"La Tecnologia es como las Noticias: Cuando al fin la obtenemos, ya es Historia Antigua."

miércoles, 20 de julio de 2011

George Cup no es una copa, & Steve Elliott... tampoco!



La contribución de su trabajo para el movimiento de arte minimalista de los años 1960 y finales de 1970 fue el intento de un transito hacia la objetividad, la esquemática pulcritud de la lógica y una posición despersonalizada que se desarrolló en los últimos años, para incluir una postura más expansiva hacia la representación de las formas.

La búsqueda realizada a través de sus esculturas, objetos e instalaciones es una reducción sinóptica de las formas a la repetición en serie de estructuras primarias. Con reglas propias orientadas hacia aquellos sujetos que operan en términos de oposición de principio a fin, entre el vacío y la riqueza.











Con su trabajo crearon un cuerpo de trabajo junto a otros artistas minimalistas de la época, como Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd, Ronald Bladen y Tony Smith.

Fuente:
http://www.georgecupresearchcenter.com/

Jean Mitry (1907/1988): "Pacific 231" (1949).



Jean Mitry fue uno de los fundadores de la Filmoteca Francesa, junto con Henri Langlois y Georges Franju, y el primer profesor de cine de la Universidad de París y un teórico cuyos trabajos tuvieron un gran impacto en la teoría cinematográfica, sobre todo su obra magna, Estética y psicología del cine, que es el estudio más sistemático y pormenorizado a nivel general de todos los problemas y las cuestiones relativas al cine. Acercó en su figura premisas formalistas y conceptos realistas. Su intención era acercarse del modo más científico posible al cine. Su teoría se basa en las dos palabras que componen el título de su libro: Estética y Psicología. Mitry comprendía el cine como una forma estética que utiliza la imagen como medio de expresión y cuya sucesión es un lenguaje.


Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Teor%C3%ADa_cinematogr%C3%A1fica
http://luisgarciafanlo.blogspot.com/2010/04/jean-mitry-y-el-concepto-de-diegesis.html

domingo, 17 de julio de 2011

"La habitación contigua"; A.k.a.: "The Adjoining Room" (2007). Philip K. Dick Segun Daniel Romero y Raúl Garán.

"... Philippe es un joven que decide exponerse periódicamente a un fármaco a cambio de dinero. Una voz reproducida por megafonía en un almacén abandonado es su único contacto con los suministradores de la misteriosa sustancia..."








Fuentes:
http://danilebowski.blogspot.com/2008/02/la-habitacin-contigua-el-cortometraje.html
http://www.ciencia-ficcion.com/pelis/cortos/habitacioncontigua.htm

jueves, 30 de junio de 2011

Lou Reed: "Metal Machine Music" (1975)... Saquen sus Propias Conclusiones.

"...Desde su lanzamiento en 1975, Metal Machine Music (MMM) se ha instalado como uno de los álbumes más famosos e incomprendidos en la historia del rock...


...En marcado contraste con los álbumes mas populares de Reed que le precedieron, como el transformador y Berlín, MMM aparece sin cantos ni voces. En cambio, el doble álbum contenía cuatro partes - cada una con una duración alrededor de 16 minutos - en las que acoples de guitarras eléctricas se superponian para crear un complejo de pistas multiples que componian un denso collage sonoro.

El lanzamiento, el álbum fue casi universalmente defenestrado por la critica. Los aficionados esperaban más canciones en la vena de Perfect Day o Walk on the Wild Side, y se sintieron decepcionados con el sonido del nuevo álbum. Muchos de esos compradores devolvieron sus copias. Por lo que MMM fue retirado a las tres semanas de su lanzamiento.

Sin embargo, quienes escucharon atentamente el registro descubrieron una cacofonía de música nueva y vibrante, que combinaba el sonido y la energía del rock con elementos de la musica contemporánea de compositores como La Monte Young - con quien John Cale había tocado antes de unirse a Reed en The Velvet Underground..."


Ver nota completa de John Eyles.



Lenta pero inexorablemente, MMM se convirtió en un clásico de culto, y su influencia creció de manera exponencial. Dio a luz a categorías tales como el "noise" y la música industrial, que no existían en 1975. Sus efectos se siguieron sintiendo desde entonces en todo el mundo, sobre todo en Japón y Alemania.


