Partch nació en Oakland (California), en 1901. Pasó su infancia en poblaciones pequeñas y remotas de Arizona y Nuevo México y creció escuchando canciones en chino mandarín, español y en las lenguas indias de esas regiones. Aprendió a tocar el clarinete, el armonio, la viola, el piano y la guitarra. Comenzó a componer a edad muy temprana utilizando la escala cromática habitual en la música occidental, aunque posteriormente quemó todas sus obras de esta época al sentirse muy insatisfecho con los sonidos que obtenía con ella, que no se adecuaban a sus necesidades expresivas ni a sus ideas musicales. Partch llegó a la conclusión de que necesitaba nuevos instrumentos (que inventó y construyó él mismo) e intérpretes adecuados para ellos. Su primer instrumento fue el monófono (más tarde conocido como «viola adaptada»). Viajó a Europa con una beca para estudiar música y conocer al poeta William Yeats, al que pidió permiso para escribir una ópera basada en su traducción al inglés del Edipo Rey de Sófocles. Partch tocaba el monófono mientras Yeats recitaba By the Rivers of Babylon («Por los ríos de Babilonia»); después, transcribió con exactitud las inflexiones de los actores del Abbey Theatre mientras recitaban Edipo. Yeats le dio su permiso para la adaptación entusiasmado: Una obra escrita de esta manera, con este instrumento maravilloso y con esta clase de música, será realmente sensacional. Partch comenzó a construir instrumentos para su ópera, pero se agotó el dinero de su beca y debió regresar a Estados Unidos en plena crisis de la Gran Depresión económica. Su situación fue tan precaria que llegó a vivir como un vagabundo en los trenes (forma de vida que en inglés se conoce como freighthopping). También trabajó en cualquier empleo que le ofrecieran. Vivió de esta manera durante diez años, escribiendo sus experiencias en un diario íntimo que tituló Bitter Music («Música amarga»). Frecuentemente llevaba al pentagrama las alturas e inflexiones particulares del habla de las personas que iba encontrándose. Esta técnica compositiva (que ya había sido utilizada siglos antes por la Camerata Florentina y por autores como Berlioz, Mussorgsky, Debussy, Schoenberg o Leoš Janáček y que posteriormente a Partch empleará también Steve Reich) se convertirá en la forma más habitual de composición de Harry Partch de las partes vocales de sus obras.
En 1941, compuso Barstow, una obra que tomaba como texto distintos grafittis que había visto pintados en los guardrail de una autopista en Barstow (California). De esta obra, originalmente concebida para voz y guitarra, Partch hizo distintas versiones a lo largo de su vida, según crecía su colección de instrumentos.En 1943, tras recibir una beca de la Guggenheim Foundation, pudo dedicar más tiempo a la composición y recuperó su proyecto de ópera sobre Edipo. Sin embargo, los herederos de Yeats le negaron el permiso para utilizar la traducción del poeta (fallecido en 1939) y tuvo que traducirlo él mismo (actualmente se puede interpretar la música de Partch con el texto de Yeats, cuyos derechos han prescrito y ha pasado a ser de dominio público).Pasó una temporada en Ithaca (Nueva York), donde comenzó su obra US Highball, una evocación musical de sus tiempos de vida en los ferrocarriles durante el tiempo de la Gran Depresión." st="on">la Gran Depresión.Desde 1923, había estado trabajando en un libro que finalmente se publicó en 1949 con el título de Genesis of a Music («Génesis de una música»). Es una reflexión sobre su propia música, con artículos sobre teoría musical y diseño de instrumentos. Se considera este libro como un texto fundamental sobre la teoría musical de microtonalismo. En él expone su concepto de corporeality («corporeidad»): la fusión de todas las formas artísticas en un único cuerpo.Mas cerca en el tiempo escribió la «danza satírica» The Bewitched, y Revelation in the Courthouse Park («Revelación en el jardín de la Audiencia»), obra basada en gran parte en Las Bacantes de Eurípides.
