Será posible, o siempre seremos hablados por otros? Desde aqui apoyamos la Implementación Pública del Derecho a la Comunicación.

A partir del último Día Internacional de los Derechos Humanos, jueves 10 de diciembre, se inició el Proyecto “Comunicarnos”. Campaña argentina por el Derecho a la Comunicación.
El objetivo de este proyecto es promover la formación de la ciudadanía sobre el Derecho a la Comunicación y estimular su compromiso y participación para hacer efectivo su cumplimiento como uno de los Derechos Humanos fundamentales para la Democracia.
El Derecho a la Comunicación implica la garantía de la participación democrática, el ejercicio de la ciudadanía, la pluralidad y la igualdad de oportunidades en el acceso equitativo y la producción colectiva de conocimiento.

Les recomendamos leer el texto de Maria Paula Saffon: "El derecho a la comunicación: Un derecho emergente".

Fuente:
http://www.comunicarnos.gob.ar/comunicarnos/

Piazzolla/Borges: El TANGO!

En 1965, Astor Piazzolla y Jorge Luis Borges se unieron para crear juntos “El tango”, un disco en el que participaron el Quinteto de Piazzolla, Edmundo Rivero y Luis Medina Castro.
El disco incluyó varias milongas y tangos compuestos sobre poemas recientes del escritor argentino, en su mayoría publicados en su libro de poemas Para las seis cuerdas. Se agregaron a la lista otros tres: “El Tango”, “Oda íntima a Buenos Aires” y “Alguien le dice al tango”, este último incluido en la primera edición de Para las seis cuerdas pero excluido en la segunda. Casi todos los poemas elegidos remiten a la imagen tan recurrente en Borges del cuchillero.
Se incluyó también una suite que Piazzolla había compuesto en 1960 inspirándose en su “Hombre de la esquina rosada” y que nunca había sido grabada.
En general las letras se ciñen al texto de los poemas publicados por Borges. En otras ocasiones, hay diferencias, todas ellas consentidas o decididas por Borges, puesto que el escritor estuvo presente durante las grabaciones y se dice que solía llamar al maestro Piazzolla en medio de la noche para comentarle cambios que se le habían ocurrido para algún verso.









El escritor asistió a las grabaciones en los estudios de EMI Odeón. Según rescata Oscar López Ruiz, integrante del Quinteto, en el libro "Piazzolla loco, loco, loco", Astor se acercó en plena grabación a Borges para preguntarle por la interpretación de Edmundo Rivero. Con su humor irónico y punzante, el escritor respondió: "Sí,claro. Pero a mi me gustaba más como cantaba la chica", en referencia a la esposa de Piazzolla, que ni siquiera era intérprete. "Fue tal la explosión de carcajadas que los cristales de la sala de control casi se parten", comentó López Ruiz.

Mas informacion, y descarga del disco en:

cirque du chaos

Ver Nota "Astor Piazzolla y Jorge Luis Borges, enemigos íntimos"
Por Jorge H. Andrés en La Nacion On-line

Fuente:
http://revistaaxolotl.com.ar/vvocce08.htm
http://www.piazzolla.org/works2/el.html

WILLIAM BURROUGHS: El lenguaje es un virus proveniente de otro planeta.

Según Burroughs, el ser humano está alienado por el lenguaje. Considera que el lenguaje (y las normas gramaticales y sintácticas que le caracterizan) es un organismo parásito, un virus, que ha elegido nuestras mentes como hábitat. El problema se complica porque los seres humanos infectados no saben que lo están.La auténtica revolución no es de índole social, sino mental. Deshacerse del virus lenguaje es el primer paso. La guerra contra este virus establece una continuidad en gran parte de su obra, donde los protagonistas (humanos, extraterrestres, seres inorgánicos, demonios) están claramente de un bando o de otro y se enfrentan violentamente, sin reglas de ningún tipo.

