"La Tecnologia es como las Noticias: Cuando al fin la obtenemos, ya es Historia Antigua."

martes, 29 de diciembre de 2009

Ataque de pánico: En 5 minutos, y por tan solo 300 u$s, de Montevideo a Hollywood

Es un excelente cortometraje de ciencia ficción, realizado por el cineasta uruguayo Federico Álvarez, en el se cuenta como unos robots atacan la ciudad de Montevideo en Uruguay. El corto esta causando sensación en todo el mundo, tanto que lógicamente llamo la atención de Hollywood, donde varios estudios estuvieron negociando la realización de un largometraje del mismo. Al parecer el director Sam Raimi se ha hecho de los derechos a través de su empresa Ghost House Pictures.

Cabe señalar que este corto ha tenido una atención similar a la que tuvo el sudafricano Neill Blomkamp con "Alive in Joburg", donde este corto fue fundamental para que Peter Jackson se interesara en el proyecto y realizará el largometraje "Distric 9" que ya muchos han visto.

El largometraje tendrá como título provisional "There Will Be Robots" y se filmará en Montevideo (Uruguay) y Buenos Aires (Argentina), se dice que tendrá un presupuesto de entre 30 y 40 millones de dólares.

El título provisional que se baraja para el proyecto es , y al igual que Blomkamp este uruguayo de 30 años ambientará su relato en su tierra, en este caso Montevideo (y de paso, Buenos Aires), contará con un presupuesto entre los 30 y 40 millones de dólares (para poder mantener la libertad creativa, ya que él mismo ha descartado un presupuesto mayor), e igualmente estará apadrinado por un director de renombre, Sam Raimi, quien producirá el largometraje a través de su Ghost House (y quien además se marcó un tanto adelantándose así a medio Hollywood), y con la que Álvarez ha firmado un "contrato ciego", lo que significa que sea la película que sea, el estudio de Raimi le producirá la primera película a Álvarez, quien por otro lado no puede aceptar propuestas de nadie más hasta que dicha película sea una realidad. Eso sí, lo dicho, el realizador contará con absoluta libertad creativa para el desarrollo del largometraje.





Fuentes:

http://blogs.hoycinema.com/movieland/post/2009/12/01/aaataque-paanico-cortometraje-uruguayo-causa-sensaciain
http://alt1040.com/2009/11/los-creadores-de-ataque-de-panico-rodaran-largometraje
http://www.aparato.tv/
http://www.murdoc.tv/
http://solitariogeorge.wordpress.com/2009/11/30/federico-alvarez-hizo-un-filme-de-5-minutos-subio-a-youtube-y-consiguio-millones/

domingo, 13 de diciembre de 2009

Bells of Atlantis. Dr. Hugh Guiler: El banquero & Mr. Ian Hugo: El realizador.

Cuando Hugh Guiler, el esposo banquero de Anaïs Nin, comenzó su carrera artística como grabador, se cambio en nombre por el de Ian Hugo… En la mente de Guiler, había un sentimiento de intolerancia entre los mundos financieros y artísticos, y él no quiso que ambos se entrelazaran.Los grabados de Guiler encontraron su camino en las ediciones impresas a mano de Nin durante los años cuarentas, siendo quizás la mas notable la edición de Gemor de “Under a Glass Bell” (la foto promocional que puede ser vista en la cubierta de “A Café in Space”, Vol. 2).
En los cincuentas, Guiler comenzó a experimentar con el cine convirtiéndose en un verdaderamente respetado realizador del avant-garde, usando súper imposiciones y otros efectos para reflejar su visión en la pantalla. Guiler había sido iniciado en la experiencia cinematográfica por Alexander Hammid, quien en una oportunidad le sugirió: "Usa la cámara tu mismo, crea tus propios misterios, crea tu propio estilo”.



“Bells ot Atlantis” es, tal vez, el cortometraje mas conocido de Ian Hugo. Está inspirado en la novela “La casa del incesto” escrita por la propia Anaïs Nin, quien actúa como la mítica Reina de Atlantis, apareciendo a la deriva en el mundo submarino antes de subir a la tierra seca.
El film de 9 minutos, rodado en 16 mm, fue concluido en 1952, y cuenta con la participación de Len Lye y, además, uno de los primeros scores de música electrónica realizados por Louis y Bebe Barron.


En una conferencia dada en mayo de 1977, Ian Hugo dijo después de la proyección de Bells of Atlantis (basada en imágenes acuáticas presentadas en el primer trabajo de ficción (?) de Nin, The House of Incest, en el cual Nin aparece y narra): “Gracias por su tan amable respuesta, de la cual estoy seguro es también un tributo a Anaïs Nin. Realmente pienso que esta película es un acercamiento—a su estilo como poeta de primer orden, y a su presencia y extraordinaria sensibilidad, de caluroso ser humano. Seguramente puedo declarar personalmente a esto durante los casi 54 años que estuvimos casados, al momento de su muerte en enero de este año.” (Debe señalarse que la audiencia expreso un generalizado estupor, ya que ellos conocían a Ian Hugo solo como un colaborador artístico de Nin, y no como su marido) “Y agregaré que su belleza física pareció brillar desde alguna luz interior que, ahora puedo ver más claramente, permitiéndole a ella explorar, día a día, ‘el continente perdido dentro de nosotros’ (una frase de la poeta Marianne Moore en referencia a Bells of Atlantis). Y esto es solamente ahora aquello que completamente realicé debido a su mera presencia y su estimulo todos esos años, tratando de explorar mi propio ‘continente perdido’, al cual trate de llegar realizando este film.” El texto completo seria publicado al año siguiente en “A Café in Space”.





Fuentes:
http://anaisninblog.skybluepress.com/2009/03/ian-hugo-filmmaker/
http://cine-cubano-la-pupila-insomne.nireblog.com/post/2009/05/02/ian-hugo-en-la-habana
http://www.dailymotion.com/video/xanoff_ian-hugo-bells-of-atlantis_shortfilms

jueves, 10 de diciembre de 2009

EFPEUM: Estructura Funcional Para Encontrarse Uno Mismo. Cine experimental Surrealista Venezolano (y encima de ciencia ficción) de la decada del 60.