En una entrevista le preguntan sobre la escena a Campanella:
¿Cómo logró usted esa impresionante toma aérea que culmina con una persecución en primer plano, mezcla de humanos y digitales? ¿Y puede durar como seis minutos, sin que se note ningún corte? - Avance cuadro a cuadro y no verá ninguno. Ya muchos sitios de software de efectos visuales nos están pidiendo esa toma, pero ahora no voy a develar nada. Forma parte de la diversión el que todos se intriguen queriendo saber “cómo lo hizo”. Sólo diré que nos llevó dos años de preparación, tres días de rodaje con actores y 200 extras, y nueve meses de postproducción, empleando en parte el programa Massive que usó Peter Jackson para El señor de los anillos. Los de la productora “100 bares” somos los únicos en Latinoamérica que podemos y sabemos usar ese programa. Agradezcamos a nuestro supervisor de efectos visuales Rodrigo Tomasso, un entrerriano que dicta cursos en Norteamérica, y esperemos que no se lo lleven.
Electronic Labyrinth THX 1138 4EB es un cortometraje en 16 mm dirigido por George Lucas en el año 1967, cuando aun era estudiante de cine en la University of Southern California (USC). El programa de la proyección en la USC resumió la película como "La pesadilla de un hombre que intenta escapar de un mundo automatizado que constantemente sigue sus movimientos".
El corto, con música de los Yardbirds , y una duración de 15 minutos y 10 segundos, le valió el primer premio del Festival Nacional de Estudiantes de Cine 1967-68, y la Warner Brothers le otorgo una beca para participar del rodaje de El valle del arco iris, donde conoce a Francis Ford Coppola, con quien casi inmediatamente, fundaría la productora American Zoetrope.
Este trabajo lo desarrollaría luego, a través de su primer largo: THX 1138 en 1970, esta vez con Robert Duvall, Donald Pleasence,. y Maggie McOmie en los papeles protagónicos, y música original de Lalo Schifrim.
Delia Derbyshirenació en Coventry. Se educó en la Barr's Hill School, completando sus estudios graduándose en matemáticas y música en el Girton College, de Cambridge. En 1959 se presento a tomar un empleo en Decca Records donde le dijeron que la compañía no contrataba a mujeres en sus estudios de grabación. Fue así como tomo un puesto en la UN en Ginebra, retornando luego a Londres para desempeñarse en la editorial musical Boosey & Hawkes. Muchos de sus mas aclamados trabajos fueron realizados durante la década de 1960 en colaboración con el artista británico y dramaturgo Barry Bermange para la BBC's Third Programme, el cual fuera rebautizado como BBC Radio 3.
En 1963, Ron Grainer fue llamado a componer la melodía para el tema de la serie Doctor Who que comenzaría a finales de aquel año. Como miembro del BBC's Radiophonic Workshop, Delia Derbyshire fue quien desarrollo los arreglos escritos por Grainer para la versión que finalmente fue usada para la presentación del show.
Grainer quedo tan asombrado por la interpretación de los arreglos que intentó que se la acredite como co-compositora, pero esto fue rechazado por la burocracia de la B.B.C., que prefirió mantener a los miembros del Taller en el anonimato. En la perfomance del tema de Grainer, Derbyshire usó osciladores electrónicos y edición de cinta magnetofónica (incluyendo loops de cinta y efectos de cinta inversos) para crear un sonido misterioso y sobrenatural que era sumamente diferente a todo lo que se había oído hasta entonces. El tema original de Derbyshire para Doctor Who es uno de los primeros temas musicales de televisión creados y producidos por el medio completamente electrónico.
La mayor parte del tema fue construido por la grabación de sonidos individuales de fuentes electrónicas, uno por uno, en cinta magnética, cortándola con una hoja de afeitar para conseguir registros individuales de diferente duración, y posteriormente pegarlos uno atrás de otro hasta conseguir constituir la melodía. Esto fue un proceso laborioso que tomó semanas llevar a cabo.
Después de realizar el tema de Doctor Who, Derbyshire también compuso y produjo scores, piezas incidentales y temas para cerca de 200 programas de la BBC Radio y la BBC T . Una selección de sus mejores creaciones de música electrónica para la BBC durante los sesentas puede ser encontrada en el álbum BBC Radiophonic Music (BBC Records), el cual fue publicado en CD en el 2002. Muchas de las pequeñas piezas que Derbyshire creo en el Radiophonic Workshop fueron usadas por muchos años como música incidental por la BBC y otras tele radiodifusoras, incluida la ABC (Australian Broadcasting Corporation.
