.com/m/cyborg-2087-1966/

"By this river", Brian Eno Segun Alva Noto & Ryuichi Sakamoto.

2011-07-27T14:33:00.007-03:00

George Cup no es una copa, & Steve Elliott... tampoco!

2011-07-20T17:11:00.013-03:00

La contribución de su trabajo para el movimiento de arte minimalista de los años 1960 y finales de 1970 fue el intento de un transito hacia la objetividad, la esquemática pulcritud de la lógica y una posición despersonalizada que se desarrolló en los últimos años, para incluir una postura más expansiva hacia la representación de las formas.

La búsqueda realizada a través de sus esculturas, objetos e instalaciones es una reducción sinóptica de las formas a la repetición en serie de estructuras primarias. Con reglas propias orientadas hacia aquellos sujetos que operan en términos de oposición de principio a fin, entre el vacío y la riqueza.

Con su trabajo crearon un cuerpo de trabajo junto a otros artistas minimalistas de la época, como Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd, Ronald Bladen y Tony Smith.

Fuente:
http://www.georgecupresearchcenter.com/

Jean Mitry (1907/1988): "Pacific 231" (1949).

2011-07-20T13:56:00.006-03:00

Jean Mitry fue uno de los fundadores de la Filmoteca Francesa, junto con Henri Langlois y Georges Franju, y el primer profesor de cine de la Universidad de París y un teórico cuyos trabajos tuvieron un gran impacto en la teoría cinematográfica, sobre todo su obra magna, Estética y psicología del cine, que es el estudio más sistemático y pormenorizado a nivel general de todos los problemas y las cuestiones relativas al cine. Acercó en su figura premisas formalistas y conceptos realistas. Su intención era acercarse del modo más científico posible al cine. Su teoría se basa en las dos palabras que componen el título de su libro: Estética y Psicología. Mitry comprendía el cine como una forma estética que utiliza la imagen como medio de expresión y cuya sucesión es un lenguaje.

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Teor%C3%ADa_cinematogr%C3%A1fica
http://luisgarciafanlo.blogspot.com/2010/04/jean-mitry-y-el-concepto-de-diegesis.html

"La habitación contigua"; A.k.a.: "The Adjoining Room" (2007). Philip K. Dick Segun Daniel Romero y Raúl Garán.

2011-07-17T20:49:00.009-03:00

"... Philippe es un joven que decide exponerse periódicamente a un fármaco a cambio de dinero. Una voz reproducida por megafonía en un almacén abandonado es su único contacto con los suministradores de la misteriosa sustancia..."

Fuentes:
http://danilebowski.blogspot.com/2008/02/la-habitacin-contigua-el-cortometraje.html
http://www.ciencia-ficcion.com/pelis/cortos/habitacioncontigua.htm

Lou Reed: "Metal Machine Music" (1975)... Saquen sus Propias Conclusiones.

2011-06-30T22:12:00.019-03:00

"...Desde su lanzamiento en 1975, Metal Machine Music (MMM) se ha instalado como uno de los álbumes más famosos e incomprendidos en la historia del rock...

...En marcado contraste con los álbumes mas populares de Reed que le precedieron, como el transformador y Berlín, MMM aparece sin cantos ni voces. En cambio, el doble álbum contenía cuatro partes - cada una con una duración alrededor de 16 minutos - en las que acoples de guitarras eléctricas se superponian para crear un complejo de pistas multiples que componian un denso collage sonoro.

El lanzamiento, el álbum fue casi universalmente defenestrado por la critica. Los aficionados esperaban más canciones en la vena de Perfect Day o Walk on the Wild Side, y se sintieron decepcionados con el sonido del nuevo álbum. Muchos de esos compradores devolvieron sus copias. Por lo que MMM fue retirado a las tres semanas de su lanzamiento.

Sin embargo, quienes escucharon atentamente el registro descubrieron una cacofonía de música nueva y vibrante, que combinaba el sonido y la energía del rock con elementos de la musica contemporánea de compositores como La Monte Young - con quien John Cale había tocado antes de unirse a Reed en The Velvet Underground..."

Ver nota completa de John Eyles.

Lenta pero inexorablemente, MMM se convirtió en un clásico de culto, y su influencia creció de manera exponencial. Dio a luz a categorías tales como el "noise" y la música industrial, que no existían en 1975. Sus efectos se siguieron sintiendo desde entonces en todo el mundo, sobre todo en Japón y Alemania.

1	Metal Machine Music, Pt. 1	Reed	16:10
2	Metal Machine Music, Pt. 2	Reed	15:53
3	Metal Machine Music, Pt. 3	Reed	16:13
4	Metal Machine Music, Pt. 4	Reed	15:55

Desde aqui pueden descargarlo.

Fuentes:
http://www.bbc.co.uk/music/reviews/wzwx
http://www.gyrofrog.com/mmm.php
http://www.allmusic.com/album/metal-machine-music-r16376/review
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article4427.html
http://www.valladolidwebmusical.org/imprescindibles/metal_machine_music.htm
http://saturnschildren.blogspot.com/2010/03/lou-reed-metal-machine-music-1975.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Lou_Reed

... Y Otra Mas del BBC Radiophonic Workshop: "Los Alquimistas del Sonido".

2011-06-12T21:49:00.005-03:00

Mas del BBC Radiophonic Workshop:
The Electric Music Machine.
Delia Derbyshare, La Ignota Dra. Who.

Rodolfo Kuhn: "Pajarito Gomez, Una Vida Feliz" (1965).

2011-05-26T23:55:00.009-03:00

Una "... historia del ascenso a la fama de un típico cantante nuevaolero de los años 60, y como se lo construye mediáticamente con la ayuda de los medios y la comercialidad de la cosa"...

Luego de realizar dos largometrajes emblemáticos de la llamada Generación del 60 (Los jóvenes viejos y Los inconstantes), el director argentino Rodolfo Kuhn (1934-1987) conoció al poeta Francisco “Paco” Urondo y al humorista Carlos Peralta (uno de los creadores de la revista Tía Vicenta) y escribió con ellos Pajarito Gómez, el primer film argentino que se atrevió a atacar directamente a la sociedad de consumo. El catalizador fue la figura de un cantante “nuevaolero” modelado sin disimulos sobre Palito Ortega, que en 1965 se encontraba en el apogeo de su fama.

Todos los recursos formales del film están puestos en función de la sátira, que empieza con el joven cantante y el negocio que lo sostiene, pero se extiende hacia los medios masivos de comunicación: las revistas, las fotonovelas, la radio y sobre todo la TV, medio que Kuhn conocía a fondo y sobre el que ironizaba desde su primer film. El relato rompe con la forma narrativa convencional y acumula episodios sobre la vida cotidiana del ídolo y su entorno, adoptando la forma específica de cada medio de comunicación.

Parte esencial de la eficacia del film es la precisión y agudeza con que los músicos Oscar y Jorge López Ruiz imitaron el tipo de canciones pop del período. La escena final, que oscila entre el surrealismo y la desesperación, se cuenta entre las más conmovedoras de la historia del cine argentino.

Tambien les recomendamos la Reseña que hizo de la Pelicula Martha Silva que pueden ver aqui.

"Pajarito Gomez"

Fuentes:
http://www.malba.org.ar/web/cine_pelicula.php?id=1247&subseccion=peliculas_proyectadas
http://nosoyloquedeberia.blogspot.com/2010/08/pajarito-gomez-post-numero-dos.html
http://www.rosariocine.com.ar/Pajarito-Gomez-Un-vida-feliz_3017
http://primerapagina93.blogspot.com/2010/09/rodolfo-kuhn.html

200 Moteles (1971): Frank Zappa & The Mothers of Invention.

2011-05-21T00:18:00.010-03:00

200 Moteles fue filmada en 1970 en los famosos estudios Pinewood, en las afueras de Londres, durante siete días en jornadas de 8 horas. El montaje demandó once días de 10 horas cada uno. Del guión original, sólo un tercio llegó a registrarse.

Fue el primer film en la historia en ser grabado en VIDEO TAPE y luego transferido a celuloide Technicolor de 35mm (como un film convencional). Según el propio Zappa: "definió el estándar de las técnicas más avanzadas de vídeo de su momento".

La música fue compuesta durante 5 años mayormente en habitaciones de hoteles y moteles (de ahí el título) en medio de las giras, y se grabó en vivo durante la filmación (excepto "Penis Dimension").

La película y el disco doble (2-LPs) fueron editadas por United Artists.

El costo total del film fue de us$ 679.000 (dólares norteamericanos). Los másters originales fueron vendidos como cinta usada en us$ 4.000 para "achicar el presupuesto" por el productor Jerry Goode. De esta manera se perdió el máster y todas las imágenes que habían quedado inéditas.

200 Motels part 1 - watch more funny videos

200 Motels part 2 - watch more funny videos

200 Motels part 3 - watch more funny videos

Fuentes:
http://webspace.webring.com/people/dg/gasio/200sobre.html
http://pdxfilm.wordpress.com/2010/06/09/pdxfilm-presents-frank-zappas-200-motels-2/

De Como Mikhail Karzhukov, Aleksandr Kozyr (1960): "Nebo Zowet" Se Convirtio en Francis Ford Coppola (1962): "Battle Beyond the Sun".

2011-05-18T23:00:00.021-03:00

En los años sesenta, Roger Corman obtuvo los derechos de una película Sovietica llamada "Nebo Zowet" (que traducido seria algo asi como "La Llamada de los Cielos"). Los efectos visuales Rusos utilizados son excelentes para la epoca, con diseños interesantes para la estación espacial orbital, y detalles como el del jardín botánico para generar oxígeno, para tener en cuenta, aunque tanto la direccion como la actuacion eran meramente funcionales.

Corman entro en contacto con el departamento de cine de la UCLA y les preguntó si había algún estudiante con talento suficiente como para editar la película en algo que pudiese ser exhibido en los Estados Unidos. Cuenta la leyenda que después de una entrevista impresionante Francis Ford Coppola consiguió el trabajo.
Coppola comenzó el proceso de "americanización" con la reescritura de los diálogos para cambiar el punto de vista político de lo que parece haber sido una película sobria y moralista acerca de la necesidad de cooperación entre los EE.UU. y la URSS durante la Guerra Fria, y de ahi en mas doblar las voces de los actores rusos por actores estadounidenses con nuevos parlamentos. Más tarde rodó algunas nuevas secuencias de efectos especiales para, por fin, volver a editarlo todo junto de nuevo. Esta nueva pelicula paso a llamarse "Battle Beyond the Sun".

Sinopsis:

Tras la reciente tragedia de "La Gran Guerra Atómica", los sobrevivientes del conflicto casi apocalíptico han vuelto a comenzar. El mundo se ha dividido a lo largo del ecuador en dos órganos de gobierno denominados Hemis del Norte y del Sur. Ambos'Hemis están trabajando duro para desarrollar la tecnología necesaria para enviar el primer hombre a Marte. El 07 de noviembre 1997 el Hemis del Sur puso en marcha la primera fase de su misión a Marte,el proyecto espacial secreto con el nombre en código "Planeta Rojo".
Mientras se prepara para la segunda fase, en una estación espacial que orbita la Tierra, se recibe una llamada de socorro de la nave espacial del Hemis Norte "Tifón". A pesar de la nueva Guerra Fría que se ha desarrollado recientemente entre las dos partes, se permite al "tifón" descender en el muelle de reparaciones. Mientras, a bordo de la estación espacial, la tripulación del "Tifón" se entera de los planes del Hemis Sur. Por lo que intentaran salir rápidamente de la estación en un esfuerzo por frustrar tales planes. Al día siguiente, el Hemis Sur lanza su propia nave espacial, el "Mercurio", con la esperanza de ganar la carrera espacial a Marte.

Fichas Tecnicas:

- Nebo zovyot (URSS, 1960) [Color, 77 m.].
Dirección: Mikhail Karzhukov, Aleksandr Kozyr.
Guión: Mikhail Karzhukov, Yevgeni Pomeshchikov, Aleksei Sazanov.
Fotografía: Nikolai Kulchitsky.
Musica: Yuli Meitus.
Productora: A.P. Dovzenko Filmstudio.

- Battle Beyond the Sun (USA, 1962) [Color, 64 m.].
Dirección: Thomas Colchart (Francis Ford Coppola).
Música: Les Baxter, Ronald Stein (US version).
Produción: Roger Corman.
Productor ejecutivo: 'Thomas Colchart (Francis Ford Coppola; producer/scenarist. US version).

Fuentes:
http://www.downunderdvd.com/SciFiMovies.html
http://www.classichorror.free-online.co.uk/TML/b50.htm#bbts
http://derkommissar.wordpress.com/2008/02/01/anthologie-de-la-science-fiction-sovietique-
part-3-lalien-nest-pas-un-ennemi/
http://scifi.dead-donkey.com/viewtopic.php?t=1549

Man Ray (1945-1998): El Renacentista del Siglo XX. La Filmografia.

2011-05-15T03:20:00.007-03:00

Les Mystères du château de Dé (1929)

Emak Bakia (1926)

Le Retour à la raison (1923)

L'Étoile de mer (1928)

Home Movies (1923-1937/1938)

The Bazaar Years (1990, documental)

Fuentes:
http://www.ubu.com/film/ray.html
http://www.banrepcultural.org/man-ray/#

Iron Sky: ¿... Sera en el 2012?

2011-05-15T02:21:00.003-03:00

Ver mas de "Iron Sky".

"Marcianos: Cronologia de la Deuda Externa". Una Historia Tragica Apta para Todo Publico.

2011-04-27T22:02:00.023-03:00

Marcianos es un dibujo animado que reseña la historia de la Deuda Externa argentina y fue elaborado por el Museo de la Deuda Externa de La Facultad de Ciencias Economicas de la Universidad de Buenos Aires en conjunto con el canal Encuentro y la TV Pública. El mismo será difundido por canal Encuentro todos los martes a partir del 19 de abril a las 22:30 horas y sus repeticiones.

La serie consta de 6 capítulos de 25 minutos cada uno y se aborda en ella las peripecias de un grupo de investigación extraterrestre que llega al planeta Tierra en el cuarto milenio. La Humanidad ha desaparecido como especie después de una hecatombe nuclear y los investigadores deben recurrir a una brecha espacio-temporal para abducir individuos que puedan explicarles lo ocurrido. En el territorio que ocupaba Argentina, un economista tratará de ilustrarlos acerca de uno de los mayores exponentes de la voluntad de auto exterminio: la Deuda Externa.

"Marcianos: Cronologia de la Deuda Externa" E01

"Marcianos: Cronologia de la Deuda Externa" E02

"Marcianos: Cronologia de la Deuda Externa" E03

"Marcianos: Cronologia de la Deuda Externa" E04

"Marcianos: Cronologia de la Deuda Externa" E05

"Marcianos: Cronologia de la Deuda Externa" E06

Este dibujo animado es la adaptación para televisión de una colección de cuatro cómics sobre el análisis del endeudamiento público que editó la Facultad de Ciencias Económicas y distribuye gratuitamente a entidades educativas.

A partir del 2006, el Museo transformó al lenguaje del comic toda la historia del endeudamiento externo argentino. Hicieron una primera iniciativo con voluntarios del museo y con un grupo de dibujantes que se llama "El dragón de Humahuaca".

La historieta está basada en el libro "La deuda externa explicada a todos" de Alfredo Eric Calcagno y Eric Calcagno.

Fuentes:
http://www.portalba.com.ar/noticia_7_15599_deuda-externa-y-marcianos
http://www.dragonh.com.ar/economia_libros.html
http://www.insumisos.com/diplo/NODE/3916.HTM
http://portal.educ.ar/noticias/educacion-y-sociedad/el-museo-de-la-deuda-externa.php

Michel Gondry: Entre el Libro Guinness de los Récords y la absoluta originalidad. Parte I: Los Largometrajes".