"...En esos días terminé el rodaje de la película de ciencia-ficción. Cuando la estrenaron, en ese recinto siniestro llamado Cinemateca, no asistí en presencia física, pero desdoblado y desde el astral procuré escuchar los comentarios. - "la Película más loca del año"- dijeron algunos, pero nadie comprendió el asunto del arquitecto con su Estructura-funcional-para-Encontrarse-uno-Mismo. Todo el mundo se rió a carcajadas y al parecer, los espectadores se divirtieron mucho, de lo lindo; mi intención no había sido realizar un film cómico, pero así resultó y eso era el éxito. Nunca más supe de "Efpeum", quedó en manos de los productores que la habrán enlatado y la tendrán debajo de un escritorio como hacen todos los negociantes en películas por estos lados del Atlántico..."
Mauricio Odremán Nieto. "El Día en que todo haga Paff". 1973







EFPEUM significa "Estructura Funcional para Encontrarse uno Mismo". Esta Película puede ser considerada como una Joya vanguardista del Cine Venezolano, ya que aborda temas poco explorados en Venezuela, como el ocultismo y el orientalismo desde una óptica -que transita entre el género Fantástico y la Ciencia Ficción, inclusive- Describiendo el recorrido de sus personajes con el humor que caracterizó la obra literaria, pictórica y cinematográfica de este autor.
Puede ser catalogada como una obra psicodélica, incluso al descubrir la afinidad del creador con el género fantástico en sus relatos, y sus encuentros con Artistas Venezolanos como Rolando Peña, o el Americano Andy Warhol... Sin embargo, me atrevo a sugerir que este film intenta rescatar el espíritu sincrético del Surrealismo trasladado hasta Latinoamérica a través de las obras de autores como Leonora Carrington, en la Narrativa y la Pintura, o Luís Buñuel en la Cinematografía. (Autor del comentario: Jesús Odreman)

Estructura Funcional Para Encontrarse Uno Mismo

Fuente:
http://www.archive.org/details/Jos_MauricioOdremanNietoEstructuraFuncionalparaEncontrarseunoMismo

martes, 8 de diciembre de 2009

Harry Partch: El Outsider. "Sonidos Mágicos, Belleza Visual, Experiencia Ritual"

Partch nació en Oakland (California), en 1901. Pasó su infancia en poblaciones pequeñas y remotas de Arizona y Nuevo México y creció escuchando canciones en chino mandarín, español y en las lenguas indias de esas regiones. Aprendió a tocar el clarinete, el armonio, la viola, el piano y la guitarra. Comenzó a componer a edad muy temprana utilizando la escala cromática habitual en la música occidental, aunque posteriormente quemó todas sus obras de esta época al sentirse muy insatisfecho con los sonidos que obtenía con ella, que no se adecuaban a sus necesidades expresivas ni a sus ideas musicales. Partch llegó a la conclusión de que necesitaba nuevos instrumentos (que inventó y construyó él mismo) e intérpretes adecuados para ellos. Su primer instrumento fue el monófono (más tarde conocido como «viola adaptada»).
Viajó a Europa con una beca para estudiar música y conocer al poeta William Yeats, al que pidió permiso para escribir una ópera basada en su traducción al inglés del Edipo Rey de Sófocles. Partch tocaba el monófono mientras Yeats recitaba By the Rivers of Babylon («Por los ríos de Babilonia»); después, transcribió con exactitud las inflexiones de los actores del Abbey Theatre mientras recitaban Edipo. Yeats le dio su permiso para la adaptación entusiasmado: Una obra escrita de esta manera, con este instrumento maravilloso y con esta clase de música, será realmente sensacional.
Partch comenzó a construir instrumentos para su ópera, pero se agotó el dinero de su beca y debió regresar a Estados Unidos en plena crisis de la Gran Depresión económica. Su situación fue tan precaria que llegó a vivir como un vagabundo en los trenes (forma de vida que en inglés se conoce como freighthopping). También trabajó en cualquier empleo que le ofrecieran. Vivió de esta manera durante diez años, escribiendo sus experiencias en un diario íntimo que tituló Bitter Music («Música amarga»). Frecuentemente llevaba al pentagrama las alturas e inflexiones particulares del habla de las personas que iba encontrándose. Esta técnica compositiva (que ya había sido utilizada siglos antes por la Camerata Florentina y por autores como Berlioz, Mussorgsky, Debussy, Schoenberg o Leoš Janáček y que posteriormente a Partch empleará también Steve Reich) se convertirá en la forma más habitual de composición de Harry Partch de las partes vocales de sus obras.



En 1941, compuso Barstow, una obra que tomaba como texto distintos grafittis que había visto pintados en los guardrail de una autopista en Barstow (California). De esta obra, originalmente concebida para voz y guitarra, Partch hizo distintas versiones a lo largo de su vida, según crecía su colección de instrumentos.En 1943, tras recibir una beca de la Guggenheim Foundation, pudo dedicar más tiempo a la composición y recuperó su proyecto de ópera sobre Edipo. Sin embargo, los herederos de Yeats le negaron el permiso para utilizar la traducción del poeta (fallecido en 1939) y tuvo que traducirlo él mismo (actualmente se puede interpretar la música de Partch con el texto de Yeats, cuyos derechos han prescrito y ha pasado a ser de dominio público).Pasó una temporada en Ithaca (Nueva York), donde comenzó su obra US Highball, una evocación musical de sus tiempos de vida en los ferrocarriles durante el tiempo de la Gran Depresión." st="on">la Gran Depresión.Desde 1923, había estado trabajando en un libro que finalmente se publicó en 1949 con el título de Genesis of a Music («Génesis de una música»). Es una reflexión sobre su propia música, con artículos sobre teoría musical y diseño de instrumentos. Se considera este libro como un texto fundamental sobre la teoría musical de microtonalismo. En él expone su concepto de corporeality («corporeidad»): la fusión de todas las formas artísticas en un único cuerpo.Mas cerca en el tiempo escribió la «danza satírica» The Bewitched, y Revelation in the Courthouse Park («Revelación en el jardín de la Audiencia»), obra basada en gran parte en Las Bacantes de Eurípides.



















Delusion of the Fury («La ilusión de la Furia») (1969) está considerada su obra más importante.Asimismo creó su propia discográfica, Gate 5, con la que distribuyó la grabación de sus obras. Al final de su vida, Columbia Records realizó la grabación de alguna de sus composiciones (entre otras, de Delusion of the Fury), lo que sirvió para aumentar la atención hacia su obra. Sin ser un compositor que haya alcanzado gran popularidad, su nombre es muy conocido entre los músicos contemporáneos (especialmente entre los interesados en el microtonalismo), es famoso por su escala de cuarenta y tres tonos (aunque él utilizó en sus obras otras muchas escalas) y está considerado como uno de los autores más significativos del siglo XX.





"Yo no soy un constructor de instrumentos" Partch dijo una vez, "solo un hombre filosófico seducido por la carpintería". Resulta irónico que muchas de sus maravillosas creaciones, (cerca de 30 instrumentos que incluyen el Zymo-Xyl construida de tapacubos, o tazas de la rueda de un automóvil, el Kettletop, bloques de roble y viejas botellas; la Mazda Marimba, que eran bombillas de luz afinadas a las que les fue quitada la base y luego "destripadas"; Gourd Tree y Cone Gong, hecho de campanas de templo y eucaliptos), y que están expuestos en el museo de arte de San Francisco y en el de arte moderno de New York, le han servido como un impedimento para su popularidad. Estas son en su gran mayoría, instrumentos únicos en su clase, obras de arte, realmente capaces de increíbles sonidos. Pero la real singularidad de estos instrumentos era que solo podían ser ejecutados por el compositor y su ensamble de especialmente entrenados músicos.