En 1959, el artista plástico Brion Gysin le comentó a Burroughs que "la literatura estaba cincuenta años atrasada con respecto a la pintura". Le sugirió, siguiendo el ejemplo de movimientos de vanguardia como los dadaístas y los surrealistas, que usara técnicas de collage en su escritura. Burroughs y Gysin experimentaron con montajes de texto e imágenes, por ejemplo, superponiendo discursos presidenciales y fragmentos de Rimbaud o Shakespeare. Burroughs había utilizado sin saberlo la técnica del cut-up en "El almuerzo desnudo", pero el comentario de Gysin lo liberó de sus prejuicios y lo invitó a continuar experimentando.



Dijo el crítico Robin Lydenberg: "en lugar de licuefacción condensada en una sola imagen, Burroughs crea una aleatoria, infinita variedad de implosiones y explosiones, el ritmo pulsante mismo de la vida". Esto es, una manera de expresar múltiples visiones por medio de la mezcla de hechos disparatados, ciencia ficción e imaginería para hallar puntos de convergencia que antes estaban escondidos. Un ejemplo en la red de su prosa, de los menos abiertamente "experimentales"



En la obra de William Burroughs el sujeto se encuentra manipulado y transformado por los procesos de contagio. El lenguaje es un virus que se reproduce con gran facilidad y condiciona cualquier actividad humana, dando cuenta de su intoxicada naturaleza. Los textos de Burroughs proliferan sin principio ni fin como una plaga, se reproducen y alargan en sentidos imprevisibles, son el producto de una hibridación de muy diversos registros que no tienen nada que ver con una evolución literaria tradicional, sus diferentes elementos ignoran la progresión de la narración y aparecen a la deriva desestructurando las novelas de su marco temporal, de su coexistencia espacial, de su significado, y posibilitando que sea el lector quien acabe por estructurarlas según sus propios deseos.





El virus informático, es el más curioso y paradójico síntoma de que la tecnología, al desbordar sus finalidades, provoca imprevisibles ironías. Ellos, remotos, numerosos, multidireccionables, anónimos, apostados esperando el sabotaje patológico: a fuerza de autorreproducción ciega, amenazan con llevar el sistema al estado de entropía máxima, muerte térmica de la programación, donde sólo habita el virus.
Es posible que en algunos años las técnicas de escritura viral, ya hoy en un embrionario proceso invasivo, pasen a constituirse en los únicos medios de expresión, en el ultimo balbuceo de un lenguaje infiltrado y parasitado, en el cierre definitivo del universo del discurso.



Su principal síntoma fue el lenguaje. En este teorema de Burroughs el síntoma y el agente infeccioso son indistinguibles. El lenguaje humano es una espora semiótica de virus desmolecularizados, con los que la CIA, la KGB y otras instituciones espectrales infectan y reinfectan a la población incauta. La adición a las drogas, las perversiones y los motines urbanos actúan como señales sintomáticas y como dispositivos de contagio. El oficiante underground de la droga, del sexo y de la violencia cumple su tarea revolucionaria al acelerar indefinidamente la propagación viral masiva con todo tipo de trucos electrónicos y massmediáticos. El objetivo es la revolución apocalíptica permanente. No es difícil deducir que existe una relación simbiótica entre el recurso del apocalipsis y la consistencia espectral de las instituciones del poder



WILLIAM BURROUGHS Nació en St. Louis, en los Estados Unidos, en 1914. Graduado en Harvard, ejerció innumerables oficios en Europa y América a lo largo de sus viajes. Su experiencia vital, legendaria y activa, y que transcurre entre México, París, Londres y Tánger, le proporcionó material de primera mano para sus novelas. Los ejes fundamentales de su obra son la sociedad de la posguerra en los países totalitarios del Este, la marginación de la homosexualidad y su propia experiencia con las drogas duras. Su obra combina la fuerza visionaria con la sátira libertaria; en lo formal, se caracteriza por el uso de técnicas innovadoras como el montaje, el collage, la escritura automática y el libre fluir de la conciencia. Y además, esta especie de profeta bíblico en ácido tuvo el mérito de ser muy bien leído por gente como Bob Dylan, John Lennon, Frank Zappa, Lou Reed, Tom Waits, William Gibson, Bruce Sterling y muchos otros.