Desde aqui pueden descargarlo.

Fuentes:
http://www.bbc.co.uk/music/reviews/wzwx
http://www.gyrofrog.com/mmm.php
http://www.allmusic.com/album/metal-machine-music-r16376/review
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article4427.html
http://www.valladolidwebmusical.org/imprescindibles/metal_machine_music.htm
http://saturnschildren.blogspot.com/2010/03/lou-reed-metal-machine-music-1975.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Lou_Reed

jueves, 26 de mayo de 2011

Rodolfo Kuhn: "Pajarito Gomez, Una Vida Feliz" (1965).

Una "... historia del ascenso a la fama de un típico cantante nuevaolero de los años 60, y como se lo construye mediáticamente con la ayuda de los medios y la comercialidad de la cosa"...



Luego de realizar dos largometrajes emblemáticos de la llamada Generación del 60 (Los jóvenes viejos y Los inconstantes), el director argentino Rodolfo Kuhn (1934-1987) conoció al poeta Francisco “Paco” Urondo y al humorista Carlos Peralta (uno de los creadores de la revista Tía Vicenta) y escribió con ellos Pajarito Gómez, el primer film argentino que se atrevió a atacar directamente a la sociedad de consumo. El catalizador fue la figura de un cantante “nuevaolero” modelado sin disimulos sobre Palito Ortega, que en 1965 se encontraba en el apogeo de su fama.



Todos los recursos formales del film están puestos en función de la sátira, que empieza con el joven cantante y el negocio que lo sostiene, pero se extiende hacia los medios masivos de comunicación: las revistas, las fotonovelas, la radio y sobre todo la TV, medio que Kuhn conocía a fondo y sobre el que ironizaba desde su primer film. El relato rompe con la forma narrativa convencional y acumula episodios sobre la vida cotidiana del ídolo y su entorno, adoptando la forma específica de cada medio de comunicación.

Parte esencial de la eficacia del film es la precisión y agudeza con que los músicos Oscar y Jorge López Ruiz imitaron el tipo de canciones pop del período. La escena final, que oscila entre el surrealismo y la desesperación, se cuenta entre las más conmovedoras de la historia del cine argentino.





Tambien les recomendamos la Reseña que hizo de la Pelicula Martha Silva que pueden ver aqui.

"Pajarito Gomez"

Fuentes:
http://www.malba.org.ar/web/cine_pelicula.php?id=1247&subseccion=peliculas_proyectadas
http://nosoyloquedeberia.blogspot.com/2010/08/pajarito-gomez-post-numero-dos.html
http://www.rosariocine.com.ar/Pajarito-Gomez-Un-vida-feliz_3017
http://primerapagina93.blogspot.com/2010/09/rodolfo-kuhn.html

sábado, 21 de mayo de 2011

200 Moteles (1971): Frank Zappa & The Mothers of Invention.





200 Moteles fue filmada en 1970 en los famosos estudios Pinewood, en las afueras de Londres, durante siete días en jornadas de 8 horas. El montaje demandó once días de 10 horas cada uno. Del guión original, sólo un tercio llegó a registrarse.

Fue el primer film en la historia en ser grabado en VIDEO TAPE y luego transferido a celuloide Technicolor de 35mm (como un film convencional). Según el propio Zappa: "definió el estándar de las técnicas más avanzadas de vídeo de su momento".

La música fue compuesta durante 5 años mayormente en habitaciones de hoteles y moteles (de ahí el título) en medio de las giras, y se grabó en vivo durante la filmación (excepto "Penis Dimension").

La película y el disco doble (2-LPs) fueron editadas por United Artists.

El costo total del film fue de us$ 679.000 (dólares norteamericanos). Los másters originales fueron vendidos como cinta usada en us$ 4.000 para "achicar el presupuesto" por el productor Jerry Goode. De esta manera se perdió el máster y todas las imágenes que habían quedado inéditas.










Fuentes:
http://webspace.webring.com/people/dg/gasio/200sobre.html
http://pdxfilm.wordpress.com/2010/06/09/pdxfilm-presents-frank-zappas-200-motels-2/