"El trabajo que yo he estado haciendo durante todos estos años, se emparienta en actitud y en las acciones al hombre primitivo. Él encontró magia en los materiales comunes que lo rodeaban en su hábitat, luego procedió a construir el vehículo, el instrumento, tan visualmente hermoso como pudo, finalmente incluyó la magia del sonido y la belleza visual en su voz y experiencias cotidianas, su ritual y su drama, para darle un mayor significado a su vida. Esta es mi trinidad: sonidos-mágicos, belleza visual, experiencia-ritual".


Y si quieren ver y tocar los instrumntos vayan aquí















The Music of Harry Partch (1989, 1994)




http://www.corporeal.com/
http://www.harrypartch.com/
http://musicmavericks.publicradio.org/features/feature_partch.html#
http://elsitiodeltopo.com.ar/partch.htm

miércoles, 2 de diciembre de 2009

El Secreto de sus Ojos; Persecusión en un Plano Secuencia "Imposible" que nos dejo con la boca abierta.



En una entrevista le preguntan sobre la escena a Campanella:

¿Cómo logró usted esa impresionante toma aérea que culmina con una persecución en primer plano, mezcla de humanos y digitales? ¿Y puede durar como seis minutos, sin que se note ningún corte?
- Avance cuadro a cuadro y no verá ninguno. Ya muchos sitios de software de efectos visuales nos están pidiendo esa toma, pero ahora no voy a develar nada. Forma parte de la diversión el que todos se intriguen queriendo saber “cómo lo hizo”. Sólo diré que nos llevó dos años de preparación, tres días de rodaje con actores y 200 extras, y nueve meses de postproducción, empleando en parte el programa Massive que usó Peter Jackson para El señor de los anillos. Los de la productora “100 bares” somos los únicos en Latinoamérica que podemos y sabemos usar ese programa. Agradezcamos a nuestro supervisor de efectos visuales Rodrigo Tomasso, un entrerriano que dicta cursos en Norteamérica, y esperemos que no se lo lleven.

Fuente:
Esto es lo mejor de "El Secreto de sus Ojos"

jueves, 26 de noviembre de 2009

Para quienes piden camaras de seguridad en los espacios públicos: Electronic Labyrinth THX 1138 4EB (1967)

Electronic Labyrinth THX 1138 4EB es un cortometraje en 16 mm dirigido por George Lucas en el año 1967, cuando aun era estudiante de cine en la University of Southern California (USC).
El programa de la proyección en la USC resumió la película como "La pesadilla de un hombre que intenta escapar de un mundo automatizado que constantemente sigue sus movimientos".




El corto, con música de los Yardbirds , y una duración de 15 minutos y 10 segundos, le valió el primer premio del Festival Nacional de Estudiantes de Cine 1967-68, y la Warner Brothers le otorgo una beca para participar del rodaje de El valle del arco iris, donde conoce a Francis Ford Coppola, con quien casi inmediatamente, fundaría la productora American Zoetrope.

Este trabajo lo desarrollaría luego, a través de su primer largo: THX 1138 en 1970, esta vez con Robert Duvall, Donald Pleasence,. y Maggie McOmie en los papeles protagónicos, y música original de Lalo Schifrim.

Si quieren saber como termina esta historia pasen por aquí: http://www.thx1138movie.com/

domingo, 22 de noviembre de 2009

Bombita Rodriguez contra los Burocratas Sindicales del Espacio Exterior. La Verdad de la Milanesa.

Todos Ustedes vieron esto, y no me digan que no se sorprendieron cuando lo hicieron...

Ahora, cuando vean esto...

... No vengan a decirme que no es verdaderamente Magistral...

miércoles, 18 de noviembre de 2009

Delia Derbyshare, La Ignota Dra. Who.



Delia Derbyshirenació en Coventry. Se educó en la Barr's Hill School, completando sus estudios graduándose en matemáticas y música en el Girton College, de Cambridge. En 1959 se presento a tomar un empleo en Decca Records donde le dijeron que la compañía no contrataba a mujeres en sus estudios de grabación. Fue así como tomo un puesto en la UN en Ginebra, retornando luego a Londres para desempeñarse en la editorial musical Boosey & Hawkes.
Muchos de sus mas aclamados trabajos fueron realizados durante la década de 1960 en colaboración con el artista británico y dramaturgo Barry Bermange para la BBC's Third Programme, el cual fuera rebautizado como BBC Radio 3.





En 1963, Ron Grainer fue llamado a componer la melodía para el tema de la serie Doctor Who que comenzaría a finales de aquel año. Como miembro del BBC's Radiophonic Workshop, Delia Derbyshire fue quien desarrollo los arreglos escritos por Grainer para la versión que finalmente fue usada para la presentación del show.

Grainer quedo tan asombrado por la interpretación de los arreglos que intentó que se la acredite como co-compositora, pero esto fue rechazado por la burocracia de la B.B.C., que prefirió mantener a los miembros del Taller en el anonimato. En la perfomance del tema de Grainer, Derbyshire usó osciladores electrónicos y edición de cinta magnetofónica (incluyendo loops de cinta y efectos de cinta inversos) para crear un sonido misterioso y sobrenatural que era sumamente diferente a todo lo que se había oído hasta entonces. El tema original de Derbyshire para Doctor Who es uno de los primeros temas musicales de televisión creados y producidos por el medio completamente electrónico.

La mayor parte del tema fue construido por la grabación de sonidos individuales de fuentes electrónicas, uno por uno, en cinta magnética, cortándola con una hoja de afeitar para conseguir registros individuales de diferente duración, y posteriormente pegarlos uno atrás de otro hasta conseguir constituir la melodía. Esto fue un proceso laborioso que tomó semanas llevar a cabo.



Después de realizar el tema de Doctor Who, Derbyshire también compuso y produjo scores, piezas incidentales y temas para cerca de 200 programas de la BBC Radio y la BBC T . Una selección de sus mejores creaciones de música electrónica para la BBC durante los sesentas puede ser encontrada en el álbum BBC Radiophonic Music (BBC Records), el cual fue publicado en CD en el 2002. Muchas de las pequeñas piezas que Derbyshire creo en el Radiophonic Workshop fueron usadas por muchos años como música incidental por la BBC y otras tele radiodifusoras, incluida la ABC (Australian Broadcasting Corporation.