2011-04-26T22:45:00.004-03:00

Human Nature (2001)

Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)

The Science of Sleep (2006)

Be Kind Rewind (2008)

The Green Hornet (2011)

Parte II: Los Cortometrajes.
Parte III: Los Documentales.
Parte IV: Los Videos Musicales.
Parte V: Los Spots Publicitarios.

Fuentes:
http://en.wikipedia.org/wiki/Michel_Gondry
http://www.michelgondry.com/
http://www.imdb.com/name/nm0327273/bio
http://www.taringa.net/posts/tv-peliculas-series/1305257/Megapost-Michel-Gondry-_videoclips-y-pelis_.html

Michel Gondry: Entre el Libro Guinness de los Récords y la absoluta originalidad. Parte II: "Los Cortometrajes".

2011-04-26T22:30:00.007-03:00

L'expedition fatale (1986)

Jazzmosphère (1987)

My Brother's 24th Birthday (1988)

La lettre (1998)

One Day... (2001)

Pecan Pie (2003)

Ossamuch! - Kishu & Co. (2004)

Tiny (2004)

Three Dead People (2004)

Drumb and Drumber (2004)

Michel Gondry Solves a Rubik's Cube with his Nose (2007)

Tokyo!: Interior Design (2008)

Parte I: Los Largometrajes.
Parte III: Los Documentales.
Parte IV: Los Videos Musicales.
Parte V: Los Spots Publicitarios.

Fuentes:
http://en.wikipedia.org/wiki/Michel_Gondry
http://www.michelgondry.com/
http://www.imdb.com/name/nm0327273/bio
http://www.taringa.net/posts/tv-peliculas-series/1305257/Megapost-Michel-Gondry-_videoclips-y-pelis_.html

Michel Gondry: Entre el Libro Guinness de los Récords y la absoluta originalidad. Parte III: "Los Documentales".

2011-04-26T22:04:00.008-03:00

Vingt p'tites tours (1989) Co-director

Twenty Small Towers

I've Been Twelve Forever (2003)

Dave Chappelle's Block Party (2005)

L'Epine dans le Coeur (2009)

Parte I: Los Largometrajes.
Parte II: Los Cortometrajes.
Parte IV: Los Videos Musicales.
Parte V: Los Spots Publicitarios.

Fuentes:
http://en.wikipedia.org/wiki/Michel_Gondry
http://www.michelgondry.com/
http://www.imdb.com/name/nm0327273/bio
http://www.taringa.net/posts/tv-peliculas-series/1305257/Megapost-Michel-Gondry-_videoclips-y-pelis_.html

Michel Gondry: Entre el Libro Guinness de los Récords y la absoluta originalidad. Parte IV: "Los Videos Musicales".

2011-04-26T21:54:00.001-03:00

"How Are You Doing?" - The Living Sisters (2011)

"Open Your Heart" - Mia Doi Todd (2010)

"Too Many Dicks On The Dancefloor" & "Carol Brown" (unofficial videos) - Flight Of The Conchords (2009)

"Soleil du Soir" - Dick Annegarn (2008)

"Declare Independence" - Björk (2007)

"Dance Tonight" - Paul McCartney (2007)

"Limitless Undying Love" - Sergio Hiram (2007)

"Cellphone's Dead" - Beck (2006)

"Anysound" - The Vines (2006)

"King of the Game" - Cody ChesnuTT (2006)

"Heard 'Em Say" (U.S. Version) - Kanye West (2005)

"The Denial Twist" - The White Stripes (2005)

"Light & Day" (movie version) - The Polyphonic Spree (2004)

"Winning Days" - The Vines (2004)

"Mad World" (Donnie Darko soundtrack version) - Gary Jules (2004)

"Ride" - The Vines (2004)

"Walkie Talkie Man" - Steriogram (2004)

"I Wonder" - The Willowz (2004)

"The Hardest Button to Button" - The White Stripes (2003)

"Behind" - Lacquer (2003)

"Come Into My World" - Kylie Minogue (2002)

"A l'envers à l'endroit" - Noir Désir (2002)

"Dead Leaves and the Dirty Ground" - The White Stripes (2002)

"Fell in Love with a Girl" - The White Stripes (2002)

"Star Guitar" - The Chemical Brothers (2001)

"Knives Out" - Radiohead (2001)

"Mad World" - Michael Andrews and Gary Jules (2001)

"Let Forever Be" - The Chemical Brothers (1999)

"Gimme Shelter" - The Rolling Stones (1998)

"Another One Bites the Dust" - Wyclef Jean (1998)

"Music Sounds Better With You" - Stardust (1998)

"Bachelorette" - Björk (1997)

"Deadweight" - Beck (1997)

"Jóga" - Björk (1997)

"Everlong" - Foo Fighters (1997)

"A Change Would Do You Good" - Sheryl Crow (1997)

"Around the World" - Daft Punk (1997)

"Feel It" - Neneh Cherry (1997)

"Sugar Water" - Cibo Matto (1996)

"Hyper-Ballad" - Björk (1996)

"Like a Rolling Stone" - The Rolling Stones (1995)

"Isobel" - Björk (1995)

"Protection" - Massive Attack (1995)

"High Head Blues" - Black Crowes (1995)

"Army of Me" - Björk (1995)

"Fire On Babylon" - Sinéad O'Connor (1994)

"Lucas With the Lid Off" - Lucas (1994)

"Little Star" - Stina Nordenstam (1994)

"This is it (Your Soul)" - Hothouse Flowers (1993)

"It's Too Real (Big Scary Animal)" - Belinda Carlisle (1993)

"Human Behaviour" - Björk (1993)

"Believe" - Lenny Kravitz (1993)

"She Kissed Me" - Terence Trent D'Arby (1993)

"Voila, Voila, Qu'ça r'Commence" - Rachid Taha (1993)

"La main parisienne" - Malcolm McLaren, featuring Amina (1993) (unreleased)

"Je Danse Le Mia" - IAM (1993)

"Snowbound" - Donald Fagen (1993)

"La Tour de Pise" - Jean François Coen (1993)

"Hou! Mamma Mia" - Les Négresses Vertes (1993)

"Les Jupes" - Robert (1992)

"Two Worlds Collide" - Inspiral Carpets (1992)

"Close But No Cigar" - Thomas Dolby (1992)

"Paradoxal Système" - Laurent Voulzy (1992)

"La Ville" - Oui Oui (1992)

"How the West Was Won" - Energy Orchard (1992)

"Les Voyages Immobiles" - Etienne Daho (1992)

"Blow Me Down" - Mark Curry (1992)

"Comme un ange (qui pleure)" - Les Wampas (1992)

"Dad, laisse-moi conduire la Cad" - Peter & the Electro Kitsch Band (1991)

"La normalité" - Les Objects (1991)

"Sarah" - Les Objects (1991)

"Ma Maison" - Oui Oui (1990)

"Queen for a Day" - The Life of Riley (1989) (unreleased)

"Tu rimes avec mon coeur" - Original MC (1989)

"Les Cailloux" - Oui Oui (1989)

"Il y a ceux" - l'Affaire Louis Trio (1989)

"Queen for a Day" - The Life of Riley (1989)

"Dô, l'enfant d'eau" - Jean-Luc Lahaye (1988)

"Bolide" - Oui Oui (1988)

"Un Joyeux Noël" - Oui Oui (1988)

"Junior Et Sa Voix D'Or" - Oui Oui (1988)

Parte I: Los Largometrajes.
Parte II: Los Cortometrajes.
Parte III: Los Documentales.
Parte V: Los Spots Publicitarios.

Fuentes:
http://en.wikipedia.org/wiki/Michel_Gondry
http://www.michelgondry.com/
http://www.imdb.com/name/nm0327273/bio
http://www.taringa.net/posts/tv-peliculas-series/1305257/Megapost-Michel-Gondry-_videoclips-y-pelis_.html

"Gibel Sensatsii" (1935): Karel Capek por Aleksandr Andriyevsky?

2011-04-15T00:42:00.010-03:00

Un joven ingeniero inventa a unos incansables robots gigantes para reemplazar a la frágil humanidad en los trabajos de mayor esfuerzo en las gigantescas lineas de montaje, y pronto descubre que su invención llama poderosamente la atención de la industria militar.

La leyenda urbana se ha referido a este título como una versión filmada de la obra teatral de Karel Capek "RUR". Este equivoco, al parecer, radica en el uso del logotipo R.U.R mostrado por los robots de la película. Aunque las siglas, evidentemente, son tomadas de la obra de Capek, significan "Ripple's Universal Robots" y no "Rossum's Universal Robots". Ripple o Ripl es el personaje de la película que inventa los robots. De hecho, ningún crédito se da Capek o su obra en los titulos de pantalla, y la trama solo se asemeja a la obra en el sentido amplio de la preocupacion porque los robots sustituyan a los trabajadores. La película, sin embargo, interpreta esta perspectiva como una idea villanesca y desastrosa , en marcado contraste con el punto de vista utópico de Capek al respecto de la robótica. Además, sus robots son máquinas sin emociones y sin sentido, en lugar de los androides racionales y con emociones de la obra Checa. Lo que ocurría era, que en esa época, era muy común, sobre todo en las películas de ciencia ficción, hacer alguna referencia a la obra de Capek (escrita en 1920), debido al gran impacto que su creación provocó en el público de todo el mundo.

Capek__Karel_y_Joseph_-_R.U.R

"Gibel Sensatsii"

Fuentes:
http://www.cine-clasico.com/foros/viewtopic.php?style=9&f=90&t=29129&style=9&style=9&sid=f6456760f67276e6b6c9693cee2a9c68
http://www.scifi-movies.com/english/short-0000991-gibel-sensatsii-1935.htm
http://www.imdb.com/title/tt0240539/
http://www.imdb.com/title/tt0240539/trivia
http://www.horrormovies.org/database/gibel-sensatsii-1935/6236/
http://www.nodo50.org/rebeldemule/foro/viewtopic.php?f=12&t=7896&p=40664

Michel Gondry: Entre el Libro Guinness de los Récords y la absoluta originalidad. Parte V: "Los Spots Publicitarios".

2011-04-07T10:25:00.044-03:00

Adidas Aftershave - Released From Work

Air France - Le Nuage

Air France - Le Passage

AMD - Flatzone

BMW - Pure Drive

Coca-Cola - Snowboarder

Nespresso - The Boutique

Diet Coke - Tingle and Bounce 1, Tingle and Bounce 2

Électricité de France - Selects

Earthlink - Privacy

Fiat - Lancia Y10

Fox Sports Network campaign (four ads)

GAP - Holiday Campaign

Gatorade - Propel Fitness Water - Drip

Heineken - Debut

Levi's - Bellybutton

Levi's - Drugstore

Levi's - Mermaids

Levi's - Swap

Motorola - Razr2

NatWest - Zoom

Nike - Basketball campaign (five ads)

Nike - I Can Play

Nike - Leo

Nike - The Long, Long Run

Polaroid - Resignation / Living Moments

Smirnoff - Smarienberg

Volvo - I Said Volvo

Parte I: Los Largometrajes.
Parte II: Los Cortometrajes.
Parte III: Los Documentales.
Parte IV: Los Videos Musicales.

Fuentes:
http://en.wikipedia.org/wiki/Michel_Gondry
http://www.michelgondry.com/
http://www.imdb.com/name/nm0327273/bio
http://www.taringa.net/posts/tv-peliculas-series/1305257/Megapost-Michel-Gondry-_videoclips-y-pelis_.html

“Adjustment Team”; A.k.a.: “Equipo de Ajuste” (1954)/“The Adjustment Bureau”; A.k.a.: “Destino Oculto” (2010). Philip K. Dick por George Nolfi.

2010-12-02T20:46:00.023-03:00

...Como Siempre...: Piensa mal... Y estaras en lo correcto!

... "Todos tenemos un destino predeterminado, pero muy pocos llegan a conocerlo con antelación. Una relación amorosa apasionada y verdadera: ...un ambicioso político a punto de ocupar un lugar en el senado y una bailarina de ballet, de la que se enamora al instante. Y de repente, un grupo de sujetos que insisten en que eso jamás debió haber ocurrido. Hechos extraños, bizarros, y la constante sensación de que todo está absolutamente planeado..."

EQUIPO DE AJUSTE (The Adjustment Team) - PHILIP K. DICK.

El Libro.

Dick, Philip K. - Equipo de Ajuste

DESTINO OCULTO (The Adjustment Bureau) - GEORGE NOLFI.

La pelicula.

Fuentes:
http://www.neoteo.com/the-adjustment-bureau-trailer.neo
http://www.scifiworld.es/noticias.php?title=The%20Adjustment%20Bureau%3A%202%20P%F3sters%20&id_noticia=8584
http://www.tublogdecine.es/posters/the-adjustment-bureau-posters-corto-a-matt-damon-por-aqui-pego-a-emily-blunt-por-alla/25141
http://en.wikipedia.org/wiki/File:Orbit_Science_Fiction_no.4_Sept-Oct_1954_%28Table_Of_Contents_and_Copyright_Notice_page%29_300dpi.jpg

Kenneth Anger: El Mago Maldito del Cine que se fue y volvio de la mano de la Publicidad.

2010-11-30T19:22:00.020-03:00

Kenneth Anger figura entre los más conocidos e importantes cineastas de la vanguardia del siglo XX. Fue innovador en la utilización del fotomontaje, las exposiciones múltiples, la edición rápida e incluso abrupta, las imágenes en flash –tan fugaces que no se ven si uno parpadea–, el color sumamente abstracto y la música contemporánea popular –en especial, el rock and roll–. Técnicas tan influyentes que muchas de ellas se aplican en gran parte de la producción fílmica actual, tanto en la comercial como en la artística.

..."Hay que hablar del cine experimental, hay que entrar en las fauces más profundas del cine underground y provocar un incomodo momento, un momento de realidad, de subrealidad, de hiperealidad, de todas las desfiguraciones que la realidad tenga en un mito, en lo oculto, en lo místico, y para todo esto, nadie como Kenneth Anger, nadie como él, el icono del mundo subterráneo, el maestro del cine más bajo y pecaminoso. Sus cortos, que él ha estado produciendo desde 1937, se han fusionado en diversas corrientes de surrealismo y homoerotismo, con lo oculto; lo infernal. La mayoría contienen elementos de erotismo, documental, el psicodrama, y espectáculo circense. Ha causado un impacto profundo en el trabajo de muchos otros cineastas y artistas, ha logrado que géneros como el vídeo musical se transformaran en una forma de arte emergente, integrando secuencias del sueño, danza, la fantasía y narrativa..." Ver nota completa (suponemos de Michel Dorantes) en: Cine Panorama.

Con ironía y sin piedad, Anger pasea entre escándalos, muerte y sexo; ninfómanas, asesinatos, violaciones y sobredósis... cuanto más sórdido, mejor, para dejar claro que las estrellas no tenían una vida mejor que el común de los mortales.

Y, mientras se entretejen lo oculto, el mito, la magia y lo atemporal en sus películas, cortos como Scorpio Rising, Kustom Kar Kommandos e Invocation of My Demon Brother capturan con destreza la esencia de su época: el primero, la cultura pop y los cultos de las bandas urbanas de la costa Este; el segundo, el ambiente limpio, duro y de alta tecnología de la cultura automovilística californiana; y el tercero, el entorno psicodélico de la droga en el barrio de Haight-Ashbury en San Francisco. A pesar de la contemporaneidad de estos filmes, en gran parte de su obra prevalece un sentido atemporal del misticismo ritual que señala a Anger como el Mago del Cine.