Fuentes:
http://www.elortiba.org/burroughs.html
http://www.alohacriticon.com/viajeliterario/article1175.html
http://es.wikipedia.org/
http://www.apocatastasis.com/almuerzo-desnudo-naked-lunch.htm
http://hosting.udlap.mx/profesores/miguela.mendez/alephzero/archivo/historico/az41/posmodernidad.html

Gerry Anderson y las Supermarionetas: El Verdadero Sabor de hacer las cosas a la Antigua.

Ataque de pánico: En 5 minutos, y por tan solo 300 u$s, de Montevideo a Hollywood

Es un excelente cortometraje de ciencia ficción, realizado por el cineasta uruguayo Federico Álvarez, en el se cuenta como unos robots atacan la ciudad de Montevideo en Uruguay. El corto esta causando sensación en todo el mundo, tanto que lógicamente llamo la atención de Hollywood, donde varios estudios estuvieron negociando la realización de un largometraje del mismo. Al parecer el director Sam Raimi se ha hecho de los derechos a través de su empresa Ghost House Pictures.

Cabe señalar que este corto ha tenido una atención similar a la que tuvo el sudafricano Neill Blomkamp con "Alive in Joburg", donde este corto fue fundamental para que Peter Jackson se interesara en el proyecto y realizará el largometraje "Distric 9" que ya muchos han visto.

El largometraje tendrá como título provisional "There Will Be Robots" y se filmará en Montevideo (Uruguay) y Buenos Aires (Argentina), se dice que tendrá un presupuesto de entre 30 y 40 millones de dólares.

El título provisional que se baraja para el proyecto es , y al igual que Blomkamp este uruguayo de 30 años ambientará su relato en su tierra, en este caso Montevideo (y de paso, Buenos Aires), contará con un presupuesto entre los 30 y 40 millones de dólares (para poder mantener la libertad creativa, ya que él mismo ha descartado un presupuesto mayor), e igualmente estará apadrinado por un director de renombre, Sam Raimi, quien producirá el largometraje a través de su Ghost House (y quien además se marcó un tanto adelantándose así a medio Hollywood), y con la que Álvarez ha firmado un "contrato ciego", lo que significa que sea la película que sea, el estudio de Raimi le producirá la primera película a Álvarez, quien por otro lado no puede aceptar propuestas de nadie más hasta que dicha película sea una realidad. Eso sí, lo dicho, el realizador contará con absoluta libertad creativa para el desarrollo del largometraje.





Fuentes:

http://blogs.hoycinema.com/movieland/post/2009/12/01/aaataque-paanico-cortometraje-uruguayo-causa-sensaciain
http://alt1040.com/2009/11/los-creadores-de-ataque-de-panico-rodaran-largometraje
http://www.aparato.tv/
http://www.murdoc.tv/
http://solitariogeorge.wordpress.com/2009/11/30/federico-alvarez-hizo-un-filme-de-5-minutos-subio-a-youtube-y-consiguio-millones/

Bells of Atlantis. Dr. Hugh Guiler: El banquero & Mr. Ian Hugo: El realizador.

Cuando Hugh Guiler, el esposo banquero de Anaïs Nin, comenzó su carrera artística como grabador, se cambio en nombre por el de Ian Hugo… En la mente de Guiler, había un sentimiento de intolerancia entre los mundos financieros y artísticos, y él no quiso que ambos se entrelazaran.Los grabados de Guiler encontraron su camino en las ediciones impresas a mano de Nin durante los años cuarentas, siendo quizás la mas notable la edición de Gemor de “Under a Glass Bell” (la foto promocional que puede ser vista en la cubierta de “A Café in Space”, Vol. 2).
En los cincuentas, Guiler comenzó a experimentar con el cine convirtiéndose en un verdaderamente respetado realizador del avant-garde, usando súper imposiciones y otros efectos para reflejar su visión en la pantalla. Guiler había sido iniciado en la experiencia cinematográfica por Alexander Hammid, quien en una oportunidad le sugirió: "Usa la cámara tu mismo, crea tus propios misterios, crea tu propio estilo”.



“Bells ot Atlantis” es, tal vez, el cortometraje mas conocido de Ian Hugo. Está inspirado en la novela “La casa del incesto” escrita por la propia Anaïs Nin, quien actúa como la mítica Reina de Atlantis, apareciendo a la deriva en el mundo submarino antes de subir a la tierra seca.
El film de 9 minutos, rodado en 16 mm, fue concluido en 1952, y cuenta con la participación de Len Lye y, además, uno de los primeros scores de música electrónica realizados por Louis y Bebe Barron.