En los tardíos sesentas, vuelve a trabajar con su compañero de la Radiophonic Workshop Brian Hodgson en el set up del Kaleidophon studio en Camden Town con el aporte del músico electrónico David Vorhaus. El estudio generaba material para varios teatros londinenses y, en 1968, los tres lo usaron para producir su primer álbum como banda White Noise. Aunque las grabaciones posteriores fueron esenciales, solo el disco debut de Vorhaus, An Electric Storm hecho en colaboración con Derbyshire y Hodgson es ahora considerado un importante e influyente material en el desarrollo de la música electrónica, prefigurando el sonido de Stereolab o Broadcast por 20 años.
El trío, usando pseudónimos, también contribuyo a la biblioteca de la Standard Music. Muchas de esas grabaciones, incluyendo composiciones de Delia con el nombre de "Li De la Russe", fueron mas tarde usadas en los setentas por ITV para Doctor Who; The Tomorrow People y Timeslip.
ed2k: David Vorhaus - White Noise - An Electric Storm.rar
ed2k: Delia Derbyshire, Dudley Simpson, Brian Hodgson - The Tomorrow People.rar

En 1967, asistió a Guy Woolfenden con su score electronico para la producción de Peter Hall de Macbeth con la Royal Shakespeare Company. El par tambien contribuyó a la música del film de Hall de 1968 Work Is a Four-Letter Word.
Sus otros trabajos durante este periodo incluyen tomar parte en una performance de música electrónica en The Roundhouse, donde tambien se destaco el trabajo de Paul McCartney, el soundtrack para un film de Yoko Ono, el score para un desfile de modas estudiantil auspiciado por el ICI y los sonidos para la pelicula premiada deAnthony Roland con fotografia de Pamela Bone, titulada Circle of Light.


En 1973, ella dejo la BBC para trabajar una breve temporada en el estudio Hodgson's Electrophon, lapso durante el cual contribuyo a la factura del soundtrack para el film The Legend of Hell House, para por fin, interrumpir la composición musical. Tuvo entonces una serie de trabajos como operadora de radio, en una galería de arte y en una librería.

Retorno a la actividad musical a finales de los noventas, habiendose interesado por las propuestas del músico electrónico Peter Kember para volver a producir. Estaba trabajando en un álbum cuando murió a los 64 años.





Fuente: http://en.wikipedia.org/

miércoles, 4 de noviembre de 2009

Lem por Niremburg. Solaris (1968) La version de la television sovietica.



Mucho antes de Sodenbergh, antes incluso que Tarkovsky, en el año 1968, un director soviético llamado Boris Nirenburg rodó Solaris; una producción en blanco y negro para la televisión rusa en dos actos, de la cual no se supo absolutamente nada fuera de las fronteras del país durante más de treinta años debido a la implantación de aquella barrera política, social y cultural que fue conocida como Cortina de Hierro. Los actores parecen recitar el propio texto original de Lem en lugar de un guión adaptado, y parece ser que la fidelidad del film es bastante superior a las de las siguientes realizaciones. Sobra decir que la de Tarkovsky es la de mayor calidad cinematografica de todas, y eso esta fuera de toda discusion.


ed2k:Solaris_1968_T.V.Rip.V.O.Acto1
ed2k:Solaris_1968_T.V.Rip.V.O.Acto2

Por nuestra parte recomendamos la lectura del articulo "Leyendo… ‘Solaris’ (1961), de Stanislaw Lem.", donde se tratan los vinculos entre la novela y sus versiones audiovisuales. Y ya que estamos, porque no tambien "Viendo… ‘Solaris’ (‘Solyaris’; 1972), de Andrei Tarkovsky." del mismo autor.

jueves, 29 de octubre de 2009

Giorgio Ligeti: Sublime.

Ligeti nació en Dicsőszentmárton (en rumano Diciosânmartin, ahora Târnăveni), en la región de Transilvania (Rumania). Dicsőszentmárton por entonces era un pueblo húngaro. Ligeti contó que su primer contacto con el idioma rumano fue un día en que escuchó una conversación entre policías que hablaban dicho idioma, una experiencia incomprensible para el joven.

Ligeti recibió su primera educación musical en Cluj/Kolozsvár, una gran ciudad en el centro de Transilvania. Su educación se interrumpió en 1943 cuando, fue forzado a trabajar para los nazis. Sus padres, su hermano y otros parientes fueron deportados al campo de concentración de Auschwitz; su padre murió en 1945 en el de Bergen-Belsen, su hermano el mismo año en el de Mauthausen. Su madre fue la única sobreviviente. Probablemente él habría seguido el mismo destino de no haber sido reclutado para trabajos de logística para la armada húngara en enero de 1944.

Terminada la Segunda Guerra Mundial, Ligeti regresó a estudiar a Budapest, graduándose en 1949. Estudió con Pál Kadosa, Ferenc Farkas, Zoltán Kodály y en la academia Liszt de Budapest con Sándor Veress (quien había sucedido a Bela Bártok en la cátedra de composición). Fue a realizar un trabajo etnomusicológico sobre la música folclórica rumana, pero después de un año regresó a su antigua escuela en Budapest, y fue nombrado profesor de armonía, contrapunto y análisis musical. En aquel tiempo, las comunicaciones entre Hungría y Occidente estaban cortadas por el entonces gobierno comunista, y Ligeti tuvo que escuchar en secreto las difusiones radiofónicas para estar al tanto de los progresos musicales en Occidente. En diciembre de 1956, dos meses después de que el Renacimiento Húngaro fuese aplastado por el ejército soviético, viajó a Viena y finalmente tomó la ciudadanía austriaca.

Entonces se puso en contacto con varias de las figuras clave de la vanguardia que no eran conocidas en la aislada Hungría de su tiempo. Entre ellas estaban los compositores Karlheinz Stockhausen y Gottfried Michael Koenig, ambos entonces trabajando en la avanzada música electrónica. Ligeti trabajó en ella en el mismo estudio que había en Colonia, y se inspiró con los sonidos que creaba allí. Sin embargo, produjo poca música electrónica propia, concentrándose más en obras instrumentales que pudieran contener aquellas texturas de sonoridad electrónica.



Desde ese tiempo, la obra de Ligeti empezó a ser más conocida y respetada; se considera que sus mejores obras fueron compuestas en el período entre Apparitions (1958-1959) hasta Lontano (1967), si bien su ópera posterior, Le Grand Macabre (1978) es también muy conocida. En años más recientes, sus tres libros de estudios para piano han adquirido una gran difusión gracias a las grabaciones hechas por Pierre-Laurent Aimard,Volker Banfield, Fredrik Ullén y otros.