Filmografía (cortometrajes)

* Who Has Been Rocking My Dreamboat (1941)

* Tinsel Tree (1942)

* Prisoner of Mars (1942)

* The Nest (1943)

* Drastic Demise (1945)

* Escape Episode (1946)

* Fireworks (1947). 14 minutos.

* Puce Moment (1949). 6 minutos.

* The Love That Whirls (1949)

* Maldoror (1951-1952, inacabada)

* Rabbit's Moon (1950-72-79) 16 min. / 7 min.

* Eaux d'artifice (1953). 13 minutos.

* Le Jeune Homme et la Mort (1953)

* Thelema Abbey (1955). Documental sobre la Abadía de Thelema en Cefalú (Sicilia), creada por Aleister Crowley.

* Inauguration of the Pleasure Dome (1954-56) (Inauguración de la cúpula del placer). 40 minutos.

* Historie d'O (1959-1961)

* Scorpio Rising (1963). 30 minutos.

* Kustom Kar Kommandos (1965). 3 minutos.

* Invocation of My Demon Brother (1969) (Invocación de mi demonio guardian). 15 minutos. Banda sonora compuesta por Mick Jagger. En este cortometraje, Anton Szandor LaVey fundador de la iglesia de Satán, hace el papel de Satán.

* Lucifer Rising (1970-81). 45 minutos.

* Senators in Bondage (1976)

* Ich will! (2000)

* Don't Smoke That Cigarette (2000)

* The Man We Want to Hang (2002)

* Mouse Heaven (2004)

* Anger Sees Red (2004)

* Elliott's Suicide (2007), 15 minutos.

* I'll Be Watching You (2007), 5 minutos.

* My Surfing Lucifer (2007), 4 minutos.

* Death (2008), 42 segundos.

* Foreplay (2008), 7 minutos.

* Uniform Attraction (2008), 21 minutos.

* Misoni (2010), 2 mins. 32 secs.

Fuentes:
http://en.wikipedia.org/wiki/Kenneth_Anger
http://www.kennethanger.org/
http://www.canaltcm.com/libros/foto/2007/04/03/hollywood-babilonia-kenneth-anger
http://www.caac.es/descargas/foll_anger10.pdf
http://cinepanorama.wordpress.com/2010/06/01/kenneth-anger/

Wladyslaw Starewicz (1882/1965).

2010-11-19T23:06:00.022-03:00

..."Si ateniéndonos a una historiografía cronológica de las técnicas de animación cinematográfica de objetos inertes fotograma a fotograma que llamamos stop-motion, podríamos decir que Ladislas Starewicz es uno de sus descubridores y pioneros, en cuanto a haber sabido utilizarlo no ya sólo de una manera enteramente narrativa, sino de elevarlo hasta una categoría artística y poética irrefutable, nos encontramos de justicia ante el primero, el padre. Emile Cohl ya estaba antes, y sus investigaciones en el campo de la animación frame a frame fueron decisivas, como todavía constatan los cortos que de él se conservan. Lo mismo podríamos decir de los objetos animados en escenarios reales de Georges Méliès o nuestro propio pionero, Segundo de Mochón. Pero son las historias de Starewicz las que aún hoy, a pesar del paso de las décadas, continúan resultando sorprendentes, estimulantemente imaginativas y muy emocionantes por su complejidad. Su talento creador destaca en especial por el amor al detalle, las conseguidas ambientaciones y la expresividad de sus personajes, que nos hacen olvidar a cada instante que no son seres vivos, parece imposible que no lo sean. Por medio de sus marionetas, el artista disecciona el comportamiento humano con un cinismo propio de un Anton Chejov, incluso cuando sus muñecos suelen ser figuras de animales, como en el lenguaje de las fábulas. Starewich supo divertir, hacer soñar, hacer pensar, y además dotarlo todo de un altísimo valor plástico, fotográfico y escénico, gracias a la calidad y originalidad de sus muñecos, y a lo medido e inspirado de sus puestas en escena"... (Recomendamos ver nota completa de Javier Ludueña Fernandez publicada en Revista Fantastique)

Filmografia:

Peliculas dirigidas en Kaunas, Lituania; 1909–1910, (Con sus titulos originales en polaco):

* Nad Niemnem, (1909) - Beyond the River Nemunas
* Zycie Ważek (1909)- The Life of the Dragonfly
* Walka żuków (1909) - The Battle of the Stag Beetles
* Piękna Lukanida (1910) - The Beautiful Lukanida (Primera pelicula con marionetas animadas)

Ninguna de ellas ha sobrevivido hasta ahora.

Peliculas dirigidas en Rusia 1911-1918, (Con sus titulos originales en ruso):

* MIEST KINOMATOGRAFICHESKOVO OPERATORA (1911) - The Cameraman’s Revenge

* ROZHDYESTVO OBITATELEI LYESA (1911) - The Insects' Christmas

* STREKOZA I MURAVEI (1911) - The Ant and the Grasshopper

* AVIACIONNAYA NEDELYA NASEKOMYKH (1912) - Insects' Aviation Week

* STRASHNAIA MYEST (1912) - The Terrible Vengeance

* NOCH' PERED ROZHDESTVOM (1912) - The Night before Christmas

* VESELYE SCENKI IZ ZHIZNI ZHIVOTNYKH (1912) - Amusing Scenes from the Life of Insects

* PUTESHESTVIE NA LUNU (1912) - A Journey to the Moon

* RUSLAN I LUDMILLA. (1913) - Ruslan and Ludmilla

* SNEGUROCHKA. (1914) - The Snow Maiden

* PASYNOK MARSA (1914) - Mars’s Stepson

* KAYSER-GOGIEL-MOGIEL (1914) - Gogel-Mogel General

* TROIKA (1914) - Troika

* FLEURS FANEES 1914 - Faded Flowers

* LE CHANT DU BAGNARD (1915) - The Convict's Song

* PORTRET (1915) - (Aparentemente producida por el comité Skobeliew) - The Portrait

* LILIYA BEL'GII (1915) - The Lily of Belgium

* ETO TYEBYE PRINADLEZHIT (1915) - It’s Fine for You

* EROS I PSYCHE (1915) - Eros and Psyche

* DVYE VSTRYECHI (1916) - Two Meetings

* LE FAUNE EN LAISSE (1916) - The Chained Faun

* O CHOM SHUMIELO MORIE (1916) - The Murmuring Sea

* TAMAN (1916) - Taman

* NA VARSHAVSKOM TRAKTE (1916) - On The Warsaw Highway

* PAN TWARDOWSKI (1917) - Mister Twardowski

* SASHKA-NAEZDNIK (1917) - SASHKA-NAEZDNIK

* K NARODNOI VLASTI (1917) - Towards People’s Power

* KALIOSTRO (1918) - Cagliostro

* YOLA (1918) - Iola

* WIJ (1918) - Vij

* SOROTCHINSKAIA YARMAKA (1918) - The Sorotchninsk Fair

* MAISKAYA NOCH (1918) - May Night

* STELLA MARIS (1918) - Starfish

Peliculas dirigidas en Francia, 1920–1965, (Con sus titulos originales en frances):

* DANS LES GRIFFES DE L'ARAIGNEE (1920) - In the Claws of the Spider

* LE MARIAGE DE BABYLAS (1921) - Babylas’s Marriage

* L'EPOUVANTAIL (1921) - The Scarecrow

* LES GRENOUILLES QUI DEMANDENT UN ROI (1922) - Frogland

* LA VOIX DU ROSSIGNOL (1923) - The Voice of the Nightingale

* AMOUR NOIR ET BLANC (1923) - Love in Black and White

* LA PETITE CHANTEUSE DES RUES (1924) - The Little Street Singer

* LES YEUX DU DRAGON (1925) - The Eyes of the Dragon

* LE RAT DE VILLE ET LE RAT DES CHAMPS - (1926) The Town Rat and the Country Rat

* LA CIGALE ET LA FOURMI (1927) - The Ant and the Grasshopper

* LA REINE DES PAPILLONS (1927) - The Queen of the Butterflies

* L'HORLOGE MAGIQUE (1928) - The Magic Clock

* LA PETITE PARADE (1928) - The Little Parade

* LE LION ET LE MOUCHERON (1932) - The Lion and the Fly

* LE LION DEVENU VIEUX (1932) - The Old Lion

* FETICHE MASCOTTE (1933) - The Mascot

* FETICHE PRESTIDIGITATEUR (1934) - The Ringmaster

* FETICHE SE MARIE (1935) - The Mascot’s Marriage

* FETICHE EN VOYAGE DE NOCES (1936) - The Navigator

* FETICHE CHEZ LES SIRENES (1937) - The Mascot and the Mermaids

* LE ROMAN DE RENARD. (1930–1939) - The Tale of the Fox

* ZANZABELLE A PARIS (1947) - Zanzabelle in Paris

* FLEUR DE FOUGERE (1949) - Fern Flowers

* GAZOUILLY PETIT OISEAU. (1953) - Little Bird Gazouilly

* GUEULE DE BOIS (1954) - Hangover

* UN DIMANCHE DE GAZOUILLY (1955) - Gazouilly’s Sunday Picnic

* NEZ AU VENT (1956) - Nose to the Wind

* CARROUSEL BOREAL (1958) - Winter Carousel

* COMME CHIEN ET CHAT (1965) - Like Dog and Cat

Fuentes:
http://en.wikipedia.org/wiki/Ladislas_Starevich
http://www.revistafantastique.com/monografico.php?articulo=151---Ladislas-Starewicz
http://filmoteca-canal7.blogspot.com/2010/07/cortos-animados-de-wladyslaw-starewicz.html
http://www.awn.com/heaven_and_hell/STARE/stare1.htm
http://cosmonine.wordpress.com/2009/02/

Jan Svankmajer.

2010-11-18T00:06:00.027-03:00

"Con los artistas trabajo de la misma manera que con las marionetas. Lo decisivo para mí es que respondan exactamente a mi propia idea sobre la película"

Jan Svankmajer

Jan Svankmajer ocupa un lugar excepcional en la cinematografía animada contemporánea. Sus películas, marcadas por el surrealismo y una inclinación acentuada hacia todo lo absurdo, fueron laureadas en muchas partes del mundo. Además de director fílmico y animador, Jan Svankmajer es también artista gráfico, escultor, poeta y diseñador. Se ha inspirado en las obras de autores literarios como Edgar Allan Poe, Lewis Carroll y la leyenda germánica de Doctor Faustus.

Filmografía

Cortometrajes

* Poslední trik pana Schwarcewalldea a pana Edgara ("El último truco", 1964)

* Johann Sebastian Bach: Fantasia G-moll (1965)

* Hra s kameny ("Juego con piedras", 1965)

* Rakvickarna (1966)

* Et Cetera (1966)

* Historia Naturae (1967)

* Zahrada ("El jardín", 1968)

* Picknick mit Weissmann (1968)

* Byt ("El apartamento", 1968)

* Kostnice ("El osario", 1970)

* Don Sanche (1970)

* Zvahlav aneb Saticky Slameného Huberta (1971). Conocida también como "Jabberwocky"

* Tichý týden v dome ("Una semana tranquila en casa", 1969)

* Leonarduv denik ("El diario de Leonardo", 1972)

* Otrantský zámek ("El castillo de Otranto", 1977)

* Zánik domu Usheru ("La caída de la casa Usher, 1981)

* Moznosti dialogu ("Dimensiones del diálogo", 1982)

* Kyvadlo, jáma a nadeje ("El pozo y el péndulo", 1983)

* Do pivnice (1983)

* Muzné hry ("Juegos viriles", 1988)

* Another Kind of Love (1988)

* Tma/Svetlo/Tma ("Oscuridad/Luz/Oscuridad", 1989)

* Meat Love (1989)

* Flora (1989)

* Animated Self-Portraits (1989)

* The Death of Stalinism in Bohemia (1990)

* Jídlo ("Comida", 1992)

Largometrajes

* Neco z Alenky ("Alice", 1988). Libremente basado en Alicia en el país de las maravillas, de Lewis Carroll.

* Faust ("Fausto", 1994)

* Spiklenci slasti Los conspiradores del placer (1996)

* Otesánek (2000)

* Sílení (2005)

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Jan_%C5%A0vankmajer
http://www.jansvankmajer.com/
http://www.tumbaabierta.com/cripta/043_1svankmajer.php
http://ccultura.blogspot.com/2006/04/jan-svankmajer-el-maestro.html
http://www.radio.cz/es/rubrica/personalidades/jan-svankmajer-el-genio-de-lo-absurdo

Oskar Fischinger (1900/1967).

2010-11-09T22:37:00.006-03:00

Pintor, animador y realizador de cine alemán. Sus obras se caracterizan por ser abstractas, donde combina la geometría con la música. En la Alemania de Hitler se lo consideró a su arte degenerado, y así se exilió a Estados Unidos, llegando a Hollywood en febrero de 1936.

Frustradas sus intenciones como animador (a pesar de que hizo más de 50 cortos) Fischinger se volvió cada vez más un pintor al óleo.

Fuentes:
http://www.oskarfischinger.org/
http://es.wikipedia.org/wiki/Oskar_Fischinger

Harry Bates (1940): "El Amo Ha Muerto"/Robert Wise (1951); Scott Derrickson (2008): "The Day The Earth Stood Still".

2010-09-15T23:58:00.018-03:00

...Como Siempre...: El libro no tiene nada que ver con la pelicula!

... "En Washington se materializa una misteriosa nave espacial que tiene intrigada a toda la humanidad. Tras dos días sin ningún tipo de actividad en la misma, se abre una compuerta y de su interior surgen dos figuras: un hombre, de aspecto divino, que se presenta como Klaatu; y un gigantesco robot... Sin que pueda decir nada más, Klaatu cae desplomado por un disparo efectuado por un perturbado mientras el robot permanece desde ese momento sin ningún tipo de actividad..." "En efecto, el pacífico embajador extraterrestre Klaatu que viene a advertir a los terrestres de la peligrosa actitud respecto a la violencia que mantienen es recibido a tiros, detenido, acosado. Como Klaatu va acompañado de un robot indestructible, Gort, que reacciona a la violencia con violencia, la estúpida y arrogante forma en la que las autoridades tratan al extraterrestre no hace sino poner en mayor peligro a la Tierra..."

EL AMO HA MUERTO
Harry Bates (1940)

"Si ustedes han visto el film "Ultimátum a la Tierra", y saben ya que este relato es el que sirvió de base para la película, les rogamos que se descondicionen antes de iniciar la lectura. Olviden completamente el film, y no traten de buscar similitudes: no las hay, ni siquiera en el título original. Si lo he incluido aquí ha sido precisamente porque es una buena muestra de lo que puede conseguirse con la manipulación de un tema cuando alguien tiene ideas propias que expresar al respecto. Y, si ustedes son de aquellos que consideran "Ultimátum a la Tierra" como el mejor film de SF realizado hasta la fecha (antes de "2001", por supuesto), no se sientan defraudados. El relato de Harry Bates, prescindiendo de su posterior versión fílmica (aunque versión sea decir demasiado), no deja de tener sus cualidades."

Bates, Harry - El Amo a Muerto

"THE DAY THE EARTH STOOD STILL".
Robert Wise (1951); Scott Derrickson (2008).

Fuentes:
http://enunlugardelared.wordpress.com/2008/12/27/el-amo-ha-muerto/
http://mallart.blogspot.com/2005/09/el-amo-ha-muerto.html
http://www.quintadimension.com/zonacritica/Txt/175.shtml
http://www.ubikado.es/2009/09/12/ultimatum-a-la-tierra-1951/

Ray Harryhausen: Stop Motion...? Y eso... Que es...?