En los tardíos sesentas, vuelve a trabajar con su compañero de la Radiophonic Workshop Brian Hodgson en el set up del Kaleidophon studio en Camden Town con el aporte del músico electrónico David Vorhaus. El estudio generaba material para varios teatros londinenses y, en 1968, los tres lo usaron para producir su primer álbum como banda White Noise. Aunque las grabaciones posteriores fueron esenciales, solo el disco debut de Vorhaus, An Electric Storm hecho en colaboración con Derbyshire y Hodgson es ahora considerado un importante e influyente material en el desarrollo de la música electrónica, prefigurando el sonido de Stereolab o Broadcast por 20 años. El trío, usando pseudónimos, también contribuyo a la biblioteca de la Standard Music. Muchas de esas grabaciones, incluyendo composiciones de Delia con el nombre de "Li De la Russe", fueron mas tarde usadas en los setentas por ITV para Doctor Who; The Tomorrow People y Timeslip. David Vorhaus - White Noise - An Electric Storm.rar Delia Derbyshire, Dudley Simpson, Brian Hodgson - The Tomorrow People.rar
En 1967, asistió a Guy Woolfenden con su score electronico para la producción de Peter Hall de Macbeth con la Royal Shakespeare Company. El par tambien contribuyó a la música del film de Hall de 1968 Work Is a Four-Letter Word. Sus otros trabajos durante este periodo incluyen tomar parte en una performance de música electrónica en The Roundhouse, donde tambien se destaco el trabajo de Paul McCartney, el soundtrack para un film de Yoko Ono, el score para un desfile de modas estudiantil auspiciado por el ICI y los sonidos para la pelicula premiada deAnthony Roland con fotografia de Pamela Bone, titulada Circle of Light.
En 1973, ella dejo la BBC para trabajar una breve temporada en el estudio Hodgson's Electrophon, lapso durante el cual contribuyo a la factura del soundtrack para el film The Legend of Hell House, para por fin, interrumpir la composición musical. Tuvo entonces una serie de trabajos como operadora de radio, en una galería de arte y en una librería.
Retorno a la actividad musical a finales de los noventas, habiendose interesado por las propuestas del músico electrónico Peter Kember para volver a producir. Estaba trabajando en un álbum cuando murió a los 64 años.
Mucho antes de Sodenbergh, antes incluso que Tarkovsky, en el año 1968, un director soviético llamado Boris Nirenburg rodó Solaris; una producción en blanco y negro para la televisión rusa en dos actos, de la cual no se supo absolutamente nada fuera de las fronteras del país durante más de treinta años debido a la implantación de aquella barrera política, social y cultural que fue conocida como Cortina de Hierro. Los actores parecen recitar el propio texto original de Lem en lugar de un guión adaptado, y parece ser que la fidelidad del film es bastante superior a las de las siguientes realizaciones. Sobra decir que la de Tarkovsky es la de mayor calidad cinematografica de todas, y eso esta fuera de toda discusion. Solaris_1968_T.V.Rip.V.O.Acto1 Solaris_1968_T.V.Rip.V.O.Acto2
Sergei Eisenstein, Vsevolod Pudovkin, Grigori Alexandrov
Manifiesto del contrapunto sonoro
El sueño largo tiempo acariciado del cine sonoro es una realidad. Los norteamericanos han inventado la técnica del film hablado y lo han llevado a su primer grado de utilización práctica. Alemania, asimismo, trabaja muy seriamente en idéntico sentido. En todas partes del mundo se habla de esta cosa muda que finalmente ha encontrado su voz. Nosotros, que trabajamos en la Unión Soviética, somos plenamente conscientes de que nuestros recursos técnicos carecen de la envergadura suficiente para permitirnos esperar un éxito práctico y rápido en este camino. Pero ello no impide que consideremos interesante enumerar un cierto número de consideraciones preliminares de naturaleza teórica, teniendo en cuenta, además, que si no estamos mal informados parece que este nuevo progreso tiende a orientarse por un mal camino. Porque una concepción falsa de las posibilidades de este descubrimiento técnico no sólo puede estorbar el desarrollo del cine-arte, sino que también puede aniquilar su auténtica riqueza de expresión actual. El cine contemporáneo, al actuar como lo hace por medio de imágenes visuales, produce una fuerte impresión en el espectador y ha sabido conquistar un lugar de primer orden entre las artes. Como sabemos, el medio fundamental -y por añadidura, único- mediante el cual el cine ha sido capaz de alcanzar tan alto grado de eficacia es el montaje. El perfeccionamiento del montaje, en tanto que medio esencial de producir un efecto, es el axioma indiscutible sobre el que se ha basado el desarrollo del cine. El éxito universal de los filmes soviéticos se debe en gran parte a un cierto número de principios del montaje, que fueron los primeros en descubrir y desarrollar.