En 1968, algunas obras suyas fueron empleadas —sin su autorización— como parte de la banda sonora de la película futurista 2001: Una odisea del espacio de Stanley Kubrick. Las obras incluidas fueron partes del Réquiem, Lux aeterna y Atmosphères. Ligeti entonces entabló una demanda legal contra ellos, exigiendo daños por el monto de 1 dólar, estableciendo que el asunto en juego no era el dinero, sino el no haber solicitado adecuadamente el permiso. Singularmente, con el éxito extraordinario que obtuvo la película, la música y el nombre de Ligeti se hizo también muy famoso en el mundo entero.



Kubrick volvió a usar música de Ligeti, en El resplandor (1980, la obra Lontano) y en su obra póstuma Eyes Wide Shut (1999, la 2da. pieza de Musica ricercata).







También su música fue usada en la película Fuego contra fuego (1995) de Michael Mann, la secuela de 2001 (con guión de Arthur C. Clarke), 2010 de Peter Hyams y en la cita paródica de 2001 en Charlie y la fábrica de chocolate (2005) de Tim Burton.


Fuente:http://www.es.wikipedia.org/

¿Quienes eran Louis y Bebe Barron...?


Los años mozos.

Desde un principio, Louis se dedicaba a armar y desarmar circuitos electronicos de la epoca. Mientras tanto estudiaba musica en la Universidad de Chicago.
Por su parte, Bebe, quien habia nacido en Charlotte, Minneapolis, estudiaba musica con Wallingford Riegger y Henry Cowell.

La pareja se caso en 1947 Y se fue a vivir a la ciudad de New York. Por ese entonces, el sobrino de Louis, quien era un ejecutivo de la Minnesota Mining and Manufacturing Company, les obsequio a los recion casados una grabadora de cinta abierta como regalo de bodas. La flamante pareja no tuvo mejor idea para aprovechar su nueva adquisicion, que comenzar a explorar las posibilidades de la musica concreta.

Tal es asi, que la primera musica electronica hecha en los estados unidos termino siendo compuesta por Louis y Bebe en 1950 y titulada "Heavenly Menagerie". Por entonces composicion y produccion de musica electronica eran lo mismo, una tarea sumamente lenta y que exigia un arduo trabajo. La cinta debia ser fisicamente cortada y empalmada para obtener la edicion del sonido en la factura de la composicion.

El metodo.

El libro de 1948 "Cybernetics: Or, Control and Communication in the Animal and the Machine", de Norbert Wiener, un matemamatico del M.I.T., jugo un importante papel en la aproximacion que hicieron los Barrons a la composicion. La ciencia de la cibernetica proponia que ciertas leyes del comportamiento eran aplicables tanto a animales como a maquinas electronicas complejas.

Siguiendo las ecuaciones presentadas en el libro, Louis fue capaz de construir circuitos electronicos que podian ser manipulados para generar sonidos. La mayoria de las tonalidades podian ser emuladas por un circuito llamado "ring modulator". Los sonidos y "patterns" que provenian de los circuitos eran unicos e impredecibles porque en realidad eran la sobrecarga de los los mismos hasta saturarse los que producian la señal.

Los Barron nunca pudieron repetir los mismos registros, aunque ellos más tarde trataran con mucho esmero de recrear su impronta sonora. A causa de la imprevista vida útil del trazado de los circuitos, los Barron hicieron un hábito de la grabación de todo.

La mayoria de su obra nunca pudo ser transcripta de ninguna manera. Los Barron no consideraban el proceso de composicion musical como lo habia sido hecho hasta entonces. No proponian los circuitos como generadores de notas, sino como actores. En la composicion de las futuras bandas de sonido, cada circuito seria manipulado de acuerdo a las acciones caracterizadas en lo que hoy podriamos llamar el intertexto del film.

Despues de grabar los muestras, la pareja procesaba el material agregando efectos, tales como reverb y tape delay, y tambien invertian y modificaban la velocidad de algunos de ellos. La mezcla de los multiples sonidos era ejecutada por al menos tres grabadoras. La señal de salida de dos de las maquinas podian ser manualmente sincronizadas, y encaminadas hacia la tercera, grabando dos fuentes separadas simultaneamente. La sincronización de futuros trabajos para películas fue logrado gracias a la sincronizacion de dos proyectores de 16 mm, a un grabador de cinta de 16 mm, para que asi corriesen a la misma velocidad.

Mientras Louis usaba la mayoria de su tiempo armando los circuitos, Bebe era quien componia. Ella tuvo que revisar muchas horas de cinta, y lo describio asi, "it just sounded like dirty noise". Durante el proceso desarrolló la capacidad de determinar cuales sonidos podrian convertirse en algo interesante. Se le atribuye tambien la invencion del "tape loop", que les dio la posibilidad a los Barron de crear secuencias ritmicas.

El estudio de grabación.

En cuanto se instalaron en New York, Los Barron abrieron un estudio de grabación (9 West, 8th Street) en el Greenwich Village para satisfacción de la escena de vanguardia. Se le atribuye haber sido el primer estudio de música electrónica en America. Usaron su equipo para registrar a todo y a todos: Grabaron a Henry Miller, Tennessee Williams, y Aldous Huxley leyendo sus obras en la forma de tempranos audio books. En junio de 1949, Anaïs Nin grabo una versión completa de "House of Incest" y otras cuatro historias de "Under a Glass Bell". Estas grabaciones fueron impresas en discos de vinilo rojos y publicados en la serie Sound Portraits del sello Contemporary Classics.

En un principio, los Barron tuvieron el monopolio de los equipos de grabación de cinta. El único competidor que tuvieron por entonces fueron los estudios de Raymond Scott y Eric Siday. El contacto que tenia el sobrino de Louis con 3M fue vital en la obtención de las primeras remesas de cinta magnetofónica. Debido a la escasa competencia en el mercado, y para sorpresa de los propietarios, el negocio de grabación era un éxito.

Aparte de los magnetófonos, la mayor parte del equipo en el estudio fue completamente construida por Louis. Una de la piezas caseras incluyó un altavoz monstruoso que podía producir frecuencias graves muy pesadas. Osciladores que producían ondas de dientes de sierra, sinusoides, y cuadradas, tenían también la exclusividad de haber sido hechos en casa. Además contaban con un filtro, un "Spring reverberator", y toda una variedad de grabadoras de cinta abierta. La prosperidad del emprendimiento les permitió adquirir equipamiento de alta gama.
El reel to reel era un encargo diseñado por el inventor a Stancil-Hoffmann para el armado de loops y el cambio de la velocidad de las muestras.

La música de los Barron era un suceso en la escena del avant-garde. Durante 1952-53 El estudio fue usado por John Cage para su primer trabajo de cinta "Williams Mix". Los Barron fueron contratados por Cage para ser sus ingenieros. Ellos grabaron más de 600 diferentes sonidos, y bajo la dirección de Cage se ocuparon de empalmar juntos la cinta. La pieza "Four and a half minute" les llevo mas de un año terminarla. John Cage también trabajó en el estudio Barron sobre su Música para Cinta Magnética con otros compositores notables, como Morton Feldman, Earle Brown, y David Tudor. Fue Cage quien primero animó al matrimonio a considerar sus creaciones "música".