2010-08-23T21:42:00.016-03:00

Ray Harryhausen es considerado uno de los mejores técnicos de animación de la historia, y a él debemos muchos monstruos y seres memorables.
Desde pequeño, Ray era muy aficionado a las maquetas y a los seres antediluvianos. Estudió cursos de escultura, fotografía y drama. Conoce casualmente a Willis O'Brien, director de efectos especiales de King Kong, quien le enseña los fundamentos del "stop motion", la técnica consistente en mover una maqueta e ir recogiendo sus movimientos fotograma a fotograma.
Años después, Harryhausen realiza sus primeros trabajos en una serie televisiva de muñecos animados. Antes, conoce al escritor Ray Bradbury en un congreso de ciencia ficción, de quien se haría gran amigo.
Tras luchar en la Segunda Guerra Mundial, Harryhausen forma parte del equipo técnico de el Gran Gorila (1949) y, finalmente, toma el mando como director de efectos especiales en el Monstruo de Tiempos Remotos (1953), donde patenta el "dynamation".

La nueva técnica consistía en la proyección de las animaciones en una pantalla, frente a la que actuaban los actores reales. Los planos se superponían, logrando un gran grado de realismo.

Esta fué la ténica que Ray usó en sus siguientes films, entre los que destacan 20 Millions to Earth (1957), Simbad y la Princesa (1958), Jasón y los Argonautas (1963), Hace un Millón de Años (1966) o Furia de Titanes (1980).

Filmografía:

How to Bridge a Gorge (1942) (productor)

Tulips Shall Grow (1942) (animador)

Mother Goose Stories (1946) (productor)

The Story of Little Red Riding Hood (1949) (productor, animador)

El gran gorila (1949) (efectos especiales)

WAR OF THE WORLDS (1949) (unrealised)

Rapunzel (1951) (productor)

Hansel and Gretel (1951) (productor)

The Story of King Midas (1953) (productor)

The Beast from 20,000 Fathoms (1954) (efectos especiales)

Surgió del fondo del mar (1955) (efectos especiales)

The Animal World (1956) (efectos especiales)

La tierra contra los platillos volantes (1956) (efectos especiales)

La bestia de otro planeta (1957) (efectos especiales)

El Septimo Viaje de Simbad (1958) (productor asociado, efectos especiales)

Los viajes de Gulliver (1960) (efectos especiales)

La isla misteriosa (1961) (efectos especiales)

Jasón y los argonautas (1963) (productor asociado, efectos especiales)

First men in the moon (1964) (productor asociado, efectos especiales)

Hace un millón de años (1966) (efectos especiales)

El valle Gwangi (1969) (productor asociado, efectos especiales)

El viaje fantástico de Simbad (1974) (productor, efectos especiales)

Sinbad y el ojo del tigre (1977) (productor, efectos especiales)

Furia de titanes (1981) (productor, efectos especiales)

The Story of the Tortoise & the Hare (2003) (director, co-productor, animador)

Ray Harryhausen Presents: The Pit and the Pendulum (2007) (productor ejecutivo)

Fuentes:
http://www.harryhausen.com/index.html
http://www.rayharryhausen.com/index.php
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article2396.html
http://harryhausen.blogspot.com/
http://www.cinefantastico.com/bio.php?id=55

Len Lye (1901/1980).

2010-08-12T21:06:00.010-03:00

El neozelandés Len Lye es un artista que escapa a la catalogación dentro de las vanguardias de comienzos del siglo pasado y que sin embargo participó en ellas con su obra pictórica, escultórica y cinematográfica. Pintura, esculturas cinéticas y películas animadas fueron los soportes elegidos por este "nuevo salvaje" (fascinado por el arte primitivo y aborigen) para plasmar la esencia del movimiento.

Filmografia:

* Tusalava (1929)

* The Peanut Vendor (1933)

* Kaleidoscope (1935)

* A Colour Box (1935)

* Rainbow Dance (1936)

* The Birth of The Robot (1936)

* Trade Tattoo (1937)

* Full Fathom Five (1937)

* Colour Flight (1937)

* North or Northwest? (N or NW?) (1938)

* Swinging the Lambeth Walk (1939)

* Musical Poster Number One (1940)

* When the Pie Was Opened (1941)

* Kill or Be Killed (1942)

* Color Cry (1952)

* Rhythm (1957)

* Free Radicals (1958, revised 1979)

* Particles in Space (1979)

* Tal Farlow (completed posthumously, 1980)

Fuentes:
http://www.govettbrewster.com/LenLye/
http://en.wikipedia.org/wiki/Len_Lye
http://www.cccb.org/es/audiovisual-len_lye_i_y_ii_films_de_animacion_films_de_imagen_real_y_documentales_de_guerra-18074
http://laser-ornamental.tumblr.com/

"Sueños de Robots"; a.k.a.: "Robot Dreams" (2007). Isaac Asimov Segun Christian Toro y Carlos Ramos.

2010-07-29T19:45:00.025-03:00

El robot ya sabe que los hombres son robots, cuando descubre que es conciente de su existencia.

Sueños de Robot, (Robot Dreams en Inglés), es un Cuento o Relato Corto de Isaac Asimov, especialmente escrito por primera vez para la colección de historias de nombre homónimo (Sueños de Robot) de 1986.

... "Este relato es una muestra clara de la posible humanización de un robot. Cuando uno de éstos es modificado y comienza a soñar, (La Dra. Susan) Calvin (de U.S. Robotics) tendrá que tomar una simple pero comprometedora decisión con respecto a este nuevo modelo. Quizás es el mejor relato de la recopilación y a la vez, una profunda historia que puede poner los pelos de punta a cualquiera sobre los alcances de la tecnología humana..."

Comentario de: Jorge Romo

Asimov, Isaac - Sueños DeRobot

"... Mientras los robots evolucionan hacia un modelo androide de inteligencia y lucidez moral superiores a las de los hombres, éstos, movidos por sus impulsos egoístas, incuban una profunda hostilidad hacia ellos..."

Isaac Asimov.

Chile, 2006, Ciencia Ficción. 15 min. – Mini DV. Color.

ELVEX, un robot androide, dice haber soñado. Sus creadores comienzan a interrogarlo para poder confirmar si esos sueños son reales y de que son. Basado en un cuento de Isaac Asimov. Dirección: Carlos Ramos & Christian Toro.

"Sueños de Robots" (2007)

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Sue%C3%B1os_de_Robot_%28Cuento_Corto%29
http://www.ciencia-ficcion.com/opinion/op01142.htm
http://grupos.emagister.com/video/suenos_de_robots/17199-486725

Dziga Vertov: "El Cine Ojo".

2010-07-05T22:24:00.009-03:00

Union sovietica 1922. Vladimir Lenin dice: El cine, de todas las artes es para nosotros la más importante. Esta frase desencadenaría una serie de postulados y grupos alrededor del cine, que veian en este arte una manera de ver y de vivir la vida.

Entre los grupos más importantes el primero en destacarse fue el de los Kinokis o los Cine ojos, liderados por Dziga vertov.
Este cineasta bastante singular que venía de la literatura y que experimentaba con el sonido y con la música en su laboratorio del oído, afiliado además a las tendencias del movimiento futurista, fue uno de los primeros en asentar el cine como un arte de vanguardia en los años treinta. Vertov entonces escribió uno de los primeros manifiestos cinematográficos que fue dado a sus seguidores por entregas y que se tituló: Manifiesto del cinematógrafo sin actores.

Del Cine Ojo Al Radio Ojo - Dziga vertov

La meta de Vertov era la de desembarazar a la captación de imágenes de todos sus artificios para conseguir una objetividad integral, que él creía posible debido a, según sus palabras, la inhumana imposibilidad de la pupila de cristal de la cámara. El Cine-Ojo de Vertov es más una actitud filosófica que una proposición técnica, que busca a través del lente del cinematógrafo, captar las acciones de la vida, utilizando los métodos más sencillos para el rodaje, violando si es preciso, todas las leyes y hábitos que requieren la construcción de un film. “Montar y arrancar a la cámara lo que tiene de más característico, organizar los fragmentos filmados, arrancados de la vida, en un orden rítmico visual cargado de sentido.

Para mas informacion al respecto pasen por aqui: Dziga Vertov: Cine Documental, Montaje y Ciencia Ficción, Gentileza de Jesus Odreman y La Cofradia de Editores de Cine y Video.

Fuentes:
http://www.youtube.com/user/pulpmovies
http://www.youtube.com/user/prlosolvidados
http://es.wikipedia.org/wiki/Cine-Ojo

Sorpresas para la Post Guerra: Theremin al Colon!

2010-06-08T23:01:00.004-03:00

"The Man in High Castle"; a.k.a.:"El Hombre en el Castillo" (1962). O cuando Philip K. Dick termino Siendo Escrito a traves del I Ching.

2010-06-07T22:41:00.018-03:00

El punto de divergencia entre el mundo de "El hombre en el castillo" y la historia real es el asesinato del presidente de EEUU, Franklin D. Roosevelt en 1933. Esto evita que el país se recobre de la Gran Depresión, instaurando una política aislacionista durante la Segunda Guerra Mundial.

En 1947, los Aliados han sido derrotados por el Eje. Los Estados Unidos, invadidos y, consecuentemente divididos entre japoneses y alemanes, del mismo modo que Alemania tras su derrota en el "mundo real".
Un autor que se acerca a un escenario como el propuesto se enfrenta al problema de describir cómo sería el mundo si los nazis hubieran ganado la guerra, Dick opta por trazar a grandes rasgos la brutalidad nazi llevada al mundo entero, e incluso al espacio exterior, y elige centrarse preferentemente en la cotidianidad de los americanos derrotados dentro de una cultura japonesa victoriosa.
La acción se desarrolla en 1962 en la costa Este de los que otrora fueran los Estados Unidos, ahora PSA, Pacific States of America, zona de influencia japonesa. Los nativos son ciudadanos de segunda clase a pesar de que su cultura es admirada por los vencedores, a tal punto que uno de los mejores negocios es la venta de auténticas antigüedades americanas, como relojes de Mickey Mouse. Este mundo nos es descrito a través de las vidas de Robert Childan, Frank Frink, su ex-esposa Juliana, y Nobusuke Tagomi, saltando la narración constantemente de un personaje a otro.
La trama gira alrededor de tres ejes que se tocan por momentos: el comercio en torno a las antigüedades americanas y la valoración que los japoneses hacen de ella; la misión de Sr. Baynes, llegado de Europa, para entrevistarse, con fines aparentemente comerciales, con el Sr. Shinjiro Yatabe; y un extraño libro, censurado por los nazis, que describe a los Aliados victoriosos, escrita por un tal Hawthorne Abendsen, el Hombre en el Castillo al que alude el título de la novela.

Dick Philip k - El Hombre en El Castillo 1962

Dick afimó que escribió El hombre en el castillo usando el antiguo texto chino I Ching (también llamado El libro de las mutaciones) para decidir qué rumbo tomaba el argumento. Incluso culpó al libro de ciertos detalles del argumento que personalmente no le convencían.

El I Ching aparece numerosas veces a lo largo de El hombre en el castillo; aparentemente, consultarlo de manera oracular es una moda traída por los japoneses a los Estados del Pacífico. En la ficción, Hawthorne Abdensen, como el mismo Dick en la realidad, afirma haber escrito "La langosta" bajo la influencia del texto. Cuando Juliana se reúne con Abdensen, le manifiesta lo que él ya sabe o intuye: según el I Ching, Japón y Alemania han perdido la guerra.

Subyace al texto la extraña hipótesis de Dick de que existen varios mundos laterales a un eje central, mundos que a veces se entrecruzan; sostenía el autor que él había tenido contacto con algunos de tales mundos. Así, en un pasaje del libro, el señor Tagomi, espiritualmente abrumado por haber matado a dos militares alemanes, tiene una incursión fugaz de un San Francisco distinto, en el cual los policías son blancos y llevan uniformes azules, en el que la consulta tradicional del I Ching que él hace en un lugar público es confundida con un curioso rompecabezas, en el que la arquitectura de la ciudad ha tomado un sesgo muy distinto al impuesto bajo la influencia de las fuerzas japonesas de ocupación, en el que no existen los pedetaxis en las calles, en el que los parroquianos blancos de un bar no tienen ninguna consideración especial por un japonés que no consigue lugar en la barra. Un inquietante mundo, en definitiva, en el que Japón no ha resultado victorioso, sino que ha sido derrotado en la guerra. Años más tarde, el mismo autor renegaría de este final.

Fuentes:
http://www.psicofxp.com/articulos/literatura-historieta/454186-hitler-victorioso-la-peor-de-las-ucronias-posibles.html
http://www.quintadimension.com/zonacritica/Txt/192.shtml
http://es.wikipedia.org/wiki/El_hombre_en_el_castillo

"Ballet Mecanique": Fernand Leger (1924).

2010-06-03T19:05:00.009-03:00

"El argumento es el gran error del cine."

Fernad Leger.

Desde los comienzos del cine, la representación de la máquina en el celuloide ha sido una obsesión estética crucial para muchos cineastas. Ya en 1924, el pintor Ferdinand Léger registró el movimiento fabril de las máquinas para profundizar en las vanguardias artísticas como el dadaísmo y el cubismo.

Ballet mécanique es una película encuadrada dentro de la vanguardia histórica y, en concreto, en el movimiento que abogaba por el cine abstracto. Con la colaboración del norteamericano Dudley Murphy, Fernand Léger rodó este cortometraje que debía proyectarse acompañado por una partitura que George Antheil había compuesto para un montón de pianos mecánicos cuya sincronización resultó imposible.

La película se organiza a partir de imágenes caleidoscópicas en las que el rostro humano se descompone, busca rimas visuales con formas geométricas y salta al compás de las máquinas. La imagen de una mujerona subiendo una escalera con un bulto al hombro se repite una y otra vez, en una suerte de bucle con fin. Imágenes descoyuntadas de una verbena, casi subliminales, en las que el cuerpo cayendo por un tobogán se convierte en motivo musical. Ruedas y bielas en movimiento replican a Kiki de Montparnasse -la modelo habitual de Man Ray y actriz en La barraca de los monstruos, que abre y cierra los ojos o sonríe.

'Ballet Mécanique' constituye un himno dedicado al potencial plástico de la mecanización, el motor modernizador que cambiaría la sociedad del siglo XX.

Fuentes:
http://www.circomelies.com/2009/03/charlot-cubista-en-el-ballet-mecanico.html
http://www.fotogramas.es/Media/Imagenes/Encuestas/Fotogramas-mecanicos-buscando-la-maquina-perfecta

Vincent van Gogh... Sueños o Pesadillas?: "Crows", Un Fragmento de "Dreams" de Akira Kurosawa (1989).

2010-05-19T22:42:00.011-03:00

..."Llegué al cine completamente por azar. Yo quería ser pintor, pero era joven y pobre. ¿Qué hacer?"...

Akira Kurosawa

«Koma yume wo mita» ("Así ví en un sueño") film producido y distribuido por Hollywood con el nombre de "Akira Kurosawa’s dreams"... Se trata de una sucesión de historias, narrada cada una como un sueño diferente y designada con un nombre distinto. Como en los sueños verdaderos, la dimensión del sueño dentro del sueño no está en absoluto ausente.
La película explora lo que es la inocencia, la naturaleza, la ecología, la guerra, el arte y la esperanza. Son sueños bellamente filmados y además exponente de lo rica que es en sí misma la mitología oriental, con todos sus demonios y sus espíritus que en variadas ocasiones durante la cinta le muestran a los humanos lo que puede llegar a ser el futuro.
Los sueños... está protagonizada por los que son los alter ego del realizador, originando éste a través de ellos un diálogo abierto con el espectador y consigo mismo sobre el sentido de su vida y sobre las posibilidades de canviar los errores que el género humano ha ido cometiendo a lo largo de los años.