En una conferencia dada en mayo de 1977, Ian Hugo dijo después de la proyección de Bells of Atlantis (basada en imágenes acuáticas presentadas en el primer trabajo de ficción (?) de Nin, The House of Incest, en el cual Nin aparece y narra): “Gracias por su tan amable respuesta, de la cual estoy seguro es también un tributo a Anaïs Nin. Realmente pienso que esta película es un acercamiento—a su estilo como poeta de primer orden, y a su presencia y extraordinaria sensibilidad, de caluroso ser humano. Seguramente puedo declarar personalmente a esto durante los casi 54 años que estuvimos casados, al momento de su muerte en enero de este año.” (Debe señalarse que la audiencia expreso un generalizado estupor, ya que ellos conocían a Ian Hugo solo como un colaborador artístico de Nin, y no como su marido) “Y agregaré que su belleza física pareció brillar desde alguna luz interior que, ahora puedo ver más claramente, permitiéndole a ella explorar, día a día, ‘el continente perdido dentro de nosotros’ (una frase de la poeta Marianne Moore en referencia a Bells of Atlantis). Y esto es solamente ahora aquello que completamente realicé debido a su mera presencia y su estimulo todos esos años, tratando de explorar mi propio ‘continente perdido’, al cual trate de llegar realizando este film.” El texto completo seria publicado al año siguiente en “A Café in Space”.





Fuentes:
http://anaisninblog.skybluepress.com/2009/03/ian-hugo-filmmaker/
http://cine-cubano-la-pupila-insomne.nireblog.com/post/2009/05/02/ian-hugo-en-la-habana
http://www.dailymotion.com/video/xanoff_ian-hugo-bells-of-atlantis_shortfilms

EFPEUM: Estructura Funcional Para Encontrarse Uno Mismo. Cine experimental Surrealista Venezolano (y encima de ciencia ficción) de la decada del 60.

"...En esos días terminé el rodaje de la película de ciencia-ficción. Cuando la estrenaron, en ese recinto siniestro llamado Cinemateca, no asistí en presencia física, pero desdoblado y desde el astral procuré escuchar los comentarios. - "la Película más loca del año"- dijeron algunos, pero nadie comprendió el asunto del arquitecto con su Estructura-funcional-para-Encontrarse-uno-Mismo. Todo el mundo se rió a carcajadas y al parecer, los espectadores se divirtieron mucho, de lo lindo; mi intención no había sido realizar un film cómico, pero así resultó y eso era el éxito. Nunca más supe de "Efpeum", quedó en manos de los productores que la habrán enlatado y la tendrán debajo de un escritorio como hacen todos los negociantes en películas por estos lados del Atlántico..."
Mauricio Odremán Nieto. "El Día en que todo haga Paff". 1973







EFPEUM significa "Estructura Funcional para Encontrarse uno Mismo". Esta Película puede ser considerada como una Joya vanguardista del Cine Venezolano, ya que aborda temas poco explorados en Venezuela, como el ocultismo y el orientalismo desde una óptica -que transita entre el género Fantástico y la Ciencia Ficción, inclusive- Describiendo el recorrido de sus personajes con el humor que caracterizó la obra literaria, pictórica y cinematográfica de este autor.
Puede ser catalogada como una obra psicodélica, incluso al descubrir la afinidad del creador con el género fantástico en sus relatos, y sus encuentros con Artistas Venezolanos como Rolando Peña, o el Americano Andy Warhol... Sin embargo, me atrevo a sugerir que este film intenta rescatar el espíritu sincrético del Surrealismo trasladado hasta Latinoamérica a través de las obras de autores como Leonora Carrington, en la Narrativa y la Pintura, o Luís Buñuel en la Cinematografía. (Autor del comentario: Jesús Odreman)

Estructura Funcional Para Encontrarse Uno Mismo

Fuente:
http://www.archive.org/details/Jos_MauricioOdremanNietoEstructuraFuncionalparaEncontrarseunoMismo