Film works

Los Barron pronto aprendieron que la escena del avant-garde no proporcionaba muchas recompensas financieras. Entonces se orientaron hacia Hollywood, donde habían estado usando instrumentos electrónicos como el theremin en las bandas de sonido durante años.

A principios de los 50s, colaboraron con varios reconocidos realizadores de cine a los Hicieron los arreglos para tres cortos experimentales de Ian Hugo basados en los escritos de su esposa Anaïs Nin. Las más notables de estas películas eran “Bells of Atlantis” (1952) y “Jazz of Lights” (1954). También asistieron a Maya Deren en la producción de audio de la banda de sonido para “The Very Eye of Night” (1959), que presentaba la música de Teiji Ito. “Bridges-Go-Round” (1958) de Shirley Clarke exhibio dos bandas de sonido alternativas, una por los Barron y otra por el músico de jazz Teo Macero. Las dos versiones de la película de cuatro minutos mostraron exactamente la misma secuencia de imágenes de puentes de la Ciudad de Nueva York. La exposición comparativa de ambas mostró como bandas sonoras diferentes afectaron de manera diferente la percepción de los espectadores del film.

En 1956 compusieron la primera parte musical electrónica para una película estrictamente comercial – Forbidden Planet, producida por la Metro-Goldwyn-Mayer.
La banda de sonido de Forbidden Planet (1956) es hoy reconocida como el primer set electrónico enteramente compuesto para una película. Misteriosa y siniestra, la banda de sonido era totalmente diferente de cualquier otra que el público hubiese escuchado jamás. Los historiadores de música a menudo señalan como la innovadora banda sonora marcaba un hito en el porvenir de la música electrónica.


En los comentarios del álbum con la banda de sonido de Forbidden Planet, Louis y Bebe explican: “Diseñamos y construimos circuitos electrónicos los cuales funcionan electrónicamente de una manera notablemente similar al modo que formas de vida inferiores funcionan psicológicamente. [. . .]. Durante los arreglos de Forbidden Planet – como en todo nuestro trabajo – creamos circuitos cibernéticos individuales para temas particulares y leit motifs, antes que usar generadores standard de sonido. En realidad, cada circuito tiene un patrón de actividad característico a la manera de una "voz". [. . .]. Estábamos encantados al oír a la gente decirnos que las tonalidades de Forbidden Planet les rememoraban el sonido de sus sueños…”

Los productores de la película en un principio habían querido contratar a Harry Partch para ocuparse de la partitura. Inicialmente los Barron fueron llamados solo para hacer alrededor de veinte minutos de efectos sonoros. Cuando los productores escucharon la muestra para el arreglo inicial, se les asigno una hora con diez minutos del resto del film. El estudio pretendió trasladar a la pareja a Hollywood donde la mayoría de los arreglos del film eran producidos en ese tiempo. Pero la pareja no se movería, llevándose el trabajo a su estudio de Nueva York.
La música y los efectos sonoros enloquecieron a la audiencia. Durante el preestreno de la película cuando los sonidos de la nave espacial aterrizaba en Altair IV resonaron en la sala, la audiencia rompió en un aplauso espontáneo.


Mas tarde, los Barron le entregaron su impactante creación auditiva a GNP Crescendo records para su distribucion. GNP habia demostrado tener experiencia en producción y marketing de bandas de sonido para peliculas de ciencia ficcion y el productor ejecutivo Neil Norman habia proclamado la película (y la banda de sonido) sus favoritas.

ed2k:Louis & Bebe Barron_Forbidden_Planet_Original_MGM_Soundtrack

Pero no todos estaban felices con el suceso. Louis y Bebe no pertenecían al Sindicato de Músicos (Musician's Union). Los creditos de pantalla originales, que como era de suponerse, decian "Electronic Music by Louis and Bebe Barron", fueron cambiados a ultimo momento por una ley contractual con la American Federation of Musicians. En virtud del convenio la palabra musica debio ser quitada. Los Barron fueron acreditados con "Electronic Tonalities". Por no estar sindicalizados a la union, el film no fue considerado para un Oscar a las categorias de banda de sonido, o efectos especiales.

Trabajos más recientes

El “Impacto Real” de la contribución de los Barron sólo puede ser comprendido cuando uno entiende que ellos aún no sabían como llamar a sus creaciones. Fue John Cage, trabajando con los Barron en su estudio en su primeros trabajos electrónicos, quien los convenció de que era "música".

El sindicato de músicos forzó a la MGM a titular la banda musical de Forbidden Planet como "tonalidades electrónicas", no "música". Viéndolo como un mal indicio, lo utilizaron como excusa para negarles membresía en los '50; la principal preocupación del sindicato se centró en la perdida de trabajos por parte de los intérpretes y no el medio mismo. Como resultado, los Barron nunca obtuvieron otro contrato en Hollywood. Con el pasar de los años los Barron no le siguieron el paso a la tecnología, y se contentaron con hacer su música de la manera que lo habían hecho siempre.

Curiosamente, la tecnología digital moderna se esfuerza por imitar hoy los ricos sonidos de esos viejos circuitos análogicos. El último trabajo de Bebe, "Mixed Emotions" (2000), que incluye material crudo adquirido en el Estudio de la Universidad de California Santa Barbara, suena admirablemente parecido a la clásica "marca" del material de los Barron.

En 1962, los Barron se transladaron a Los Angeles y aunque se divorciaron en 1970, continuaron componiendo juntos hasta la muerte de Louis en 1989.

Bebe Barron fue la primera secretaria de la "Society for Electro-Acoustic Music in the United States" desde 1985 hasta 1987.

En el 2000 fue invitada por la Universidad de California Santa Barbara para crear una nueva obra usando lo último en tecnología de generación de sonido. Desde octubre hasta principios de noviembre del 2000 Bebe realizó toda la composición de dicha obra en el estudio de Jane Brockman en Santa Mónica, siendo Brockman la ingeniera de grabación. Los sonidos allí generados fueron entonces importados a Digital Performer en la Mac y organizados para crear el trabajo final de Bebe, "Mixed Emotions"



Bebe Barron volvió a casarse en 1975, Louis murió en 1989 y Bebe murió el 20 de abril del 2008.

Fuente: http://www.en.wikipedia.org/

martes, 27 de octubre de 2009

El Theremin en la epoca de oro de la Ciencia Ficcion

El extraño sonido del theremin hizo que se utilizase en las bandas sonoras y para crear ambientación en las películas de ciencia ficción y terror en los años 50. Al pensar en theremin + extraterrestres, nos viene enseguida a la cabeza "The Day the Earth Stood Still" (Ultimátum a la tierra) como primera película del genero con theremin. Pero no es así: antes tenemos dos grandes clásicos: "Rocketship X-M" (Kurt Neumann 1950) y la famosa "The Thing from Another World" (Christian Nyby 1951).