En los años previos a sus inicios en el mundo del cine, allá por los años veinte, Akira Kurosawa había explorado el lenguaje, no sólo pictórico, sino también teatral, musical y literario. Él mismo reconocería en su autobiografía... que estos vaivenes de una materia creativa a otra no eran más que la preparación inevitable –aunque inconsciente–, hacia el ámbito artístico que funcionaría a la perfección como compendio entre todos estos conocimientos previamente adquiridos y que, al menos en el caso de la pintura, nunca serían abandonados totalmente e incluso actuarían como motor enriquecedor de su magistral actividad como "compositor" visual y sonoro.

Kurosawa tenía una técnica cinematográfica propia, que había desarrollado en los años 50, y que había dado a sus películas un aspecto único. Le gustaba emplear lentes de teleobjetivo por el modo en que aplanaban el encuadre y porque creía que situando las cámaras lejos de los actores se lograrían mejores interpretaciones. También le gustaba usar múltiples cámaras al mismo tiempo, lo que le permitía grabar una misma escena desde diversos ángulos.

Dada la extraordinaria importancia que el resto de artes tiene en la concepción del cine de Kurosawa, no era de extrañar que el director le dedicase a este tema uno de los relatos expuestos en Los sueños... el titulado "Los cuervos", que ha llegado a ser analizado como el más importante dentro del film por su extraordinaria calidad como documento que vincula de manera explícita el ámbito pictórico con el cinematográfico. El capítulo está dedicado a uno de los pintores que más influyeron y agradaron a Kurosawa desde su infancia: el postimpresionista Vincent Van Gogh. Un hombre observa en una galería de arte los cuadros del pintor, hasta el extremo de verse introducido literalmente a través del cuadro "Pont de l'Anglois a Arlès" en el universo real de la vida del artista, a quien conoce mientras el pintor (interpretado por el mismísimo Martin Scorsese) se encuentra pintando en un campo de trigo su famoso cuadro "Los cuervos". Realidad y ficción se entrecruzan en la que es la visión onírica más espectacular de toda la filmografía del japonés –hay que recordar a este respecto que los efectos especiales de la película fueron creados por la ILM de Georges Lucas–. Pero pese a que la impronta de los postimpresionistas es evidente en el tratamiento del color en los films y en las pinturas del maestro Kurosawa, habría que destacar que esta occidentalización es de algún modo recíproca e indirecta, puesto que los pintores occidentales hacia los que mira el arte de Kurosawa fueron a su vez influidos por la pintura y las estampas de la corriente japonesa Ukiyo-e (pintura del mundo flotante y transitorio vigente del siglo XVII a mediados del XIX), una pintura cuyos temas estaban relacionados con el mundo de las cuidades y de los barrios de placer, en la que se representaba a geishas y cortesanas, escenas del teatro kabuki o ilustraciones eróticas. De entre los autores japoneses que más influyeron a los postimpresionistas destacan Tomioka Tessai (más ligado a la pintura tradicional china y japonesa de representación de flores, pájaros y paisajes) y Hokusai, pintor al que se hace referencia de manera iconográfica en Sueños..., no sólo por el capítulo "El monte Fuji en llamas", que alude directamente a la extensa serie de pinturas sobre esta montaña realizadas por Hokusai, sino de manera más indirecta aunque igualmente importante por el cuadro a través del cual el visitante se introduce en el mundo pictórico de Van Gogh en "Los cuervos": el citado "Pont de l'Anglois a l'Arlès" el cual fue inspirado al pintor por una obra del artista japonés.

Fuentes:
http://micinersis.blogspot.com/2006/07/dreams-akira-kurosawa.html
http://www.elsigma.com/site/detalle.asp?IdContenido=9368
http://www.miradas.net/0204/estudios/2004/06_akurosawa/yume.html
http://aquileana.wordpress.com/2007/08/08/akira-kurosawa/

El "Telharmonium" de Thaddeus Cahill (1906): El Primer Instrumento Electronico!!!

2010-05-06T21:21:00.008-03:00

El "Telharmonium" o "Dynamophone", ideado por Thaddeus Cahill, puede considerarse el primer instrumento musical electrónico significativo. El primer modelo completamente terminado fue presentado al público en 1906 en Holyoke.

El Telharmonium era esencialmente una grupo de 145 dinamos modificados que empleaban un número de ejes especialmente engranados y de inductores asociados para producir las corrientes alternas de diversas frecuencias de audio. Estas señales estaban controladas por un sistema múltiple de teclados sensibles polifónicos y por bancos asociados de controles.

En los primeros modelos, el sonido que resultaba era audible a través de los cuernos acústicos del piano. Los últimos modelos fueron conectados directamente a la red de teléfono (era la única manera de amplificar el sonido en la era del preamplificador). El Telharmonium proveió de 1 amperio a cada receptor del teléfono. Podía oirse la música sin el receptor del teléfono al oído, sin embargo esto también enmascaraba e interrumpía cualquier otra señal en la línea. El instrumento se tocaba a cuatro manos y reproducía generalmente la música "respetable" de la época: Bach, Chopin, Grieg, Rossinni, etc.

El Telharmonium era una estructura inmensa de aproximadamente 200 toneladas de peso y 60 pies de largo. El monstruoso instrumento ocupó un piso entero en la calle 39 de Broadway, Nueva York, durante 20 años.

A pesar de las excesivas proporciones del Telharmonium, el sonido que producía era flexible e inusualmente, el instrumento era transportable (se utilizaron 30 vagones de ferrocarril para transportarlo desde Holyoke a Nueva York). Era un instrumento musicalmente avanzado a su época pero muy impopular entre los músicos, que tenían poco tiempo para practicar en un teclado tan inusual. Este factor ayudó a que el instrumento acabara muriendo.

Cahill terminó el tercer y último Telharmonium en marzo de 1911. Esta máquina era incluso más grande y más costosa que su predecesora. El tercer Telharmonium tenía un sistema entero de los alternadores reajustados (de mayor alcance que los anteriores), imanes más fuertes para reducir el retumbo, y controles de volumen bajos. El instrumento fue instalado en el nº 535 de la calle 56 de Nueva York.

Cahill y la "Nueva Inglaterra Electric Music Company" financiaron un plan para transmitir el Thelarmonium que usaba el Dynamophone a los hoteles, restaurantes, teatros y hogares através de la red de teléfono. Esta búsqueda del visionario falló cuando los gastos de establecimiento llegaron a ser prohibitivos y fue descubierto que la máquina interfiría seriamente con llamadas telefónicas locales. El último Telharmonium funcionó hasta 1916 y sobrevivió al desplome de Wall Street y a la 1ª Guerra Mundial, pero murió con el "boom" de la radiodifusión. A pesar de su muerte, el Telharmonium impulsó el nacimiento de la música electrónica. El compositor italiano Ferruccio Busoni inspirado por la máquina escribió su "Bosquejo de una nueva estética de la música" (1907) que se convirtió en la llamada y la inspiración para la nueva generación de compositores electrónicos tales como Edgard Varèse y Luigi Rusolo.

200 toneladas, dieciocho metros de largo... un poco incómodo para una gira pero bueno, era lo que había.

25 años después de contruído el prototipo, el concepto se redujo en tamaño y se convirtió en el Organo Hammond.

Fuentes:
http://120years.net/machines/telharmonium/index.html
http://podcollective.com/fora/viewtopic.php?p=5196&sid=da49207aec9420cc65eabd7fd8311007

Jackson Pollock (1929/1956).

2010-05-05T23:20:00.008-03:00

...Mi pintura no procede del caballete. Por lo general, apenas tenso la tela antes de empezar, y, en su lugar, prefiero colocarla directamente en la pared o encima del suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo es donde me siento más cómodo, más cercano a la pintura, y con mayor capacidad para participar en ella, ya que puedo caminar alrededor de la tela, trabajar desde cualquiera de sus cuatro lados e introducirme literalmente dentro del cuadro. Se trata de un método similar al de los pintores de arena de los pueblos indios del oeste. Por eso, intento mantenerme al margen de los instrumentos tradicionales, como el caballete, la paleta y los pinceles. Prefiero los palos, las espátulas y la pintura fluida que gotea y se escurre, e incluso un empaste espeso a base de arena, vidrio molido u otras materias...

Jackson Pollock.

"Entre los colegas de Pollock siempre hubo cierta consternación sobre de dónde había sacado lo suyo. Y uno de ellos dice: 'Todos estábamos mirando a Matisse, a Picasso, a Miró y no llegamos ahí. Pollock estaba mirando a los mexicanos y llegó'. La libertad que esos artistas le dieron y la sensación de estar metidos en un fenómeno en evolución y no en un capítulo ya escrito del modernismo fue lo que hizo la diferencia."

Robert Storr (Decano de la Escuela de Arte de la Universidad de Yale.)

Fuentes:
http://www.jackson-pollock.com/
http://www.clarin.com/diario/2010/03/16/sociedad/s-02160278.htm

"Estados Alterados": Ken Rusell (1980).

2010-05-03T22:59:00.011-03:00

La teoría de Jessup es que todo el material del que se nutren los sueños está presente en nuestras neuronas, en estado latente y que solo hace falta un estímulo para que el material almacenado en la memoria se revele y por alguna razón, los tanques de aislamiento sirven como estímulo.

"En un momento descubrí que el héroe de la película era un fanático religioso, y que las alucinaciones podrían tener algo de estilo del Viejo Testamento. Y vi lo que el héroe podría ver en sus alucinaciones. Y aunque el productor y guionista de la película, Paddy Chayefsky, no estaba para nada contento con lo que yo me proponía, no podía hacer nada, porque otros 26 directores habían abandonado la película y yo era su última opción."

(Ken Russell.)

"Soy un hombre en busca de su verdadero yo. ¿Cuán arquetípicamente Americano podés llegar a ser ? Todo el mundo esta buscando su verdadero yo. Todos estamos tratando de completarnos, entendernos, sostenernos a nosotros mismos, explorar nuestro ser, expandirnos. Desde que nos dispensamos de Dios, no tenemos más que nosotros mismos."

(De la novela Estados Alterados de Paddy Chayevsky.)

Plantas… Peyote, Mescal…

Una de las mejores películas sobre la influencia real de las drogas en el cuerpo humano (a pesar de su profundo y desesperanzado ateísmo de fondo) se titula Altered States y la filmó Ken Russell en 1980.
Protagonizada por William Hurt y Drew Barrymore, y basada en ciertos hechos reales, relata las peripecias de un médico obsesionado con la experimentación con sustancias extrañas en busca de una especie de panacea para la salud, pero lo que encuentra al probar sucesivas plantas alucinógenas empleadas por chamanes indígenas es algo muy diferente.

El esfuerzo de 1980 de Russell "Altered States" era una salida, tanto en el género como en el tono, en el cual es la única incursión de Russell en la ciencia ficción, y contiene relativamente pocos elementos de sátira y caricatura.
Trabajando desde el guión de Paddy Chayefsky (basado en su novela), Russell usó su afición por elaborar efectos visuales para trasladar la historia alucinante de Chayefsky al cine.
La película fue también significativa por tener uno de las bandas sonoras más complejas, pulidas y poderosas creadas para una película de la época, incluyendo una nominación a los Oscar por John Corigliano, más conocido como un compositor de música contemporánea.
La película tuvo un éxito financiero moderado. Lamentablemente, uno de los mayores detractores de la película fue el mismo Paddy Chayefsky, que dejó el proyecto poco después de que comenzara la filmación, y solicitó antes de la emisión de la película que su nombre fuera sustituido por el nombre "Sidney Aaron".

Fuente:
http://www.freedonians.com.ar/wp/2008/11/altered-states-estados-alterados-1980/
http://es.wikipedia.org/

Iron Sky: ¿En el 2011... o sera Una Pelicula que Jamas Vamos a Ver?

2010-04-29T17:17:00.015-03:00

Hacia el final de la Segunda Guerra Mundial, el equipo del oficial de las SS Hans Kammler hizo un significativo avance en anti-gravedad.

A finales de 1945, desde una base secreta de la Antártida, la primeras naves espaciales nazis despegaron para fundar la base militar Schwarze Sonne (Sol Negro) en la cara oculta de la luna. Esta base tenía como propósito la construcción de una poderosa flota que volviese para conquistar la Tierra en el momento adecuado.

Estamos en 2018, la invasión nazi está a punto de ocurrir y el mundo avanza hacia su destrucción.

“Iron Sky” es un film de “WreckAMovie”, una productora independiente que hace unos años realizara “Star Wreck”, una parodia de “Star Trek” y “Babylon 5″, la cual contabilizo mas de ocho millones de descargas hasta que los Universal Studios adquirieron los derechos de distribucion internacional de sus copias.

“Con Star Wreck supimos como reunir un gran número de voluntarios, completar tareas y crear una película de forma distribuída. Para nuestro segundo film decidimos sumar todas esas ideas y automatizarlas en WreckAMovie.com, nuestra web colaborativa con la que estamos realizando “Iron Sky” y la pelicula de terror “Sauna”, pero también está disponible para otras producciones”..:

Timo Vuorensola.

Gracias a las ventas del DVD de “Star Wreck”, Vuorensola pudo transformar “Iron Sky” en un proyecto cinematográfico más grande. Cuenta con producción de dos nominados al Oscar, Tero Kaukomaa y Petri Jokiranta y un guión de la reconocída escritora finlandesa de ciencia ficción, Johanna Sinisalo.

Fuentes:
http://www.ironsky.net/site/
http://www.demasiadocine.com/desde-el-set/de-los-realizadores-de-star-wreck-llega-iron-sky/
http://lalibreria.blogspot.com/2010/01/iron-sky-y-las-ucronias-nazis.html
http://www.vivalinux.com.ar/articulos/iron-sky.html

La Frivolidad? del Pop: Un Fragmento de "Uccellacci e Uccellini" de Pier Paolo Pasolini (1966).

2010-04-28T22:50:00.006-03:00

“Pajarracos y pajaritos es la bisagra perfecta que articula el fin de la primera etapa naturalista pasoliniana con su posterior evolución hacia la metáfora. Algunos de sus elementos son todavía neorrealistas: el contexto social del recorrido de los dos protagonistas, su figuración pequeño-burguesa y, sobre todo, la nítida referencia rosselliniana del episodio narrado por el cuervo acerca de la evangelización de halcones y gorriones en manos de franciscanos. Sin embargo, la primera gran variante que este film contiene respecto a los anteriores, es la sustitución de la narración realista por su carácter de fábula. Así, el film se transforma en una fábula sobre el adoctrinamiento ideológico en función de las dos tendencias mayoritarias en Italia: el cristianismo y el marxismo” (Esteve Riambau).

"... Nunca antes había escogido como tema para una película un sujeto tan difícil: la crisis del marxismo de la Resistencia y de los años cincuenta, poéticamente situada antes de la muerte de Togliatti, experimentada y vivida desde el interior, por un marxista que sin embargo no está dispuesto a creer que el marxismo haya terminado (el buen cuervo dice: "Yo no lloro por el final de mis ideas, porque seguramente vendrá otro que empuñará mi bandera y la sostendrá! Yo lloro por mí...". (Pier Paolo Pasolini)

Fuentes:
http://www.leedor.com/notas/ver_nota.php?Idnota=1453

La Frivolidad? del Pop: Un Fragmento de "Blow Up" de Michelangelo Antonioni (1966).

2010-04-24T18:02:00.007-03:00

«La mayor dificultad con la que me he encontrado ha sido la de representar la violencia de la realidad. Los colores embellecidos y edulcorados son a menudo los que parecen más duros y agresivos.» (Michelangelo Antonioni en el Corriere della Sera, 12 de febrero de 1982.)