1.- Así pues, los únicos factores importantes para el desarrollo futuro del cine son aquellos que se calculen con el fin de reforzar y desarrollar sus invenciones de montaje para producir un efecto sobre el espectador. Al examinar cada descubrimiento, situándose en esta perspectiva, es fácil demostrar el escaso interés que ofrece el cine en color y en relieve en comparación con la gran significación del sonido.
2.- El film sonoro es un arma de dos filos, y es muy probable que sea utilizado de acuerdo con la ley del mínimo esfuerzo, es decir, limitándose a satisfacer la curiosidad del público. En los primeros tiempos asistiremos a la explotación comercial de la mercancía más fácil de fabricar y de vender: el film hablado, en el cual la grabación de la palabra coincidirá de la manera más exacta y más realista con el movimiento de los labios en la pantalla, y donde el público apreciará la ilusión de oír realmente a un actor, una bocina de coche, un instrumento musical, etc. Este primer periodo sensacional no perjudicará el desarrollo del nuevo arte, pero llegará un segundo periodo que resultará terrible. Aparecerá con la decadencia de la primera realización de las posibilidades prácticas, en el momento en que se intente sustituirlas con dramas de "gran literatura" y otros intentos de invasión del teatro en la pantalla. Utilizado de esta manera, el sonido destruirá el arte del montaje, pues toda incorporación de sonido a estas fracciones de montaje las intensificará en igual medida y enriquecerá su significación intrínseca, y eso redundará inevitablemente en detrimento del montaje, que no produce su efecto fragmento a fragmento sino -por encima de todo- mediante la reunión completa de ellos.
3.- Sólo la utilización del sonido a modo de contrapunto respecto a un fragmento de montaje visual ofrece nuevas posibilidades de desarrollar y perfeccionar el montaje. Las primeras experiencias con el sonido deben ir dirigidas hacia su no coincidencia con las imágenes visuales. Sólo este método de ataque producirá la sensación buscada que, con el tiempo, llevará a la creación de un nuevo contrapunto orquestal de imágenes-visiones e imágenes-sonidos.
4.- El nuevo descubrimiento técnico no es un factor casual en la historia del film, sino una desembocadura natural para la vanguardia de la cultura cinematográfica, y gracias a la cual es posible escapar de gran número de callejones que realmente carecen de salida; el primero es el subtítulo, pese a los innumerables intentos realizados para incorporarlo al movimiento o a las imágenes del film; el segundo es el fárrago explicativo que sobrecarga la composición de las escenas y retrasa el ritmo. Día a día, los problemas relativos al tema y al argumento se van complicando. Los intentos realizados para resolverlos mediante unos subterfugios escénicos de tipo visual no tienen otro resultado que dejar los problemas sin resolver, o llevar al realizador a unos efectos escénicos excesivamente fantásticos. El sonido, tratado como elemento nuevo del montaje (y como elemento independiente de la imagen visual) introducirá inevitablemente un medio nuevo y extremadamente eficaz de expresar y resolver los complejos problemas con que nos hemos tropezado hasta ahora, y que nunca hemos llegado a resolver por la imposibilidad en que nos hallábamos de encontrar una solución con la ayuda únicamente de los elementos visuales.
5.- El «método del contrapunto» aplicado a la construcción del film sonoro y hablado, no solamente no alterará el carácter internacional del cine, sino que realzará su significado y su fuerza cultural hasta un punto desconocido por el momento. Al aplicar este método de construcción, el film no permanecerá confinado en los límites de un mercado nacional, como sucede en el caso de los dramas teatrales y como sucedería con los dramas teatrales filmados. Al contrario, existirá una posibilidad todavía mayor que en el pasado de hacer circular por el mundo unas ideas susceptibles de ser expresadas mediante el cine.