En la historia de "Rocketship X-M" (Kurt Neumann 1950) nos encontramos con unos astronautas de viaje a la luna. Un meteorito interfiere la ruta de la nave y esto hace que, sorprendentemente, acaben en Marte… Aprovechando el desvío, la tripulación decide descender en el planeta rojo; pero terminarán por descubrir los restos de una civilización muy avanzada, que ha sido devastada por una guerra nuclear y cuyos únicos sobrevivientes han regresado a la edad de piedra.



Anticipándose algunas semanas al estreno de Con destino a la Luna, "Rocketship X-M" inicia la edad de oro de la ciencia-ficción en el cine. Y mientras que los creadores de Con destino a la Luna se conformaron con simplemente contar la historia de un vuelo pionero al espacio, Karl Neumann (Kronos, She Devil, The Fly) y su equipo fueron más ambiciosos e incluyeron el contacto con extraterrestres, un mensaje antimilitar e incluso, la mano de Dios en el guión; así como un final muy poco común para una película de ciencia-ficción de los años 50.
En la banda sonora, del conocido compositor clásico Ferde Grofé (EEUU, 1892-1972), tenemos un solo de theremin que sirve para ambientar los paisajes Marcianos. Seguramente sea una improvisación creada por Samuel Hoffman. Esta película sirvió para presentar el theremin a los seres de otros mundos.

En la otra fascinante producción, "The Thing from Another World", ya aparece el theremin integrado con la orquesta, pero no de la forma a la que estamos habituados, sino como un sutil color más entre los otros instrumentos y casi difícil de detectar.
Hay muchas premisas de The Thing From Another World que son piedras basales y que terminarán por transformarse en rutinas del género. El proceso de investigación y descubrimiento del objeto; el héroe militar con interés amoroso; la lucha intestina entre científicos y militares sobre qué hacer con la creatura. Desde ese punto de vista es un film militarista - el género alternaría esas roles con frecuencia, en donde militares o científicos predominan con su punto de vista mientras que el rol antagónico es visto como demente -. Pero al menos el Dr. Carrington no está expuesto como una caricatura (si bien es por momentos demasiado amanerado), sino que posee amplios razonamientos que permiten justificar sus acciones - preservar al alien a riesgo de la vida de los integrantes de la base.






Unos meses después se estrenaría "The Day the Earth Stood Still" (Robert Wise 1951). En el contexto de la Guerra Fría, Hollywood se impuso la tarea de alertar al ciudadano medio de los peligros del comunismo, lo que cinematográficamente se tradujo en la producción de docenas de thrillers y melodramas poblados de espías soviéticos o de traidores norteamericanos, y de un no menor número de películas en las que la amenaza roja llegaba a la tierra en forma de marcianos, selenitas o cualquier otro habitante del sistema solar dotado de la suficiente capacidad tecnológica y militar como para acabar con el estilo de vida norteamericano. En medio de esta tendencia ideológica surgió The Day the Earth Stood Still, producción con la que Robert Wise contaría con la tendencia de la época para emitir un discurso pacifista al que beneficia una narración impecable. , y en este caso con una banda sonora compuesta por el maestro Bernard Herrmann (EEUU, 1911-1975), digna de tocarse en las mejores salas de concierto. Consiste en una suite de temas donde el theremin se luce continuamente. Tiene partes tanto como solista como integrado en la orquesta e incluso dúos de theremin. Escenas como la aparición del robot Gort, con el fondo de theremin, son momentos míticos dentro de la historia del cine.








ed2k:Bernard Herrmann - The Day The Earth Stood Still - Soundtrack

Dos años después se estrenó el otro icono de la fórmula “theremin + extraterrestres”: "It Came from Outer Space" (Jack Arnold 1953), con guión basado en "The meteor", una historia de Ray Bradbury. Una pareja, él astrónomo aficionado, ella maestra, ve en la noche desértica de Arizona caer un objeto. Creen que es un meteorito, pero en realidad es una nave espacial que queda enterrada por un desprendimiento de tierras. Sin embargo, los extraterrestres pronto comenzarán a hacer objeto de presencia en los terrenos circundantes... Esta magnífica película se ve, por lo demás, apoyada por los típicos actores de serie B que se harían característicos en la temática, como un consistente Richard Carlson o una bellísima Barbara Rush. El resultado es un clásico del género, que con los años y los sucesivos visionados mejora, hace patente su condición de joya de aire semi-surrealista implantada en un tratamiento documentalista, con una fotografía en blanco y negro espléndida y con una sugestiva imaginería alienígena con la figura del hexágono como leit motiv principal. La película tiene una inquietante banda sonora donde el theremin hace sonar, a lo largo de todo el metraje, una melodía de... ¡4 notas!, eso sí, muy bien colocadas y aprovechadas con sumo gusto. Entre los numerosos compositores que intervienen en la banda sonora, se considera que las partes de theremin pertenecen a Henry Mancini (USA, 1924-1994).

Realmente, esta fue la primera banda sonora de theremin con el típico sonido "ululante" y melodía disonante y fantasmal que siempre hemos relacionado con alienígenas y demás monstruos.

Curiosamente, en estas dos películas los malos no eran los extraterrestres sino los humanos. Este dato trastoca el concepto de las "invasiones" alienígenas con fondo de theremin.


Pues aunque parezca increíble, aquí se acaba la aportación del theremin al mundo de los extraterrestres, no hay más producciones de ese tipo filmadas en esa época. Sólo nos queda por nombrar la película del espacio (sin marcianos) "Project Moon base" (Richard Talmadge 1953), ambientada en un futuro no muy lejano, en 1970. En este caso, el theremin ya lo tenemos directamente en los títulos iniciales (e incluso antes de la primera imagen) en un bonito tema compuesto por Herschel Burke Gilbert (USA 1918-2003) que, curiosamente, ya empieza a recordar las epopeyas galácticas de los años 70/80.



Aunque otros instrumentos han entrado en competencia directa con él, el theremin sigue empleándose en la música de cine. Hemos podido escucharlo, además de en "Ed Wood" (Tim Burton, 1994), en "eXistenZ" (David Cronenberg,1999), también gracias a Howard Shore, o en "Mars Attacks!" (Tim Burton, 1996), de Danny Elfman (de nuevo un guiño a las películas clásicas de ciencia ficción).