BLOW UP es un film íntimamente ligado al tiempo en el que fue hecho: Londres, mediados de los 60, basado en un cuento de Julio Cortázar que cuestiona el poder de la veracidad de la imagen a través de la historia de un fotógrafo que asegura poder resolver el enigma de un crimen a partir del análisis de una serie de fotografías que él había realizado y que amplía en sucesivos “blow-ups”.

... en una de las mejores escenas del film, la mirada fría de la cámara revela cómo funciona la maquinaria de reproducción del espectáculo, en este caso de rock. Se trata de un recital de los Yardbirds en un pub con Jeff Beck, un jovencísimo Jimmy Page y el cantante Keith Relf. La más importante banda blusera inglesa, en la que había tocado Eric Clapton, aparece en el film en reemplazo de los The Who, quienes finalmente no pudieron actuar. De todos modos, Antonioni le pidió a Jeff Beck que rompiera la guitarra como Pete Townshend, mientras uno de los plomos comenta “otra vez,” como si aquello que quiere mostrarse como un acto de furia espontánea fuera, en realidad, un acto tan burocrático como teclear una máquina de escribir en una oficina... La escena, filmada con la frialdad habitual en Antonioni, recorre al público como si se tratara de un documental sobre un museo: allí se ve a la mujer que imita el estilo de Brigitte Bardot y el hombre que copia descaradamente a James Brown, todas reproducciones de un universo en el que el aura proviene del mundo del espectáculo. La puesta en escena también subraya el movimiento desenfrenado de los músicos en el escenario y la abulia de los espectadores. Finalmente, cuando Jeff Beck rompe su instrumento y arroja al público el mango de su guitarra destrozada, se produce el único momento de euforia entre los asistentes. En una lucha frenética, es finalmente el protagonista quien logra huir con el tan ansiado trofeo. Una vez que está afuera del recital, Hemmings tira en la calle el mango de la guitarra que, fuera de contexto, pierde todo su valor (su aura). Blow-up en esa escena analiza una de las producciones de aura más importante de esos años: la de la música de rock que continúa hasta el día de hoy...
Fragmento del articulo: "Mirada del ángel sobre Londres (acerca de Blow-up de Michelangelo Antonioni)" de Gonzalo Aguilar.

Podría resultar desconcertante y, sobre todo, de montaje gratuito la larga duración de algunas escenas. Sin embargo, todas ellas tienen un propósito común: alterar la realidad. Así, tanto la estética y el sonido —música en directo o tocadiscos— como la frivolidad de ciertos gestos contribuyen a poner de relieve un ambiente en el que se confunde lo real y lo no real, la percepción alterada.

Fuentes:
http://www.larevelacion.com/Cine/blowup.html
http://www.sysvisions.com/feedback-zine/cine/c_blowup.html
http://elangelexterminador.com.ar/articulosnro.7/blowup.html
http://www.jornada.unam.mx/2007/09/23/sem-roberto.html
http://technotitlan.blogspot.com/2007/08/antonioni-en-las-alturas-parte-ii-blow.html

Osciladores, Secuenciadores y otras yerbas: Un par de Botones de Muestra.

2010-04-19T20:12:00.004-03:00

Fuente:
boobtube356

Beatles...? De donde me suenan...?

2010-04-12T23:27:00.008-03:00

Ian Stewart/Arthur Clarke/Benoît Mandelbrot: " Los Colores del Infinito: La Belleza y el Poder de los Fractales." (2004).

2010-04-12T21:35:00.013-03:00

Fuentes:
https://www.researchgate.net/publication/31769346_The_Colours_of_Infinity__The_Beauty_and_Power_of_Fractals__I._Stewart..._et_al.__introd._de_A.C._Clarke

"Beyond the Door"; a.k.a.: "Detras de la Puerta" (1974). Philip K. Dick Segun Kerr Hutchinson.

2010-04-04T20:28:00.004-03:00

Philip K Dick - Detras de la puerta

Morton Subotnick: "Sidewinder."

2010-04-01T21:03:00.004-03:00

La Gran Bomba Sexy: "Gilda Stroheim"(1968). Narciso Ibañez Serrador.

2010-03-27T00:33:00.032-03:00

"El asfalto", "NN23" y "El transplante" son capitulos emblematicos de la serie de terror "Historias para no dormir" de la Television Española, que su realizador, Narciso Ibañez Serrador, prefiere definir como: "Historias para pensar"... "Programas con mas ambicion que el resto de sus compañeros de seie... Programas que nos sirven como valvulas de escape, a la par que como experimentacion, como intentos de busqueda de formas de hacer nuevas...(cosas) en television, y por supuesto, diferentes a las de nuestros habituales programas..."

"El Transplante".

"... El transplante... es un programa ambicioso de forma, y extraño de contar... Su objetivo... no es el de satirizar ni criticar las ultimas magnificas conquistas de la cirugia... el proposito de "El transplante" es el de defender al individuo contra la masificacion, el de defender al Hombre Unidad que intenta destacar sobre el hombre cordero, sobre el rebaño humano..."

Sinopsis: En el futuro, los tranplantes de partes del cuerpo son una realidad social muy arraigada. Un hombre rechaza de plano los transplantes de órganos porque cree que de esa manera conserva su integridad.

"Gilda Stroheim" o La Gran Bomba Sexy del Cine: es un fragmento de "El transplante" donde se cuenta como un muy importante estudio cinematografico busca crear a la estrella perfecta, armandola por partes, al modo de un monstruo de Frankenstein, que adquiere una ideosincracia propia, no tan "correcta", ni tan glamorosa, como se esperaba.

Historias para No Dormir: El Trasplante.

Bajo su identidad de Luis Peñafiel, Ibáñez Serrador se encarga de elaborar los guiones para una nueva serie de televisión de corte episódico que se titulará "Historias para no dormir". En ella se contemplan fundamentalmente los géneros de terror y de ciencia ficción. Como particularidad muy importante hay que destacar que el público tiene acceso a grandes autores, pues la mayoría de los episodios son adaptaciones de relatos muy conocidos para los aficionados al género.

La serie comienza a emitirse en 1965 con la emisión del capítulo El extraño sr. Killerman. Durante toda su duración, que se extendería hasta 1974, se hacen versiones de relatos escritos por Ray Bradbury, Carlos Buiza, Henry James, Arthur C. Clarke, Edgar Allan Poe o guiones originales del propio Ibáñez en su personalidad de Luis Peñafiel.

Narciso “Chicho” Ibáñez Serrador: Uruguayo, hijo de Narciso Ibáñez Menta, actor de cine, teatro y TV, director, productor guionista de cine, teatro y televisión, Ex-Director de TVE. Narciso decìa que el mejor guionista que haya tenido ha sido su hijo. Trabajaron juntos en múltiples obras cinematográficas y televisivas: “El asfalto”, “Obras maestras del terror”, “El fantasma de la ópera”, “El televisor”, “El extraño caso del sr. Valdemar”, “El último reloj”, “NN 23”, “El trasplante”, etc.

Narciso Ibáñez Menta: Español, actor de radioteatro, teatro, cine y TV, maquillador, escritor y director de teatro y guionista de cine. Protagonizó más de 20 películas, 100 programas de televisión y más de 200 obras de teatro en Argentina, España y el resto del mundo. Se auto-caracterizó en decenas de personajes diferentes.

Fuentes:
http://librodenotas.com/cuadernosdecienciaficcion/17287/narciso-ibanez-serrador-pionero-de-la-ciencia-ficcion-en-television-espanola
http://www.facebook.com/note.php?note_id=124383416589
http://videodromeuc3m.blogspot.com/2008/01/historias-para-no-dormir.html

24 de Marzo: Día Nacional de la Memoria por la Verdad y la Justicia.

2010-03-24T17:42:00.024-03:00

Comunicado N° 19, 24/03/76

Se comunica a la población que la Junta de Comandantes Generales ha resuelto que sea reprimido con la pena de reclusión por tiempo indeterminado el que por cualquier medio difundiere, divulgare o propagare comunicados o imágenes provenientes o atribuidas a asociaciones ilícitas o personas o grupos notoriamente dedicados a actividades subversivas o al terrorismo. Será reprimido con reclusión de hasta diez años, el que por cualquier medio difundiere, divulgare o propagare noticias, comunicados o imágenes, con el propósito de perturbar, perjudicar o desprestigiar las actividades de las Fuerzas Armadas, de Seguridad o Policiales.

(Diario "La Prensa", 24 de marzo de 1976).

"El ojo oye, el oído ve": Norman McLaren (1914-1987).

2010-03-16T22:33:00.056-03:00

... La voluntad de realizar un tipo de cine que pueda deshacerse de los límites convencionales de la percepción...

Filmografía:

1936

Hell Unltd.

1938

Love on the Wing (General Post Office film unit). Ibert Divertissement.

1939

Allegro (Guggenheim Museum). Synthetic sound Rumba (ibid).

Stars and Stripes (ibid). March tune.

1940

Dots (ibid). Synthetic sound.

Loops (ibid). Synthetic sound.

Boogie-Doodle (ibid). Albert Ammons plays boogie.

Spook Sport. Interpretation of Saint-Saëns' Danse macabre.

1941

Mail Early(NFB). Benny Goodman's 'Jingle Bells'.

V for Victory (NFB). Sousa march.

1942

Five for Four (NFB). Ammons plays "Pinetop Boogie."

Hen Hop (NFB). Barn dance music.

1943

Dollar Dance (NFB). Music by Applebaum; lyrics by Guy Glover and McLaren.

1944

Alouette (NFB). N. 1 of the Let's All Sing Together sing-along series.

C'est l'aviron (NFB). Part of the Chants Populaires series.

1946

Là-haut sur ces montagnes (NFB). The singing of the folksong from which the film takes its title. Part of the Chants populaires series.

A Little Phantasy on a 19th-Century Painting (NFB). Synthetic sound.

Hoppity Pop (NFB). Barrel organ music.

1947

Fiddle-De-Dee (NFB). Fiddler plays 'Listen to the Mocking Bird.

La Poulette Grise (NFB). Anna Malenfant sings the folksong.

1949

Begone Dull Care (NFB). Oscar Peterson Trio plays jazz.

1950

Pen Point Percussion (NFB). Synthetic sound. 1951.

Around Is Around (NFB). Music by Louis Applebaum.

Now Is the Time (NFB). Synthetic sound.

1952

Neighbours (NFB). Synthetic sound A Phantasy (NFB). Maurice Blackburn's music for saxophone and synthetic sound.

Two Bagatelles (NFB). Synthetic sound 1955.

Blinkity Blank (NFB 1955). Synthetic sound and music of Blackburn

1956

Rythmetic (NFB). Synthetic sound.

1957

A Chairy Tale (NFB). Music performed by Ravi Shankar and Chatur Lal.

1958

Le Merle (NFB). Trio lyrique sings the folksong 'Mon merle.'

1959

Mail Early for Christmas (NFB). Music by Eldon Rathburn.

Serenal (NFB). Grand Curacaya Orchestra of Trinidad.

Short and Suite (NFB). Eldon Rathburn's music for jazz ensemble.

1960

Lines Vertical (NFB). Blackburn plays electronic piano.

1962

Lines Horizontal (NFB). Pete Seeger plays winds and strings.

1964

Canon (NFB). How a musical canon is constructed, using music by Rathburn.

1965

Mosaic (NFB). Synthetic sound.

1967

Pas de Deux (NFB). Panpipes.

1968

Psyche Rock. Pierre Henry, Michel Colombier.

1969

Spheres (NFB). Gould plays Bach Fugue 24 and Prelude 20 (Book I) and Fugue 14 (Book II) from The Well-tempered Clavier.

1971

Synchromy (NFB). Synthetic sound.

1972

Ballet Adagio (NFB). Albinoni Adagio.

1976/78

Also Animated Motion (NFB), a series of five study of films prepared by McLaren on animation techniques.

1983

Narcissus (NFB). Balletic interpretation of the Greek myth. Music by Maurice Blackburn.

Arco Iris: "Agitor Lucens V" (1974)... O Cuando a Gustavo Santoalalla lo Mato la Critica de la Opinion.

2010-03-14T23:58:00.019-03:00

El sábado 9 de agosto de 1975, hace treinta y cuatro años, Jorge Andrés publicó en La Opinión su crítica del esperpéntico estreno local de Agitor Lucens V, con música interpretada en vivo por el grupo Arco Iris y coreografía de Oscar Aráiz.

Según lo revela el estreno de “Agitor Lucens V” por Arco Iris
El rock argentino se ha muerto aburrido y en silencio...

Escribe Jorge H. Andrés

"Sin que nadie lo llorara, el rock argentino se murió plácidamente de aburrimiento. Aquella corriente creativa que a fines de la década pasada se insinuaba como un movimiento popular comparable al del tango en los años 40, fue incapaz de fijarse metas estéticas y temáticas concretas y terminó diluyéndose entre el convencionalismo y la pretensión.
La música progresiva nacional falleció pura e ignorante como un chico. El único, inolvidable rasgo que llegó a definir fue su simpatía tierna y ruidosa. Con tiempo para crecer es probable que hubiera sido sensual, fantasiosa y con ansias de cambios profundos, pero clauidicó antes, cuando había roto todos los vidrios sin lograr abrir la ventana.
Si se lo piensa en la perspectiva de otros países, el rock nativo no alcanzó altas cumbres artísticas pero tampoco se manchó con la decadente espectacularidad que caracteriza al género actualmente. En el país, quienes iniciaron este tipo de música fueron pobres de parafernalia electrónica pero muy imaginativos para transmitir con sinceridad, lirismo y humor el sentimiento de una generación.
De toda esta gente, como Moris, Miguel Abuelo, Litto Nebbia, Claudio Gabis, Alejandro Medina, Spinetta, Del Guercio, Molinari, Javier Martínez, Pinchevsky, Rodolfo García o Billy Bond, los que no optaron por el exilio, andan por ahí, vagando en sus delirios particulares o en la rutina del ejecutante profesional.
Por inocencia, vergüenza o apatía, el rock se agotó en Buenos Aires sin intentar la etapa del show y el disfraz, muy comunes en cualquier parte. La solitaria y honorable excepción fue la ejecución en vivo de la obra La Biblia en el cine Gran Rex, hace justamente un año, un hecho que por su solvente gigantismo hizo pensar a este cronista que el género crecía saludablemente (La Opinión, 3 de agosto de 1974) cuando lo que en realidad ocurría es que estaba dando, impotente y gastado, una gran fiesta de despedida.
El martes a la noche, en la misma sala de la calle Corrientes, se presentó Agitor Lucens V, un “concierto-ballet” de Gustavo Santaolalla interpretado por el conjunto Arco Iris y bailado por el elenco de Oscar Aráiz, el mismo que hace poco tiempo estrenó la obra en Francia pero con la parte musical grabada.
No conforta asistir a este espectáculo, que se repite el lunes y martes próximo. Es música de ínfimo nivel, plagada de lugares comunes, ejecutada con crudeza y exhibicionismo y repleta de una poesía de vulgar intención profética. Y pretenciosa, que es el más difícil de perdonar de todos los defectos..."

"...Es la vieja estrategia de Arco Iris, cuarteto surgido en 1969, el momento culminante del rock porteño y que juiciosamente se construyó una falsa imagen de conjunto inquieto y profundo que lo convirtió en el número predilecto de público y organizaciones que habitualmente detestan la música popular.
De acuerdo con un bien diagramado plan, estrenaron suite tras suite y cantata tras cantata, probando todas las recetas del oportunismo y rodeándose de una ideología mística puntualmente comentada por todas las revistas especializadas en intimidades del negocio del espectáculo.
Agitor Lucens V es coherente con esa trayectoria. Una estirada hora y media de música con ocasionales partes cantadas y que viene a ser algo así como la anticipación de una utopía sideral, a pesar de que también se incluye un himno de énfasis guerrero y un Salmo a Cristo frente al cual la Misa Criolla de Ariel Ramírez suena como el mejor Mozart.
Estilísticamente la obra es un refrito simplificado de todo lo que está de moda dentro del rock y jazz de la actualidad. Hay menos folklore andino que en la producción previa de Gustavo Santaolalla, que es el principal compositor y solista del conjunto, pero sí un prominente empleo del sintetizador y de preciosismos de percusión.
El aporte de Oscar Aráiz se limita a ilustrar una tercera parte de los capítulos de Agitor. La tarea tiene la decorativa eficacia característica de este coreógrafo pero el material es muy poco estimulante y no hay grandes ideas planteadas sobre el escenario, apenas una vistosa antología de movimientos y diagramas vistos otras veces pero que son un buen pretexto para evadirse de la infernal vulgaridad del acompañamiento musical."

Imperdible la nota completa de Diego Fischerman: "Un Modelo", de la cual esta critica es un extracto.

Arco Iris - Oscar Araiz
Agitor Lucens V
corrientes 857
cine gran rex
Julio-Agosto 1975

Primera Parte:
Principe del alba
Las luces eternas
Intro, la nave madre
Lucero andino
Vientos celestiales
Si el señor me dio estas manos
Bas - bus
El regreso del pájaro dorado

Segunda Parte:
La nave madre
El Arcangel Miguel
Agitor
Sendero de Marcahuasi
Paraíso sideral
Un tiempo y tiempos y la mitad de un tiempo
Lucens V
Las huestes de Orion
Salmo a Cristo, el sublime peregrino

Reseña y descarga del disco en: LOS INCONSEGUIBLES DEL ROCK ARGENTINO

Fuentes:
http://cuentosdelpescador.blogspot.com/2009/08/un-modelo.html
http://losinconseguiblesdelrock.blogspot.com/2007/02/arco-iris-agitor-lucens-v-1974.html
http://www.magicasruinas.com.ar/publicidad/piepubli188.htm
http://www.dospotencias.com.ar/rebelde/arco2.htm
http://www.lahistoriadelrock.com.ar/gen/cap8.html

"Przekladaniec"; a.k.a.: "Layer Cake", "Roly Poly" (1968). Stanislaw Lem Segun Andrzej Wajda.

2010-03-09T18:30:00.024-03:00

La historia de un conductor de coches de carreras que se somete a tantos transplantes que ya no puede ser reconocido.

Przekladaniec

Andrzej Wajda (Polonia 1926) se unió a la resistencia contra el nazismo a los 16 años, tras lo que estudió pintura en Cracovia y cine en la Escuela de Cine y Teatro de Lodz. Sus primeras películas forman una trilogía en la que se muestran las tensiones y esperanzas de una nueva Polonia que emerge de las ruinas de la II Guerra Mundial para posteriormente seguir tratando la creciente agitación política de su país y el nacimiento del sindicato Solidarnosc de Lech Walesa. Las películas de Wajda ofrecen una elocuente narración de la historia polaca de posguerra, abordando los problemas morales que desencadena el conflicto entre la elección individual y la acción política.

Fuentes:
http://www.valentindeforonda.ehu.es/p284-content/es/contenidos/evento/foronda_semi_ii_guerra_mundial/es_guerra/korczak.html
http://www.cinestrenos.com/fichas/19783.htm

"Proinis Peripolos"; a.k.a.: "Morning Patrol" (1987). Philip K. Dick Segun Nikos Nikolaidis.

2010-03-05T21:55:00.037-03:00

Πρωινή Περίπολος

Una mujer camina sola en una ciudad abandonada. Trata de pasar a la zona prohibida. Por todas partes merodea la patrulla de la mañana.

Voces cibernéticas incitan a esos habitantes que no existen a abandonar la ciudad.
Funcionan los medios de comunicación, los cines exhiben películas, aparecen actores en las pantallas de TV.

La mujer encuentra a uno de los pocos supervivientes que guardan la ciudad. Ambos se aproximan el uno al otro por su mutua necesidad de revivir el pasado y deciden penetrar en la zona prohibida. Están unidos por lazos de violencia y muerte, puesto que ninguna otra conducta es posible en esta clase de mundo.

Una historia de amor en un entorno invivible.

"Esta es una película que todavía me asusta y evito mirarla. Creo que justamente es un film adelantado a su tiempo justo como " Euridice B.A. 2037 " lo fue." (Nikos Nikolaidis)

Thessaloniki Film Festival 1987

* Best Director Award
* Best Cinematography Award by the Ministry of Culture
* Best Art Direction

Nikos Nikolaidis (en griego: Νίκος Νικολαΐδης) (1939 – 5 de septiembre de 2007) fue un director de cine y escritor griego.

Nacio en 1939 en Atenas, donde vivió y trabajó toda su vida. Fue también director de escena y productor cinematográfico de las películas que dirigió.
Durante algún tiempo también se dedicó a los anuncios televisivos.
De su carrera como director, destacan Proini Peripolos, Glykia Symmoria y Ta Kourelia Tragoudane Akoma. También escribió O Orgismenos Valkanios.

Fuentes:
http://sites.google.com/site/cinematografiaengrecia/nikos-nikolaiedes-1939-2007-nikos-nikolaidis
http://www.nikolaidis.eexi.gr/patrol1.htm
http://www.nikosnikolaidis.com/
http://es.wikipedia.org/wiki/Nikos_Nikolaidis

"La Orilla que se Abisma": Un Dialogo Cinematografico entre el Fluir del Rio y la Poesia de Juan L. Ortiz.

2010-03-01T19:38:00.021-03:00

LA LUZ NATURAL

En las sombras profundas del cuarto alguien da dos pasos. O no los da y es simplemente el movimiento de la luz que entra por la ventana la que alcanza su rostro. De pronto, algo se nos revela: hay algo en la forma en que la luz acaricia ese cuerpo, en ese encuentro único de la luz y un gesto, en esa unidad ferozmente real, que nos conmueve. Ahora, la luz se mueve nuevamente y las sombras avanzan. Pero ya ese hueco espeso al que ha huido el cuerpo (la película) no podrá ser nunca más un espacio vacío. Porque hay algo ahí que nos atañe, simple, misteriosamente.

Cuándo me preguntan qué hay de común en El árbol, La orilla que se abisma y La madre, lo primero que respondo es: el trabajo con la luz natural.

Creo que la luz nos vincula emocionalmente con el mundo. Con Diego Poleri (fotógrafo de El árbol y La madre) y con Luis Cámara (fotógrafo de La orilla que se abisma) desarrollamos el arte de la espera, hicimos propia la intención de Juan L. Ortiz de “ver el color más allá del color”.

Alguna vez nos dijo el poeta Jorge Calvetti, hablando de su Maimará natal: “Es muy importante para mí, no sólo el paisaje, los árboles, la vieja casa. Es muy importante el aire, lo que no se ve, pero se siente. Es muy importante para un hombre sensible el regresar, el volver. El secreto está en mirar. Uno vuelve, muchos vuelven, y están contentos con el paisaje que se ve. Yo estoy contento con el paisaje que no se ve, con la conmoción que significa pensar en los días vividos, resplandecientes como joyas”.

Estamos convencidos de que la potencia no está en lo que la luz visibiliza, en lo espectacular, sino en lo hondamente íntimo, en la relación dinámica de lo visible y lo invisible, en la construcción, en fin, de una poética de la sugerencia.

Gustavo Fontan.

LA ORILLA QUE SE ABISMA está planteada como un viaje, un recorrido por un río. Como los ríos, como todo viaje, la película tiene meandros, pequeños cauces, desvíos y momentos de descanso. El film es un “diálogo” con la poética del escritor entrerriano Juan L. Ortiz, y parte de algunos interrogantes: ¿Será posible mirar y mirar, y mirar, y llegar hasta el sentido del río más allá del río? ¿Será posible mirar el paisaje hasta descubrir las dimensiones de lo que lo trasciende, es decir, lo abisma?

Para mas informacion visitar el blog del autor.

"...La orilla que se abisma prescinde por completo de la narración tradicional y, en su minucioso y por momentos fascinante trabajo sobre el sonido, la imagen y el encuadre (desde una tormenta hasta los reflejos en el agua, pasando por las sombras o tomas casi surrealistas elaboradas apelando incluso al fuera de foco), construye un universo que sintoniza con la obra de Juanele, a quien en la segunda mitad apenas se lo ve en unos pocos fragmentos tomados de un documental de 1976 y se lo escucha recitando uno de sus poemas..."

(Ver la nota completa publicada por Diego Batlle)

Gustavo Fontán nació en Banfield, Provincia de Buenos Aires, en 1960. Estudió Letras en la Universidad de Buenos Aires y Realización Cinematográfica en el CERC (hoy ENERC).
En 1990 publicó Los días vacíos (cuentos) y en 1993 La voz del sospechoso (cuentos)
Varios de sus trabajos cinematográficos están vinculados a escritores: Marechal o la batalla de los ángeles, Canto del cisne (Jacobo Fijman), El paisaje invisible (Jorge Calvetti), La orilla que se abisma (Juan L. Ortiz)
En 2003 se estrenó su largometraje Donde cae el sol y en 2007 el largometraje El árbol, que ha sido invitado a más de veinte festivales en distintos lugares del mundo.

"El Artista debe ser un Activista Politico, oponiendose a la guerra y Apoyando la Revolucion": Hans Ritcher (1888-1976).

2010-02-24T20:52:00.028-03:00

El cine, una forma original de arte

Por Hans Richter

El principal problema estético del cine, que fue inventado para la reproducción del movimiento, es, paradójicamente, la superación de la reproducción. En otras palabras, la cuestión se planta así: en qué medida la cámara (película, color, sonido, etc.) es enriquecida y usada para reproducir (cualquier objeto que se coloque delante del lente) o para producir (sensaciones no posibles en otro arte).

De ninguna manera es esta pregunta puramente técnica o mecánica. La liberación del tecnicismo, está íntimamente relacionada con problemas psicológicos, sociales, económicos y estéticos. Todos juegan un papel al decidir en beneficio de qué es usada la técnica y cuánto debe liberarse la cámara. Hasta que este problema fundamental, con todas sus implicaciones, no sea suficientemente esclarecido, es imposible hablar del cine como arte independiente, y quizás ni como forma de arte, a pesar de lo que prometa. Dicho por Pudovkin: "Lo que es una obra de arte antes de ser puesto delante de la cámara (como la actuación, la dirección o el argumento) no es una obra de arte en la pantalla."

Aún al sincero amante del cine en su forma actual, debe parecerle que es usado en su mayor parte, para formar un archivo de logros artísticos: obras de teatro, actores, novelas o simplemente la pura realidad, y proporcionalmente poco para la creación de sensaciones cinematográficas puras. Es verdad que el cine comercial usa muchos de los elementos "liberadores" descubiertos desde 1895 por Méliès, Griffith, Eisenstein y otros, tendientes a una forma cinematográfica pura. Pero la tendencia general de la industria cinematográfica, como institución tiene que evitar alejarse de las formas narrativas tradicionales a las cuales la mayor cantidad de gente está acostumbrada: el teatro, con la supremacía del actor y la novela o comedia, con la del escritor. Estas dos tradiciones pesan aplastantemente en el desarrollo de cine, y le impiden su liberación.

David Wark Griffith forzó al actor teatral, ya en el año 1909 a la actuación cortada, y rompió de esta manera, la interpretación ininterrumpida del actor teatral, en cientos de escenas actuadas separadamente que adquirían continuidad solamente en la sala de montaje. El aporte del primer plano y la intercalación de escenas simultáneas fueron pasos revolucionarios hacia la obtención de un estilo cinematográfico. Pero cuando rompió con la actuación teatral, dio involuntariamente, al crear la estrella, un golpe tremendo al actor. Como "estrella" el actor inmortalizó la reproducción y dominó, una vez más, la forma cinematográfica.

Por otra parte, la novela en los últimos cincuenta años se ha adaptado al cine. Se ha vuelto cada vez más una narración de imágenes. Pero su técnica de desarrollo psicológico del carácter, su estilo narrativo, propiedad tradicional de la literatura, dominan el cine y lo hacen, a su manera, reproducción de obras literarias, que eran arte original antes de ser "producidas" en Hollywood, Londres, París y Roma.

No nos interesa aquí, que a pesar de depender de otras formas artísticas, y a pesar del mayor o menor grado de reproducción, muchas películas hayan mostrado méritos excepcionales. Se sabe que la industria cinematográfica ha producido obras fascinantes, llenas de inventiva inspiración y valores humanos. El problema que estamos tratando aquí es el del cine como forma de artística original. "Bueno" o "malo" no tendrán sentido hasta tanto no se esclarezcan los fundamentos estéticos del cine.

La incertidumbre de si el cine (el de entretenimiento) es esencialmente teatral, literario, o plástico, termina haciendo dudar a historiadores y críticos sinceros, si el cine es, o será, después de todo, un arte original. Existe también otra doctrina que defiende la forma cinematográfica actual, pero que, a pesar de su tremendo éxito y de su poderosa influencia, niega su valor como compensación social al ofrecer paraísos completos con dioses y diosas, y ve en él una gran perversión del medio.

Entre estas dos doctrinas prefiero decir que la película de argumento en su forma actual es una reproducción de varias formas de arte mezcladas con elementos cinematográficos originales. Pero el hecho es que hay por lo menos dos formas cinematográficas al lado del cine del argumento que menos espectaculares que las de Hollywood, son más cinematográficas en el sentido proprio de la palabra.
Varias veces en la historia del cine una revolución ha roto temporalmente el dominio de las dos artes tradicionales sobre el cine de entretenimiento. Nombraré las dos revueltas más populares: el cine mudo ruso post-revolucionario (POTEMKIN), y después de la liberación de Italia del fascismo, el cine italiano de post-guerra (PAISA). En los dos casos la película de ficción se ha convertido en película histórica y del estilo teatral ha pasado al documental, al usar decorados naturales, actores no profesionales y hechos reales.

Con el estilo documental el cine vuelve a sus fundamentos. Aquí tiene una base estética sólida: el uso libre de la naturaleza, incluyendo al hombre, como materia virgen. Por la selección, la eliminación y la coordinación de los elementos naturales, la forma cinematográfica desarrolla lo que es original y no está atado por la tradición teatral o literaria. Esto, tanto para la película semidocumental de argumento (Potemkin, Paisa) como para la puramente documental.

Estos elementos deben alcanzar un significado social, económico, político y humano acorde con la selección y coordinación. Pero este significado no existe a priori en los hechos ni tampoco es una reproducción (como en la actuación del actor). Es creado en la cámara y en la sala de montaje. El cine documental es una forma cinematográfica original. Ha llegado a tomar con los hechos su nivel original. Abarca nuestra vida racional desde los experimentos científicos hasta el poético estudio del paisaje, pero nunca abandona lo real. Su propósito es amplio: sin embargo, es una forma artística original mientras mantenga el uso del material natural virgen en interpretaciones racionales. La técnica moderna – y más conveniente – de rehacer escenas y hechos reales tiene serios escollos, ya que nos puede hacer deslizar la reproducción por la ventana, al reproducir escenas ya ocurridas.