Fuentes:

http://www.thereminhispano.com/
http://www.portal-cifi.com/
http://www.sssm.com.ar/arlequin/
http://fullxmovies.blogspot.com/
http://www.pasadizo.com/
http://www.bsospirit.com/
http://escuchaescucha.blogspot.com/

viernes, 23 de octubre de 2009

“Spellbound”: Alfred Hitchcock, Salvador Dalí, Miklos Rozsa, Samuel J. Hoffman, y el Theremin.



“Spellbound” (1945), es un thriller psicológico del director Alfred Hitchcock, basado en la novela de Francis Beeding, “The House of Dr. Edwardes” (1927). La cinta está protagonizada por Ingrid Bergman, Gregory Peck, Michael Chekhov y Leo G. Carroll.

Tras haber terminado las filmaciones de “Lifeboat” (1943), Alfred Hitchcock volcó su atención a su próximo proyecto. Consciente del deseo de David O. Selznick de realizar un film que hablara de las posibilidades curativas de la psicoterapia, Hitchcock había estado buscando una novela que sirviera para cumplir este objetivo, y cuyos derechos pudiera adquirir sin complicaciones. La idea del director era evitar los tópicos que pudieran resultar controversiales, y por una vez ganarle a Selznick en su propio juego, adquiriendo la opción cinematográfica de una novela adaptable, para luego revenderle los derechos al productor. La novela escogida por el director sería, “The House of Dr. Edwardes”, la cual había sido escrita por John Leslie Palmer y Hilary Aidan St. George Saunders, bajo el seudónimo de Francis Beeding, y cuyo contenido era un sorprendente relato de brujería, cultos satánicos, psicopatología, asesinato y confusión de identidades, ambientado en un asilo suizo.

Selznick se mostró bastante receptivo a la idea de Hitchcock, principalmente por el hecho de que en aquel entonces se encontraba consultando a un psicoterapeuta. Aunque el productor no se comprometió del todo con el proyecto, si se mostró sumamente interesado en que la historia se enfocara en el psicoanálisis. Finalmente, Selznick decidió comprarle los derechos a Hitchcock, quién dicho sea de paso, se encontraba en Londres, y le encargó la producción de la cinta al guionista Ben Hecht. Poco tiempo después, Hitchcock y Hecht comenzarían a trabajar en la confección del guión, para lo cual visitaron el Asilo de Hartford en Connecticut, la cual sería su primera parada en su recorrido por diversos hospitales mentales, antes de parar en los pabellones psiquiátricos del Hospital Bellevue ubicado en Nueva York. La colaboración entre el director y el guionista resultó ser bastante fructífera, especialmente por el hecho de la fascinación que ambos hombres poseían por los rincones más oscuros de la mente humana. Mientras que Hecht se preocupaba de ir hilvanando una trama coherente, Hitchcock aportaba con los giros argumentales que se apoyaban en aquellos hechos cotidianos que podían convertirse en pequeños traumas.

El guión terminado, contenía una buena parte de las pesadillas y traumas del director. Existe un sensación de latente culpabilidad que cruza toda la cinta, junto con una sensación de legado de las neurosis familiares, lo que no es más que una huella de ciertos recuerdos infantiles que de adulto permanencen escondidos bajo una avalancha de temerosa represión.

Las dos historias de culpabilidad que aparecen en el film, exhiben en cierta medida los propios sentimientos del director: primero está el hombre que cree que fue el responsable de la muerte de su padre; el personaje interpretado por Gregory Peck por su parte, también esconde un sentimiento de culpabilidad que será revelado en el último tramo de la historia. Es la explicación que da el personaje de Bergman, “La gente se cree a menudo culpable de algo que nunca hizo".
Pese a todo esto, la escena clave en lo que al psicoanálisis se refiere, sería la famosa secuencia del sueño del personaje de Peck. Hitchcock y Hecht se las arreglaron para convencer a Selznick que contratara a Salvador Dalí para que realizara una serie de pinturas cuyas imágenes serían utilizadas para retratar el aproblemado inconsciente del protagonista.

Aunque Selznick pensó que Hitchcock le pedía esto para obtener algo de publicidad extra, la verdad es que el director quería presentar secuencias oníricas que resultaran vívidas, lo que iba a resultar más fácil gracias a la gran ejecución gráfica del pintor. Pero las extrañas ideas surrealistas de Dalí, algunas de las cuales derivaban de “Un chien andalou” (1929) y “La Edad de Oro” (1930), los films que había diseñado en Paris con Luis Buñuel, llegaron a extremos desmesurados, e incluso Hitchcock tuvo que reconocer que Selznick tenía razón: la secuencia del sueño tal y como fue diseñada y filmada en un principio resultaba demasiado larga e incomprensible (la secuencia originalmente duraba 20 minutos y quedó reducida a no más de dos minutos). Dicha secuencia fue dirigida por William Cameron Menzies, ya que Hitchcock se encontraba en Londres en ese momento, pero su nombre no aparece en los créditos.


El film de Hitchcock también fue pionero en el uso que hizo el músico Miklos Rozsa del particular sonido del Theremin, abuelito de los instrumentos electrónicos, el cual luego sería ligado a todo tipo de desórdenes psicológicos y mucho más tarde, pasaría a formar parte de las clásicas bandas sonoras de las cintas de ciencia ficción.. Su particular ulular se transformó en el perfecto equivalente sonoro de la sensación de extrañamiento e inestabilidad psíquica.

Para interpretar el theremin en este proyecto se intentó contratar a la famosa thereminista Clara Rockmore. Ella se negó, seguramente por ignorancia o prejuicios contra el cine de Hollywood (o tal vez porque no tenía ninguna necesidad económica), ya que no se entiende como despreció tocar para el maestro de maestros, el compositor Miklos Rosza (1907-1995), en una magnífica partitura que luego fue ganadora del Oscar a la mejor banda sonora y que aun hoy se interpreta en directo como obra independiente de la película.
Después de buscar otros thereministas, la productora se decantó por el Dr. Samuel J. Hoffman (1904-1968). Por suerte, él se adaptaba a cualquier tipo de proyecto y esto le dio una fructífera carrera como thereminista. Tocó en casi todas las producciones donde sonaba un theremin en esa época, a destacar películas como The lost weekend(Billy Wilder 1945), The Spiral Staircase (Robert Siodmak 1946) o The Red House (Delmer Daves 1947). Dos de ellas con música nuevamente de Miklos Rosza.

La película obtuvo seis nominaciones al Oscar, entre las que se encuentran la de mejor actor secundario (Michael Chejov), mejor fotografía (George Barnes), y mejor director, de las cuales ganó uno a la mejor banda sonora, obra de Miklós Rózsa.

ed2k:Spellbound - Complete Score - Miklos Rozsa
ed2k:Spellbound 1945 Dvdrip Xvid Ac3

Fuentes:
http://www.fantomas-cinemascope.blogspot.com/
http://www.malba.org.ar
http://www.thereminhispano.com/