La influencia del documental está creciendo pero su contribución a un arte cinematográfico es, por naturaleza, reducida. Está limitado por la misma arma con la cual ha dominado la influencia de los dos artes antiguas. Como sus elementos son hechos, puede ser arte original dentro de los límites de esta realidad. Todo uso libre de las cualidades mágicas, poéticas, e irracionales que el medio cinematográfico le puede brindar debe ser excluida a priori por no ser hechos. Pero sucede que estas cualidades son esencialmente cinematográficas, son características del cine, y son, estéticamente las que prometen futura elaboración. Aquí es donde la segunda de las formas cinematográficas originales tiene su lugar: el cine experimental.

Hay un corto capítulo en la historia del cine que se ocupa de esta forma cinematográfica. Fue hecho por individuos que estaban preocupados del medio expresivo cinematográfico. No estaban prejuiciados por clisés de producción, ni por la necesidad de LA INTERPRETACIÓN RACIONAL, ni por obligaciones financieras. La historia de estos artistas individuales, hacia 1920, bajo el nombre de vanguardia (avanti-garde), puede ser leída como la historia de un intento de superar la reproducción y llegar al uso libre de los medios de expresión cinematográficos. Este movimiento se extendió por Europa y fue sostenido en gran parte por pintores modernos quienes, en su propio campo habían roto con lo convencional: Eggeling, Léger, Duchamp, Man Ray, Picabia, Ruttman, Brugère, Len Lye, Cocteau, yo y otros.

El hecho de que fueran casi exclusivamente artistas modernos quienes representaron este movimiento indica en qué dirección se buscaba la liberación del cine. Ya en la segunda década del siglo, Canudo y Delluc hablaban en Francia de lo "fotogénico" como la cualidad "plástica" del nuevo medio. René Clair fue más allá al declarar al cine como un medio visual por sí mismo:
"Un hombre ciego en teatro común y un sordomudo en un cine, perciben justamente lo esencial de la función." La palabra para el teatro, la imagen muda para el cine: i éstos son los elementos !
Estos artistas descubrieron que el cine como medio visual entraba en la tradición artística sin violentar sus fundamentos. Era ahí donde podía desarrollarse libremente:

"El cine debe eludir toda conexión con los temas históricos, educativos, románticos, morales o inmorales, geográficos o documentales. El cine debe convertirse, paso a paso, en exclusivamente cinematográfico, lo que significa que debe usar exclusivamente elementos fotogénicos" (Jean Epstein, 1923).

Hay problemas en el arte moderno que llevan directamente al cine. Organización y orquestación de forma, de color, la dinámica del movimiento, la simultaneidad, fueron problemas con los cuales chocaron Cézanne, los cubistas y futuristas. Eggeling y yo caímos sin quererlo de los problemas estructurales del arte abstracto al medio cinematográfico. La conexión con el teatro y la literatura fue completamente suprimida. El cubismo, el expresionismo, el dadaísmo, el arte abstracto y el surrealismo no sólo encontraron su expresión en el cine, sino también algo nuevo que acometer en un nuevo nivel.

Lógicamente la tradición del arte moderno creció en un ancho frente, junto al cine y dentro de él: la orquestación del movimiento en ritmos visuales – la expresión plástica de un objeto bajo condiciones luminosas variables, "para crear el ritmo de los objetos comunes en el espacio y el tiempo, para representarlos en su belleza plástica, esto parecía valer la pena" (Léger). La distorsión y disección del movimiento, un objeto o forma, y su reconstrucción en términos cinemáticos (así como los cubistas separaron y reconstruyeron en términos pictóricos) – la desnaturalización del objeto en cualquier forma para recrearlo cinematográficamente con la luz –la luz con su transparencia y pureza como material poético dramático, constructivo – el uso de las cualidades mágicas del cine para crear el estado de sueño puro, la liberación completa del argumento convencional y su cronología, en desarrollos dadaístas o surrealistas en la que el objeto es sacado de su contexto convencional y es puesto dentro de nuevas relaciones, creando así un nuevo contenido.

"El objeto externo ha salido de su ambiente habitual. Sus partes componentes se han liberado del objeto de tal manera que pueden establecer relaciones completamente nuevas con otros elementos" – André Breton (acerca de Max Ernst).

El objeto externo fue usado, lo mismo que en el film documental, como materia virgen, pero en vez de emplearlo para un tema racional de índole social, económico o científico, se lo sacó de su medio habitual y fue usado como material para expresar visiones irracionales. Películas como "Ballet mecánico", "Entreacto", "Emak Bakia", "Fantasmas antes del desayuno", "El perro andaluz", "Sinfonía diagonal 1", "Cine anémico", "La sangre de un poeta", "Sueños que el dinero puede comprar", no son repetibles en otro medio y son esencialmente cinematográficos.

Es demasiado temprano para poder hablar de una tradición, o de un estilo, comparable a los de las otras artes. El movimiento es demasiado joven todavía. Hay, sin embargo, direcciones generales que cubren gran parte de estos esfuerzos: el arte abstracto y el surrealismo. Aquí en los Estados Unidos, está la obra de los hermanos Whitney y de Francis Lee más característicos del uno, y las películas de Curtis Hurrington, Major Deven y Frank Stanffather, ejemplos de otro. Hay muchos intentos serios pero también muchos "discípulos" que usan y abusan de las sensaciones fáciles de conseguir en este medio. Especialmente el surrealismo ha sido una bienvenida para la exhibición de todo menú de inhibiciones.

En Inglaterra, Francia, Dinamarca, Holanda, Bélgica, grupos de artistas individuales que experimentan en el cine, casi todos pintores, han tomado el trabajo empezado por la avanti-gard de los twenties. Están siguiendo la única línea que un artista puede seguir: la integridad artística. De esta manera una tradición interrumpida temporalmente por los tumultuosos acontecimientos europeos ha sido retomada por una nueva generación aquí y en el exterior. Es obvio hoy que esta tradición no cesará sino que crecerá. Por chico o grande que sea este movimiento ha abierto una nueva vía al cine en tanto forma artística y tiene algo más que mero significado histórico.

Cuanto más fuerte sea el movimiento del documental y del cine experimental y mayores las oportunidades que el público tenga de ver sus obras, más se adaptarán a este estilo de cine en oposición al estilo teatral. Sólo después de esa transformación del gran público podrá seguir el mismo camino el film de entretenimiento. En esa era ideal el film de entretenimiento y el del arte serán uno mismo.

(“The film as an original Art Form” artículo publicado en Film Culture, año 1, núm 1, New York, enero de 1955)

Filmografia:

Rhythmus 21 (1921)

Rhythmus 23 (1923)

Rhythmus 25 (1925)

Filmstudie (1926) with music by Darius Milhaud

Inflation (1927)

Vormittagsspuk ("Ghosts Before Breakfast", with music by Hindemith) (1928)

Zweigroschenzauber (1929)

The Storming of La Sarraz (1929)

Rennsymphonie (1929)

Everyday (1929)

Alles dreht sich, alles bewegt sich (1929)

Neues Leben (1930)

Europa Radio (1931)

Hallo Everybody (1933)

Keine Zeit für Tränen (1934)

Vom Blitz zum Fernsenhbild (1936)

Dreams That Money Can Buy (1947)

Hans Richter - Dreams That Money Can't Buy

8 x 8: A Chess Sonata in 8 Movements (1957)

Dadascope (1961)

Fuente:
http://www.facebook.com/#!/cinelibertad?ref=nf

"El Cosmonauta", o la experiencia de ser un productor cinematografico invirtiendo solo 2 euros.

2010-02-19T19:45:00.026-03:00

¿Y si volvieses a casa... y ya no hubiese nadie?

En 1975, el primer cosmonauta ruso en la Luna no consigue regresar, y se le da por perdido en el espacio.

Él, sin embargo, a través de fantasmales mensajes de radio, clama haber vuelto a la Tierra y haberla encontrado vacía, sin un alma.

Su irreal presencia y su voz irán destruyendo poco a poco el mundo de sus seres queridos.

“El Cosmonauta” es un proyecto de largometraje de Riot Cinema Collective distinto a cualquiera realizado hasta ahora tanto en el ámbito comercial como independiente del cine español. El proyecto utiliza Internet de manera colaborativa y bajo licencias libres Creative Commons con el propósito de desarrollar plataformas alternativas de financiación, creación y distribución cinematográfica. Para lograrlo se acerca al público y fomentando una relación más estrecha y transparente le invita a participar en el proceso de producción de una película en la que puede disponer del material creado.

..."El Cosmonauta”, un proyecto de largometraje de ciencia-ficción sobre un cosmonauta ruso desaparecido en una misión ficticia a la Luna...
...Pasado un tiempo, su nave retorna vacía, mientras se empiezan a recibir transmisiones de radio con la voz del cosmonauta que asegura haber vuelto a la Tierra y haberla encontrado desierta…

Pero lo realmente singular de “El Cosmonauta” no es su guión, sino el esquema elegido para su financiación. Se trata del “crowdfunding”, o financiación masiva por medio de múltiples donaciones anónimas (o no tanto). A partir de tan sólo 2 euros puedes convertirte en coproductor de este interesante proyecto, lo cual te permitirá, aparte de la satisfacción de financiar el proyecto, participar en el sorteo de un traje de cosmonauta auténtico y aparecer en los títulos de crédito de la película. Y si quieres invertir más de 2 euros, tienes un montón de posibilidades adicionales para elegir, ya que cada aportación se ve recompensada con regalos de valor proporcional al dinero invertido...

Y tampoco es la financiación el único aspecto original del proyecto. Otro es que la película se realizará bajo licencia Creative Commons: su distribución será gratuita a través de Internet, y no sólo eso, sino que podrás ser libre de modificarla a tu antojo, de aportar tu propia visión de la película, y de volver a compartir la nueva versión para disfrute de toda la comunidad. Una apuesta por una visión muy diferente de la producción artística.

(Nota completa en "El Espacio de Javier Casado")

Mas informacion en "El Cosmonauta" y "Planetaki"

Fuentes:
http://elcosmonauta.es/
http://fjcasadop.blogspot.com/2009/05/el-cosmonauta.html
http://axxon.com.ar/noticias/2010/02/el-cosmonauta-primer-filme-espanol-con-licencias-libres-recibe-gran-apoyo/
http://miruidofavorito.blogspot.com/2010/02/el-cosmonauta-primera-pelicula-espanola.html

"Invasion" (1969). Jorge Luis Borges y Adolfo Bioy Casares Segun Hugo Santiago.

2010-02-18T23:01:00.013-03:00

Invasión es la leyenda de una ciudad, imaginaria o real, sitiada por fuertes enemigos y defendida por unos pocos hombres, que acaso no son héroes. Luchan hasta el fin, sin sospechar que su batalla es infinita.

"Se trata de un film fantástico y de un tipo de fantasía que puede calificarse de nueva. No se trata de una ficción científica a la manera de Wells o Bradbury. Tampoco hay elementos sobrenaturales. Los invasores no llegan de otro mundo: y tampoco es psicológicamente fantástico: los personajes no actúan - como suele ocurrir en las obras de Henry James o Kafka- de un modo contrario a la conducta general de los hombres. Se trata de una situación fantástica: la situación de una ciudad que esta sitiada por enemigos poderosos y defendida - no se sabe por qué- por un grupo de civiles (...). De modo que - lo repito- hemos intentado (no sé con qué fortuna) un nuevo tipo de film fantástico: un film basado en una situación que no se da en la realidad, y que debe, sin embargo, ser aceptada por la imaginación de espectador."

Jorge Luis Borges.

Hugo Santiago rodó "Invasión" luego de haber sido durante siete años asistente de uno de los grandes del cine como Robert Bresson y de haber filmado dos elogiados cortos: "Los contrabandistas" y "Los taitas".

Durante la larga gestación de "Invasión", Santiago contó con un argumento original escrito a cuatro manos, entre Bioy Casares y Borges, mientras que éste participó luego de manera activa con el director en el armado del guión.

"Invasión vuelve sobre algunos motivos que ya estaban en Los orilleros y en El paraíso de los creyentes, dos guiones anteriores de Borges y Bioy Casares: la estilización, el trabajo sobre los géneros, los personajes arquetípicos, la obsesión de una trama perfecta", dice Oubiña en el libro Invasión: Borges/Bioy Casares/Santiago, en el que repasa también algunas influencias literarias y cinematográficas, como el film noir norteamericano de Josef von Sternberg, Fritz Lang y Raoul Walsh.

También se pueden advertir en este film retrofuturista con fotografía en blanco y negro a cargo del gran Ricardo Aronovich el influjo de la nouvelle vague francesa, de Macedonio Fernández y, claro, de "El Eternauta", de Héctor Germán Oesterheld. (La película también está ambientada en 1957.)

"Aquilea es Buenos Aires pero es Aquilea y es la Argentina pero es Aquilea."

Hugo Santiago.

Hugo Santiago: Radicado en Francia en 1959, fue asistente de dirección de Robert Bresson. Luego regresó a Buenos Aires para dirigir la mítica Invasión (1969), una auténtica película de culto para los cinéfilos argentinos. Escrita junto a Jorge Borges y Adolfo Bioy Casares, tiene como escenario a Aquilea, una ciudad sitiada, que remite de forma indudable a Buenos Aires. Con Olga Zubarry y Lautaro Murúa como protagonistas, cruza de forma vanguardista el policial negro con el género fantástico en un escenario futurista pero cercano. Después volvió a radicarse en Francia, donde rodó películas como Los otros (1974), también con guión compartido con Borges y Bioy Casares; y Écoute voir... (1979), con Catherine Deneuve. Con Las veredas de Saturno (1986), volvió al escenario de Aquilea, en una alegoría sobre la última dictadura que sufrió la Argentina. El guión fue escrito junto al escritor Juan José Saer. Luego filmó La gesta gibelina (1988) y El lobo de la costa oeste (2002).

Ricardo Aronovich: director de fotografía argentino. Realizó su mayor producción en Europa, haciendo la dirección de fotografía de gran parte de la filmografía de Alain Resnais, Miguel Littín, Costa Gravas, Hugo Santiago, Louis Malle, Ettore Scola y Costa Gavras. En Brasil trabajó junto a directores como Ruy Guerra y León Hirszman y contribuyó a crear la fotografía del cinema novo. Ademas, se desempeñó como director de la cátedra de fotografía en la Escuela Internacional de Cine y TV de Cuba, y escribió en 1997 el libro "Exponer una historia". Aronovich reconoce que aparte de Nevsky y otros clásicos rusos fue influido por los expresionistas alemanes, el neorrealismo italiano y el cine inglés y un poco por la nouvelle vague francesa pero, aclara, no por el cine americano.

Fuentes:
http://www.quintadimension.com/article100.html
http://www.forodvdmania.com.ar/phpBB3/viewtopic.php?p=446635
http://cine.argentina.ar/interpretes/5387-Hugo-Santiago-T/

Será posible, o siempre seremos hablados por otros? Desde aqui apoyamos la Implementación Pública del Derecho a la Comunicación.

2010-02-14T21:47:00.011-03:00

A partir del último Día Internacional de los Derechos Humanos, jueves 10 de diciembre, se inició el Proyecto “Comunicarnos”. Campaña argentina por el Derecho a la Comunicación.
El objetivo de este proyecto es promover la formación de la ciudadanía sobre el Derecho a la Comunicación y estimular su compromiso y participación para hacer efectivo su cumplimiento como uno de los Derechos Humanos fundamentales para la Democracia.
El Derecho a la Comunicación implica la garantía de la participación democrática, el ejercicio de la ciudadanía, la pluralidad y la igualdad de oportunidades en el acceso equitativo y la producción colectiva de conocimiento.

Les recomendamos leer el texto de Maria Paula Saffon: "El derecho a la comunicación: Un derecho emergente".

Fuente:
http://www.comunicarnos.gob.ar/comunicarnos/